5 chansons de 1969 qui définissent l'histoire du rock

À la fin des années 1960, la musique populaire avait déjà subi un changement radical par rapport au début de la décennie. La contre-culture des années 60 battait son plein, le sentiment anti-guerre faisait rage avec la guerre du Vietnam, le mouvement pour les droits civiques avait culminé avec la loi sur les droits civiques de 1964 et les artistes devenaient de plus en plus expérimentaux et agités avec l'air du temps. Toute cette verve socioculturelle et musicale a culminé avec le célèbre festival de musique de Woodstock en 1969, l'année même où le rock a vu certaines de ses chansons déterminantes passer sur les ondes.

En d’autres termes, 1969 place la barre assez haut pour les chansons qui définissent l’histoire du rock. En choisissant les chansons de cet article, nous devons essayer de résumer non seulement l’esprit de l’époque, mais aussi la façon dont cet esprit a évolué d’une décennie à l’autre. Cette transition est marquée par la chute d'artistes marquants comme les Beatles, qui ont sorti « Abbey Road » en 1969 avant de se séparer en 1970, et par la montée de la prochaine génération de rock vis-à-vis des premiers albums de groupes comme Led Zeppelin. Dans le même temps, le rock s'est éloigné du psychédélisme, du folk et du blues vers des sous-genres tels que l'art rock, le punk rock et le Roots Rock, qui doivent tous être représentés dans notre article.

Enfin, il n’est vraiment pas possible pour une chanson de « définir » une époque à moins qu’elle n’ait obtenu un grand succès auprès du public. Cela signifie que nous devons nous éloigner des chansons obscures, aussi bonnes soient-elles. D’un autre côté, nous ne voulons pas non plus que cet article soit une sélection stupide des plus grands succès. Alors, qu'il s'agisse des Beatles, de Zeppelin, du proto-punk des Stooges ou de la théâtralité du personnage de Ziggy Stardust de David Bowie, voici quelques chansons qui ont défini le rock de 1969.

Si un groupe représentait l’état de la musique rock vers 1969, c’était bien les Beatles. Cette année-là, les Fab Four – sans doute l’avant-garde musicale de toutes les années 60 – ont sorti leur désormais emblématique « Abbey Road ». Ils ont évolué rapidement au cours des années 60, tout autant que les années 60 les ont influencés, passant de l'harmonica et des harmonies de « Love Me Do » en 1963 au psychédélisme étrange de « Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band » quatre ans plus tard, en 1967. Trois ans plus tard, en 1970, la période relativement brève au soleil des Beatles a pris fin lorsqu'ils se sont officiellement dissous, sortant leur dernier album « Let it Be » comme prix de consolation. Il est donc extrêmement ironique qu’à la fin d’une époque, l’un des morceaux phares d’Abbey Road s’intitule « Come Together ».

Musicalement, « Come Together » n'est rien de ce que quiconque aurait pu imaginer que le boys band britannique épuré du milieu des années 60 écrirait dans quelques années. C'est groovy, plutôt doux et caractérisé par l'une des lignes de basse les plus reconnaissables de l'histoire du rock. Mais comme l’ensemble de « Abbey Road », « Come Together » n’est pas aussi farfelu que certaines des précédentes incursions des Beatles. La chanson et son album servent de mini-rétrospective et de synthèse non seulement de la carrière et de l'évolution musicale des Beatles, mais aussi des années 60 dans leur ensemble. Rock, blues, folk, funk, psychédélisme et échos de contre-culture : ils sont tous présents dans « Come Together » et son album.

Malheureusement, les Beatles n'ont pas joué « Come Together » sur le toit du bâtiment Apple de Saville Row, à Londres, lors de leur légendaire et dernière représentation publique – une performance partiellement incluse dans leur documentaire de 1970, « Let it Be ». Mais ils se sont au moins réunis une dernière fois pour clôturer la décennie.

S’il y a un groupe qui représente le passage du flambeau musical du rock d’une décennie à l’autre, c’est bien Led Zeppelin. Devenus majeurs alors que les Beatles se dirigeaient vers leur sortie, ils ont sorti leurs deux premiers albums studio en 1969, « Led Zeppelin » et « Led Zeppelin II ». Influencé par le blues et aux rimes complexes, axé sur les riffs mais avec suffisamment d'accroches chantables, plein de verve, de fanfaronnade et de sex-appeal, Zeppelin a défini l'état du rock à venir tout en ayant un pied dans son passé. Et parmi toutes les chansons des deux premiers albums du groupe, « Whole Lotta Love » de « Led Zeppelin II » définit l’histoire du rock en 1969.

Si le premier album éponyme de Led Zeppelin était une incursion de blues rock et à tempo plus lent (ce qui a frotté les critiques dans le mauvais sens), le deuxième album du groupe – dirigé par « Whole Lotta Love » – était son frère aîné plus arrogant, plus rock et un peu plus sauvage. Non seulement « Whole Lotta Love » se détache et ressemble à une jam session du côté musical, mais il s'appuie ouvertement sur la révolution sexuelle de son époque. Les paroles de Robert Plant décrivent une histoire franchement excitante, avec des lignes comme : « Je vais te donner chaque centimètre de mon amour », « Bébé, bébé, j'ai désiré / Tout au fond de l'intérieur / Euh, chérie, tu en as besoin » et « Secoue pour moi, ma fille / Je veux être ton homme de porte dérobée. » Si cela ne suffisait pas, il y a les sons vocaux orgasmiques pendant le pont de la chanson.

« Whole Lotta Love » préfigure également le rock d'arène à gros crochets des années 80, avec sa double focalisation sur le sexe et le rock. En 1977, Zeppelin a lui-même établi un record mondial de fréquentation du stade couvert du Pontiac Silverdome, avec environ 76 000 spectateurs présents.

Alors même que les Beatles étaient sur le point de disparaître et que Zeppelin était en route, les courants sous-jacents du rock bouillonnaient. Les années 60 ont vu un groupe de groupes jeunes, énergiques et bruts, qui étaient essentiellement des groupes de garage, arriver sur la scène musicale, des groupes surnommés plus tard « proto-punk » pour la façon dont ils ont jeté les bases du punk rock du milieu des années 70. Le plus grand de ces groupes a sorti son premier album éponyme en 1969, « The Stooges ». Le single principal de l'album, « I Wanna Be Your Dog », représente un moment critique dans l'histoire du rock lorsque certains musiciens et fans ont jeté par la fenêtre toute la masse accumulée des standards du rock des années 60.

« I Wanna Be Your Dog » est plein de guitares floues, de boucles répétitives et est manifestement grossier par rapport à la plupart de ses frères musicaux. Sa progression d'accords de base et descendante se compose de seulement trois accords de puissance, l'un des types d'accords les plus simples à jouer qui ne nécessite que deux notes. Sa batterie, sa basse et une note de clavier – écrasée encore et encore sur toute la durée de la chanson – sont tout aussi basiques. Mais cela fait partie de l’attrait et du but de la musique. « I Wanna Be Your Dog » définit la réaction et la rupture avec toutes les prétentions rock des années 60.

De plus, « I Wanna Be Your Dog » nous a offert un nouveau type de leader du rock sous la forme d'Iggy Pop. Le rocker de choc original, Iggy Pop, se caractérisait par des pitreries scéniques gonzo qui viraient au territoire violent, comme lorsqu'il s'est gravé un X dans la poitrine avec un couteau en 1974 après avoir tenté d'inciter un membre du public à l'attaquer. C'est du punk, d'accord.

Alors même que les Beatles disparaissaient, que le rock se transformait en rock d'arène et que les mecs des groupes de garage se débarrassaient des accords de puissance, une autre branche du rock a divergé à la fin des années 60 pour représenter ce que nous pourrions appeler le rock de feu de camp, le rock Roots, le folk rock, etc. Entrez Creedence Clearwater Revival (CCR), un groupe de quatre musiciens au succès monstrueux qui a explosé dès le départ pour décrocher neuf singles dans le top 10 en deux ans et demi. Dirigé par l'écriture succincte et géniale du chanteur et guitariste de CCR, John Fogerty, CCR a sorti trois albums studio complets rien qu'en 1969. Bien que nous puissions pratiquement choisir n'importe quel grand single de ces albums pour représenter cette empreinte particulière de l'histoire du rock, nous allons choisir « Bad Moon Rising » de « Green River ».

Imminemment chantable et accessible, véritablement une « chanson » plutôt qu'un séjour de composition abstrait, simple mais pas stupide, « Bad Moon Rising » représente la musique de haut niveau du CCR et du rock Roots dans son ensemble. Il y a un rythme simple, 1-2, 1-2, boom-cha, boom-cha, batterie, grattage ouvert et quelques coups de langue clairs, une mélodie vocale parfaitement structurée, et c'est tout. C'est aussi une bizarrerie pour l'époque, car cela ne ressemble vraiment à rien d'autre de la fin des années 60, y compris à des groupes de rock sudiste comme les Allman Brothers.

Et en effet, CCR n’essayait pas de ressembler à qui que ce soit. Fogerty a condensé la philosophie du groupe dans la maxime : « soyez simple et parlez avec puissance », selon Music Radar. Avec ce principe directeur du rock à l'esprit et le label autodidacte « swamp music », CCR et ses références au Deep South chargées de bayou ont dépassé les Beatles en 1969. Cette approche locale de l'écriture de chansons est également éminemment rock.

Juste au cas où vous pensiez que 1969 ne pouvait pas être une année plus impressionnante pour le rock, c'est aussi l'année où David Bowie a sorti « Space Oddity » de son album éponyme. Le sujet de la chanson lié aux vols spatiaux et sa phrase d'ouverture unique en son genre, « Ground Control to Major Tom », se synchronisaient si bien avec l'alunissage d'Apollo 11 en 1969 que la BBC a retiré la chanson de la radio parce que le Major Tom fictif rencontre une fin peu prometteuse. Il a fallu quatre années supplémentaires pour que « Space Oddity » fasse son chemin aux États-Unis lors de sa réédition, la même année où Bowie était déjà passé de son personnage de Ziggy Stardust à celui d'Aladdin Sane avec la sortie de l'album du même nom en 1973.

En d’autres termes, « Space Oddity » a défini l’histoire du rock en 1969 sur plusieurs fronts. Il s’agissait de la première grande chanson de l’un des artistes les plus vénérés du XXe siècle, David Bowie, et elle reflétait également des événements mémorables du monde réel. Cela peut sembler évident, mais oui, le film légendaire de Stanley Kubrick de 1968, « 2001 : L'Odyssée de l'espace », a été l'inspiration initiale de Bowie pour la chanson – d'où la comparaison odyssée/bizarrerie. De plus, Bowie souhaitait aborder les thèmes généraux de « l'aliénation et de l'isolement » (via UDiscoverMusic) incarnés dans son personnage solitaire de Major Tom, piégé dans l'espace.

« Space Oddity » répond également à notre segment art rock, ou glam rock, de l'histoire du rock, incarné par Bowie et qui s'est poursuivi tout au long des années 70. Cette branche du rock a également constitué l'un des fondements des « hair bands » des années 80, comme on les appelait, comme Twisted Sister, Poison, Cinderella, etc., et s'est même répandue dans des actes théâtraux et non rock jusqu'à nos jours, comme Lady Gaga.