5 chansons de 1972 qui définissent l’histoire du rock

Ce n’est pas une hyperbole de décrire 1972 comme une année monumentale pour la musique rock. La liste des sorties encore classiques qui seront dévoilées au cours de cette seule période de 12 mois est aussi impressionnante qu'éclectique, y compris « Exile on Main Street » des Rolling Stones, « Machine Head » de Deep Purple, « All the Young Dudes » de Mott the Hoople, le premier album éponyme des Eagles, « Can't Buy a Thrill » de Steely Dan, « Harvest » de Neil Young, « Harvest » d'Elton John. « Honky Château », « For the Roses » de Joni Mitchell et bien d'autres.

À vrai dire, cette année a été secouée par des changements majeurs alors qu’un voyage évolutif en cours a fondamentalement modifié le paysage musical, transformant ce qui était, quelques années plus tôt, un monde quelque peu homogène de la musique pop en un gombo musical en constante évolution. En fait, en 1972, le rock s'est divisé en un éventail de sous-genres, allant du glam rock au prog rock, en passant par le hard rock, le soft rock, le funk rock et même un son astucieux aux influences jazz qui finirait par être connu sous le nom de yacht rock (même si le terme lui-même ne sera inventé que des décennies plus tard).

En 1972, les artistes ont pris des mesures audacieuses, effectuant de grands changements avec des résultats souvent sublimes. Pour creuser encore plus profondément, lisez la suite pour explorer cinq chansons de 1972 qui définissent l’histoire du rock.

David Jones parcourait la scène musicale londonienne depuis des années, changeant finalement son nom pour David Bowie et marquant son premier grand succès avec « Space Oddity » en 1969. Ses albums suivants (« The Man Who Sold the World » des années 1970 et « Hunky Dory » de 1971) ont démontré l’évolution musicale de Bowie, mais n’ont pas tenu la promesse de « Space Oddity » – du moins pas commercialement.

Tout cela s'est réuni avec sa sortie en 1972, « The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars ». Pour cet album, Bowie a réinventé à la fois son son et son look, troquant ses longues mèches hippie contre un mulet hérissé, teint en orange vif, se rasant même les sourcils pour se présenter comme la rock star extraterrestre titulaire de l'album. L'album concept regorge de classiques, dont « Suffragette City », « Starman » et « Rock 'n' Roll Suicide », mais pour l'audace, il est difficile de battre « Moonage Daydream ». Bowie explose dès le départ, accompagné d'un puissant riff de guitare de Mick Ronson. « Je suis un alligator, je suis un maman-papa qui vient pour toi », grogne Bowie dans les paroles d'ouverture, une déclaration de l'androgynie qui caractériserait le glam.

Alors que Marc Bolan de T. Rex est généralement considéré comme le parrain du glam rock, « Ziggy » a propulsé le genre vers de nouveaux niveaux de popularité stupéfiants tout en catapultant Bowie au rang de star du rock. Et bien que la véritable histoire derrière « Moonage Daydream » de Bowie soit fascinante, avec le recul, la chanson peut être considérée comme la déclaration de mission glam-rock de Bowie selon laquelle un nouveau jour scintillant s'était levé.

Il est juste de dire que David Bowie et son guitariste des Spiders from Mars, Mick Ronson, ont eu les bras occupés en 1972, mais ils ont également trouvé le temps de coproduire un autre album de 1972 qui est devenu un véritable classique : « Transformer », de l'auteur-compositeur-interprète Lou Reed. Depuis qu'il s'est lancé en solo après la disparition du Velvet Underground, Reed s'est imposé comme un favori culte jusqu'à ce que « Transformer » le perce dans le courant dominant, chevauchant le manteau glam scintillant de Bowie.

Sans doute l’album le plus accessible de Reed, il a été le premier à figurer dans le Top 40 – grâce au single « Walk on the Wild Side ». Tandis que Bowie emmenait ses fans dans un voyage fantastique dans l'espace, « Walk on the Wild Side » présentait les pieds de Reed fermement plantés sur le sol crasseux du sous-sol de New York.

Poussé par une ligne de basse au groove lent, Reed a emmené les auditeurs dans un voyage rempli de tabous avec plusieurs des soi-disant superstars d'Andy Warhol, dont Joe Dallesandro (alias Little Joe), Candy Darling, Holly Woodlawn, Jackie Curtis et la Fée Sugarplum (un personnage joué dans un film de Warhol par Joe Campbell), les stars d'un tube énervé faisant référence au transgenre, aux actes sexuels et à la consommation de drogues. Bien que le sujet soit certainement choquant pour l’époque, Reed n’a jamais pensé à sa chanson sous cet angle. « J'ai pensé que ce serait amusant de présenter les gens que vous voyez lors des fêtes mais que vous n'osez pas approcher », a-t-il déclaré un jour à Rolling Stone.

L'ancien enfant prodige Stevie Wonder a été incroyablement prolifique en 1972, sortant deux albums cette année-là : « Music of My Mind » et « Talking Book ». Ce dernier reste au sommet de l’impressionnante œuvre de Wonder, réalisée alors qu’il était au début de la vingtaine et contenant des favoris aussi durables que « You Are the Sunshine of My Life ». Cependant, c'est le single « Superstitious » qui a vraiment éclaté, atteignant la première place du Billboard Hot 100 tout en démontrant que Wonder pouvait se démarquer avec les meilleurs d'entre eux.

Fait intéressant, Wonder avait initialement écrit « Superstition » pour quelqu'un d'autre : le guitariste britannique Jeff Beck, qui avait prêté sa virtuosité à la guitare au morceau « Talking Book » « Lookin' For Another Pure Love ». Lorsque le label de Wonder a correctement assuré que la chanson serait un succès, Wonder a été persuadé de l'enregistrer lui-même et de l'inclure sur l'album. Beck, cependant, avait déjà enregistré sa propre version de « Superstition », qui devait initialement sortir en premier. Lorsque ce disque a été retardé, au moment où la version de Beck est sortie, le single de Wonder était déjà devenu un succès international.

Ce qui rend la chanson si révolutionnaire, c'est le Clavinet, un clavier électrique avec lequel Wonder avait récemment commencé à expérimenter. « Quand vous entendez l'intro du Clavinet dans « Superstition », ce que vous entendez, c'est quelqu'un qui interagit avec un instrument et découvre comment le faire sonner comme lui », a déclaré le critique musical Tom Moon à « All Things Considered » de NPR. « Personne d'autre ne joue du Clavinet comme Stevie Wonder. Il l'a fait parler. »

Lorsqu’on examine les histoires vraies derrière les chansons d’Elton John, l’origine fascinante de « Rocket Man » ne peut être ignorée. Selon « His Song: The Musical Journey of Elton John », le parolier Bernie Taupin a été frappé par l'inspiration lorsqu'il a levé les yeux vers le ciel et a vu ce qui était soit une étoile filante, soit un avion de ligne. Quoi qu’il en soit, il a commencé à réfléchir à ce que cela devait être d’être un astronaute, regardant la planète Terre depuis l’espace, et les paroles lui sont venues à l’esprit.

Le morceau phare de l'album « Honky Château » de John, « Rocket Man », est devenu la chanson signature de John, inspirant même le titre du biopic hollywoodien sur sa vie, « Rocketman ». « C'était une chanson assez facile sur laquelle écrire une mélodie », a partagé John dans une vidéo de 2023 le mettant en vedette avec Taupin, qu'il avait publiée sur Instagram. « C'est une chanson sur l'espace, donc c'est une chanson spacieuse. »

Plus d'un demi-siècle après sa sortie, « Rocket Man » reste un favori des fans qui continue d'être régulièrement diffusé à la radio – ainsi qu'un incontournable lors des émissions en direct de John. La popularité durable de la chanson était évidente lorsqu'un sondage Ipsos réalisé en 2025 auprès du public britannique a révélé que « Rocket Man » était la chanson la plus populaire de John. « Je ne tiens jamais pour acquis que nos chansons ont résisté à l'épreuve du temps », a déclaré Taupin à l'Associated Press. « Je suis complètement complimenté par cela. Et je ne le prends jamais pour acquis. »

Fondé par le guitariste Walter Becker et le claviériste Donald Fagen, Steely Dan a sorti son premier album studio en 1972, « Can't Catch a Thrill ». Le premier single de l'album, « Do It Again », était un succès immédiat, culminant à la 6e place du Billboard's Hot 100.

Poussées par un groove de percussions paresseux mais propulsif, les paroles complexes et cyniques de la chanson influencée par le jazz abordent l'infidélité et la dépendance tout en examinant les comportements répétitifs et autodestructeurs – comme en témoigne le refrain accrocheur de « Tu reviens, Jack, fais-le encore / La roue tourne en rond ». La chanson présente également l'un des solos de guitare les plus suavement distinctifs du rock, avec le guitariste Denny Dias imitant adroitement un sitar. Interviewé par Rick Beato, Dias a révélé que le solo désormais emblématique était joué sur un instrument loin d'être idéal. « C'était une location. C'était une merde », a-t-il déclaré. « C'était essentiellement une guitare Danelectro avec un chevalet spécial qui la faisait bourdonner et sonner comme un sitar. »

Steely Dan allait emmener le jazz-rock dans de nouvelles directions distinctives, et « Do It Again » a jeté les bases en 1972 de ce qui allait arriver. Fait intéressant, même si entendre l’ouverture instantanément identifiable de la chanson suffit à faire sourire n’importe quel fan, Fagan n’a pas toujours pensé aux premières sorties du groupe avec tendresse. « Eh bien, oui, vous savez, je n'écoute pas nos vieux disques, mais s'il m'arrive d'en entendre un à la radio, mon sentiment général est l'humiliation », a déclaré Fagen à Musician Magazine en 1981 (via The Steely Dan Reader). « Je ne comprends pas vraiment certains de nos trucs précédents. »