5 chansons de 1973 qui définissent l'histoire du rock

En 1973, la musique rock traversait une période à la fois changeante et dominante. Les Beatles s'étaient séparés au début de la décennie et les nouveaux groupes des années 60 grandissaient et prenaient de l'ampleur. En mai, Led Zeppelin a battu des records de fréquentation des concerts devant 56 800 fans à Tampa, en Floride, et tandis que des albums légendaires comme « Dark Side of the Moon » de Pink Floyd ont atteint la première place du classement Billboard américain, « Smoke on the Water » de Deep Purple et « Bad, Bad Leroy Brown » de Jim Croce étaient des incontournables de la radio.

Dans les charts et en dehors, 1973 a vu la musique rock s'étendre sur de nouveaux territoires et explorer de nouveaux sons. Avec « Search and Destroy », Iggy and the Stooges a ouvert une voie torride au mouvement punk à venir, et Suzi Quatro a ouvert un espace pour un rock agressif et féminin avec « Can The Can ». Emmenant le glam rock dans le caniveau, « Personality Crisis » des New York Dolls a jeté les bases du glam metal qui allait germer dans les années 80. Dans le même temps, avec « Sabbath Bloody Sabbath », Black Sabbath trouve une nouvelle direction pour le heavy metal. Et en Allemagne, le brouillage mécanique du « Moonshake » de Can a ouvert une nouvelle voie pour les musiciens et rockers aux influences électroniques.

Il est impossible de résumer ce que 1973 a fait pour la musique en cinq chansons. Nous avons essayé d'inclure des chansons qui reflètent la diversité du rock de l'époque et qui ont laissé une marque indélébile. Qu'ils aient ou non fait sensation à leur époque, nous avons recherché des morceaux qui ont influencé la musique populaire qui a suivi. À notre avis, ces cinq chansons de 1973 transcendent leur époque et contribuent à définir l’histoire du rock.

« Search and Destroy » de l'album « Raw Power » était une renaissance pour Iggy and the Stooges. Après avoir été abandonné par leur label après l'échec de « Fun House » des années 1970, le groupe s'est dissous. Mais lorsque David Bowie a invité le chanteur Iggy Pop à enregistrer à Londres en 1972, il a reformé The Stooges avec ses anciens camarades du groupe James Williamson et les frères Asheton, Ron et Scott. « Raw Power » a à peine effleuré les charts, culminant à la 183e place du Billboard 200, et au début de 1974, le groupe s'est séparé pour la deuxième fois. Pourtant, peu d’albums sont aussi influents que celui-ci, et peu de chansons sont aussi féroces que « Search and Destroy ».

Bien qu'il soit courant de considérer les Ramones ou les Sex Pistols comme les « inventeurs » du punk, le son qu'ils recherchaient – ​​granuleux, déformé et entraînant – avait déjà été perfectionné par les Stooges. « Search and Destroy », qu'Iggy a co-écrit avec Williamson, a été inspiré par la couverture médiatique de la guerre du Vietnam, encore en cours. Évoquant le nihilisme qui définirait la musique punk, les paroles sont hérissées d'aliénation et de rage. « Et je suis le garçon oublié du monde » gémit Pop dans le refrain, « Celui qui cherche, cherche à détruire. »

Alimenté par les excès, l'abus de drogues et les concerts féroces, Iggy est devenu une figure légendaire quoique chaotique dans les années 70, raison pour laquelle il avait développé une réputation inégale dans l'industrie musicale. Il est difficile de trouver un musicien de punk, de hard rock ou de rock alternatif qui ne soit pas inspiré par Iggy and The Stooges. « Raw Power » a montré au guitariste des Sex Pistols, Steve Jones, comment jouer de la guitare et était l'album préféré du leader de Nirvana, Kurt Cobain, tandis que les mots « Search and Destroy » sont tatoués sur le dos du chanteur de Black Flag, Henry Rollins.

Suzi Quatro a ouvert la voie à d'innombrables groupes dirigés par des femmes. Bassiste, chanteuse et compositrice, elle a connu le succès pour la première fois après avoir quitté un groupe de garage entièrement féminin basé à Détroit, The Pleasure Seekers, pour poursuivre une carrière solo en Angleterre. Avec sa voix lamentable et son travail de guitare croustillant, « Can the Can » – tiré de son premier album – est un hymne agressif et glam rock de la monogamie. Comme Quatro l'a dit à The Independent, « Can the Can signifie 'peut-il'. Rangez votre homme dans un endroit sûr pour une utilisation future. » Centrant une perspective féminine, c'est le fanfaronnade contagieux de la chanson qui la rend intemporelle.

Bien qu’elle soit une compositrice accomplie, Quatro n’a pas écrit son premier tube. Il a été écrit pour elle par les auteurs-compositeurs Nicky Chinn et Mike Chapman, connus pour leur travail avec le groupe glam rock The Sweet. Mais au dos de « Can the Can », Quatro s’est taillé une place dans l’industrie musicale dominée par les hommes. Bien que le single ait mis plus de temps à sortir aux États-Unis, atteignant la 56e place du Billboard Hot 100 en 1976, il a dominé les charts au Royaume-Uni, en Australie et en Allemagne.

Plus important encore, avec « Can the Can », Suzi Quatro a ouvert la voie à d’innombrables artistes féminines et groupes dirigés par des femmes. Comme elle l'a déclaré à Uncut Magazine (via Yahoo News), « … en faisant ce que j'ai fait, j'ai donné la permission aux femmes du monde entier d'être différentes. » Parmi les nombreuses personnes inspirées par cette rock star figurent Joan Jett des Runaways, Debbie Harry de Blondie et la bassiste des Talking Heads Tina Weymouth.

Il est difficile d’exagérer l’ombre que Black Sabbath continue de jeter sur la musique métal et le hard rock. Lorsqu'ils adoptèrent leur nom en 1969, la musique lourde et percutante du quatuor et ses images à thème occulte étaient en avance sur leur temps. Mais le monde a rapidement rattrapé son retard et, en 1973, le groupe avait quatre albums à succès à son actif, tournait constamment et était une institution. Avec « Sabbath Bloody Sabbath », tiré de l'album du même nom, ils ont poussé leur son explosif plus loin.

Dans la foulée d'une tournée mondiale pour promouvoir « Vol. 4 », le groupe avait eu du mal à écrire et enregistrer la suite, allant même de Los Angeles à un château hanté de la campagne anglaise pour trouver l'inspiration. Avec le riff de guitare d'ouverture de « Sabbath Bloody Sabbath », le guitariste et chef d'orchestre Tony Iommi a finalement surmonté une grave crise d'écrivain. En l’entendant pour la première fois, le bassiste Geezer Butler se souvient : « c’était presque comme voir naître son premier enfant. C’était la fin de notre sécheresse musicale, le début de notre nouvelle direction » (via Louder).

« Sabbath Bloody Sabbath » comporte des moments lourds, mais c'est loin d'être la chanson la plus lourde de Black Sabbath. Ce qui fait sa pérennité, c’est son inventivité. Dans la veine des groupes de rock progressif émergents comme Yes, la chanson présente des breaks musicalement compliqués et jazzy (le claviériste de Yes, Rick Wakeman, a joué sur une autre chanson de l'album, « Sabbra Cadabra »). Ce qui a émergé a jeté les bases des sous-genres death, doom, stoner et sludge de la musique métal. Des groupes comme Cannibal Corpse, St. Vitus et Sleep font partie des innombrables groupes façonnés par « Sabbath Bloody Sabbath ».

Les New York Dolls combinaient le dynamisme de groupes comme MC5 et The Stooges avec le look androgyne et glamour de David Bowie ou de Marc Bolan de T. Rex. Se produisant souvent en spandex et en talons hauts, le groupe – derrière le flamboyant leader et chanteur David Johansen – a livré des concerts énergiques, dégoulinants de sueur, d'attitude et de décadence du centre-ville de New York. Extrait d'un premier album éponyme qui présentait le quintette maquillé et traîné sur la pochette, « Personality Crisis », écrit par Johansen et le guitariste Johnny Thunders, est trois minutes et demie de rock'n'roll sans fard et dangereux.

« Personality Crisis » dépeint l'angoisse psychique de perdre le sens de soi et de son identité. « Eh bien, ça doit être dommage quand tu commences à crier et à crier », lance Johansen, « tu dois contredire toutes ces fois où tu fais des papillons. » Bien qu'il présente des fioritures classiques du rock'n'roll, y compris des lignes de piano à la Jerry Lee Lewis, « Personality Crisis » semble en avance sur son temps. Morveuse et bruyante au lieu d'être jolie, c'est une chanson qui vous saisit par le col et vous secoue.

Probablement en raison du look choquant du groupe, l'album « New York Dolls » n'a pas connu de bons résultats commerciaux, culminant à la 116e place des charts américains. Mais on peut tracer des lignes directes entre « Personality Crisis » et les Ramones, les Sex Pistols et le punk rock de la fin des années 70. En plus de cela, le look et l'attitude emblématiques du groupe ont inspiré les groupes de hair et de glam metal des années 80, notamment Hanoi Rocks et Guns N' Roses. Tout artiste qui provoque et repousse les limites – tout en portant du maquillage à paillettes – est au moins quelque peu redevable aux New York Dolls.

Les années 70 ont vu le rock devenir plus expérimental et ambitieux, avec des groupes comme Pink Floyd, Rush et King Crimson en tête. Formé en 1968 par des musiciens d'avant-garde et de jazz à Cologne, en Allemagne, Can cherchait à briser les règles de la musique rock et pop. Considéré comme un groupe incontournable du « krautrock » avec Neu! et Faust, il a abandonné les structures de chansons traditionnelles et a opté pour des jams souvent prolongés, répétitifs et atmosphériques. « Moonshake » et l'album « Future Days » sur lequel il est apparu représentent Can à un sommet créatif.

D'une durée d'un peu plus de trois minutes, « Moonshake » est la chanson la plus courte d'un album qui ne contient que trois autres morceaux, d'une durée d'environ neuf à 20 minutes. Sur un rythme entraînant et mécanique, une ligne de basse funky et des fioritures de guitare effectuées, la voix de Damo Suzuki, oscillant entre perçante et vaporeuse, lui confère une qualité hypnotique. Plus de 50 ans plus tard, « Moonshake » sonne toujours comme venant du futur et ouvre la voie à la musique électronique. La chanson semble encore plus cool aujourd’hui qu’à l’époque.

« Moonshake » n'a pas connu un grand succès commercial, mais cela n'a jamais été un objectif de Can. Le groupe est rarement présent dans les charts, avec seulement « Spoon » de 1971 atteignant la première place en Allemagne et « I Want More » de 1976 entrant dans le Top 40 britannique. Mais la liste de ceux qui s'inspirent de ce groupe de rock expérimental est longue et traverse les genres. Tout le monde, des Talking Heads au musicien et producteur d'ambiance Brian Eno, en passant par le groupe de hip-hop Tribe Called Quest, a trouvé quelque chose dans sa musique. Redéfinissant ce qu'était le rock et comment il était censé fonctionner, Can a créé un modèle sonore que les artistes suivent encore aujourd'hui.