5 chansons de 1977 qui définissent l'histoire du rock

Bien que la plupart des gens d'aujourd'hui se tournent directement vers le disco lorsqu'ils pensent aux tendances musicales de 1977, l'année n'a pas été complète et totale pour la musique rock. En fait, le rock était très bien représenté dans les charts pop cette année-là, et plusieurs chansons ont depuis gagné la place qu'elles méritent dans l'histoire du rock.

Lors du choix des entrées pour cette liste, nous ne recherchions pas spécifiquement les grands succès des charts. Au lieu de cela, nous avons opté pour des chansons qui, selon nous, laissaient un héritage durable à la musique rock, tout en restant idéalement culturellement importantes dans des temps plus modernes. Et comme il existe de nombreuses bonnes chansons à cheval sur 1976 et 1977 (c'est-à-dire l'album parent sorti au milieu de la fin de 1976 et la chanson sortie en single au début de 1977), nous accordons une plus grande priorité à la date de sortie de l'album. Cela signifie que « Hotel California » des Eagles, bien que techniquement un single de 1977, convient mieux à une liste de chansons rock définitives de 1976. Nous avons également essayé de garder les choses aussi diverses que possible en termes de sous-genres, car cette liste présente un mélange de chansons d'arène rock, de hard rock, de heavy metal, de punk et de new wave.

Cela dit, remontons le temps et jetons un coup d'œil à cinq chansons rock de 1977 qui ont eu un impact significatif sur l'histoire plus large du genre.

Pour la plupart, les membres des Sex Pistols savaient à peine jouer de leurs instruments, et ce n'est pas comme si John Lydon, alias Johnny Rotten, était le leader le plus doué techniquement. Mais cela faisait partie de son charme, et pour le meilleur ou pour le pire, le groupe a contribué à ouvrir la porte au punk en tant que sous-genre pertinent du rock. Et c'est à juste titre que « l'hommage » de Rotten à la reine Elizabeth II, « God Save the Queen », illustre mieux l'esprit original du punk rock que tout autre morceau du premier album du groupe de 1977, « Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols ».

Tous les ingrédients d'un classique du punk sont là, des riffs de guitare hargneux de Steve Jones à la voix colérique de Rotten et à la critique verbale sans peur d'un leader mondial bien connu et de tout ce qu'il représente. Mis à part le penchant anti-autoritaire évident des couplets et du refrain, il y a ce couplet « Il n'y a pas d'avenir, pas d'avenir/Pas d'avenir pour toi » dans le pré-refrain qui capture parfaitement l'esprit nihilstique des débuts du punk rock.

Peu importe (sans jeu de mots) que le punk a depuis muté de bien des manières que les Pistols n'auraient peut-être pas imaginées possibles à leur apogée, ou que la position de Lydon/Rotten à l'égard de la reine Elizabeth II s'est adoucie au fil du temps. « God Save the Queen » a repris là où le premier single des Pistols, « Anarchy in the UK », s'était arrêté et a contribué à créer un modèle punk rock pour les générations futures de groupes qui aimaient le jouer fort et vite.

Alors que le punk rock s'efforçait de coller aux titans établis de la scène rock en 1977, il existait un autre genre étroitement lié qui venait juste de commencer à faire de même, bien qu'avec plus de maîtrise technique, beaucoup plus de bizarrerie et, dans la plupart des cas, beaucoup moins de colère. Ce genre était la new wave, et Talking Heads a été parmi les premiers groupes à entrer dans cette classification. Son premier album, le bien nommé « Talking Heads: 77 », est sorti en septembre 1977 et présente un classique certifié de la nouvelle vague dans l'avant-dernier morceau, « Psycho Killer ».

La chanson ne perd pas de temps à prouver pourquoi elle est l’une des meilleures de l’année. La ligne de basse principale, gracieuseté de Tina Weymouth, est parmi les plus reconnaissables du rock, montrant que rester simple à la basse fonctionne souvent mieux pour donner le ton d'une chanson. Et malgré son approche non conventionnelle du chant, le leader David Byrne donne à « Psycho Killer » un aspect aussi menaçant que son titre, créant une tension jusqu'à ce qu'il yodelne l'avertissement inquiétant du refrain de s'enfuir.

Bien que « Psycho Killer » ait été un succès très mineur dans les charts pop, atteignant simplement la 92e place, il reste parmi les chansons emblématiques de Talking Heads. Et c’était loin d’être leur seul enregistrement non conventionnel mais influent ; par exemple, « Once in a Lifetime » des années 1980 se classe à juste titre parmi les chansons rock les plus percutantes de cette année-là.

En 1977, Queen était incontestablement au sommet du monde du rock, après avoir sorti deux disques à succès en 1975, « A Night at the Opera » et « A Day at the Races » en 1976, qui ont tous deux donné certaines de ses chansons les plus populaires, dont « Bohemian Rhapsody » du premier album. Réussir tout ce succès était en effet un défi de taille, mais même si sa sortie en 1977, « News of the World », n'a pas réussi à se rapprocher de l'impact culturel des deux albums précédents, le single porteur du disque, « We Are The Champions/We Will Rock You », a fait plus que se classer dans le top 5 du Billboard Hot 100. Les deux faces du single ont également gagné leur place dans l'histoire du rock en tant que deux hymnes sportifs classiques.

Pour les besoins de cet article, nous préférons « We Are the Champions » à « We Will Rock You » en raison de sa plus grande profondeur lyrique et de son thème du triomphe sur l'adversité. En tant que telle, elle constitue la chanson de victoire parfaite pour toute victoire majeure lors d’un événement sportif ou d’un tournoi, mais elle peut également être une source d’inspiration pour quiconque traverse des moments difficiles. Et il va sans dire que le refrain est un plaisir à chanter – assurez-vous simplement de ne pas ajouter un « du monde » final lorsque vous chantez le refrain final, de peur de tomber dans le piège de l'un des moments musicaux à effet Mandela les plus courants.

Judas Priest n'a pas vraiment connu le meilleur des débuts en tant que groupe de metal légendaire potentiel ; son premier album de 1974, « Rocka Rolla », montrait quelques éclairs d'éclat futur, mais avait vraiment le son d'un jeune groupe essayant encore de trouver sa place. Ce n'est que sur leur troisième album, « Sin After Sin » de 1977, que les choses ont vraiment commencé à se mettre en place pour le groupe, et « Dissident Aggressor » est sans doute le morceau le plus marquant de l'album.

« Dissident Aggressor » propose certains des riffs de guitare les plus lourds de l'époque et de nombreux travaux de guitare solo complexes de Glenn Tipton et KK Downing, tout en fournissant une excellente plate-forme à Rob Halford pour montrer ses prouesses vocales. Le thème sociopolitique est également important, qui met en évidence le contraste saisissant entre l'Allemagne de l'Est et l'Allemagne de l'Ouest à l'époque du mur de Berlin, et comment le protagoniste de la chanson aspire à une liberté insaisissable en ces temps troublés.

Alors que Black Sabbath, une autre icône du metal britannique, est en déclin et qu'Ozzy Osbourne est à quelques années de quitter le groupe, Judas Priest s'est imposé de manière considérable avec « Sin After Sin » et « Dissident Aggressor », poussant le genre plus loin dans son évolution et influençant ainsi de nombreux groupes de metal. « Dissident Aggressor » a également obtenu des reprises notables de Slayer et Halestorm, qui ont tous deux obtenu le sceau d'approbation de Halford dans une interview de 2014 avec Songfacts, en disant: « … c'est juste très gratifiant que vous sachiez que vous avez fait une chanson si puissante qu'un autre grand groupe la reprendrait et lui rendrait hommage de cette façon. »

En 1977, il n'était plus inhabituel pour des groupes exclusivement féminins ou féminins de jouer du hard rock, comme en témoignent des groupes tels que les Runaways et Fanny. Il s’agissait cependant en grande partie d’actes de niche qui n’ont pas connu beaucoup de succès commercial. Heart, en revanche, a déjà connu son moment marquant avec son premier album de 1976, « Dreamboat Annie ». Et même si ce disque a généré son lot de succès, c'est le single du groupe de 1977, « Barracuda », qui se démarque encore aujourd'hui non seulement par son impact culturel, mais aussi par l'angoisse rare pour son époque qui alimentait ses paroles.

Alors que la plupart des groupes de l'époque se concentraient sur le drame relationnel lors de l'écriture de leurs chansons les plus énervantes, Heart a basé les paroles de « Barracuda » sur un coup publicitaire de mauvais goût lancé par son label, qui insinuait que la chanteuse Ann Wilson et sa sœur guitariste Nancy entretenaient une relation inappropriée l'une avec l'autre. Naturellement furieuses, les sœurs ont exprimé leurs sentiments dans l'une des chansons les plus rock du groupe et ont finalement prouvé que les femmes peuvent et doivent dénoncer les mauvais acteurs du monde de la musique dans les chansons qu'elles interprètent. « Ces paroles ont été écrites par ma vraie nature, dans une vraie rage », a déclaré Ann Wilson à Rolling Stone. « J'espère que cette chanson sera utile maintenant, lorsque les femmes réfléchissent à ce qu'elles veulent faire et ne pas faire. »

Il est certainement utile que le riff principal rapide et entraînant de la chanson corresponde parfaitement au ton lyrique enragé. C'est une autre raison clé pour laquelle « Barracuda » est toujours immédiatement reconnaissable toutes ces décennies plus tard, tout en bénéficiant d'une exposition plus contemporaine dans tout, des films et émissions de télévision à (au grand dam des sœurs Wilson) la campagne vice-présidentielle de Sarah Palin en 2008.