5 chansons rock classiques des années 70 qui ne sonnent pas vieilles de 50 ans

Il est étrange de penser que dans les années 1970 – sans doute lorsque le genre était à son apogée commerciale – la musique rock en était encore à ses balbutiements. Au début de la décennie, 19 ans seulement s'étaient écoulés depuis qu'Ike Turner et Jackie Brenston avaient sorti « Rocket 88 », largement considéré comme le premier disque de rock'n'roll, après quoi le genre a été cimenté dans la conscience du public par des artistes tels que la « marraine du rock'n'roll », Sister Rosetta Tharpe, Chuck Berry et Bill Haley. Moins de temps s'est écoulé entre l'aube de la musique rock et le début des années 1970 qu'entre la sortie de « Hollaback Girl » de Gwen Stefani et aujourd'hui.

Les techniques d'enregistrement ont considérablement progressé depuis les débuts du rock'n'roll, mais la technologie dont disposaient les musiciens, les producteurs et les ingénieurs du son en studio n'était que l'ombre de ce qu'elle est aujourd'hui. Alors que des innovateurs tels que le producteur des Beatles George Martin ont repoussé les limites de ce qui pouvait être réalisé en studio tout au long des années 1960, les artistes étaient encore principalement limités à des machines d'enregistrement à 4 pistes, sans postes de travail numériques, plug-ins ou autre assistance moderne.

Néanmoins, certaines chansons des années 1970 semblent étrangement modernes étant donné qu’elles ont été enregistrées il y a un demi-siècle. Voici cinq titres qui ont dû sonner particulièrement en avance sur leur temps à leur sortie, que ce soit grâce à leurs incroyables valeurs de production, aux artistes eux-mêmes repoussant les limites du genre rock, ou parce qu'ils sont ensuite devenus célèbres dans un contexte non rock, les faisant apparaître comme appartenant à une toute autre époque.

Le chef-d'œuvre de Fleetwood Mac, « Rumours », de 1977, s'est avéré avoir une durée de conservation remarquablement longue ; il s'est hissé dans le top 20 du Billboard 200 pas plus tard qu'en 2025, ce qui suggère que son écriture de chansons sans faille et ses valeurs de production chatoyantes continuent de correspondre aux habitudes d'écoute de la génération Taylor Swift. « Rumours » est un album tellement cohérent qu'il est impossible de le décrire en termes de moments forts. Mais quand il s’agit de morceaux au son moderne, il en faudrait beaucoup pour battre « The Chain ».

La chanson a été la première sur laquelle le groupe a travaillé pendant les sessions « Rumours », et comme elle a émergé de manière organique grâce aux jams, elle est créditée à tous les membres du groupe – la seule chanson de l'album à l'être. Toutes les performances du disque sont impeccables, mais un éloge particulier va à la superbe ligne de basse conçue et interprétée par John McVie, qui donne à la chanson un groove intemporel. Le mixage stéréo est incroyablement large, avec la guitare de Lindsey Buckingham et les claviers de Christine McVie créant une toile de fond luxuriante pour des voix parfaitement harmonisées. La chanson se construit lentement et ressemble à un voyage riche en drame émotionnel.

Brian Eno est un pionnier de la musique qui a travaillé avec certains des plus grands groupes rock des années 1970. Membre fondateur de Roxy Music et producteur de David Bowie et Talking Heads, Eno a pérennisé chaque projet dans lequel il s'est impliqué grâce à son adoption calculée d'idées d'avant-garde. Ces techniques ont permis de créer une musique qui semblait provenir d’une époque encore à venir.

La musique solo d'Eno a également démontré son innovation et son ambition. Son album de 1974 « Taking Tiger Mountain (By Strategy) » est peut-être sa sortie la plus remarquable de la décennie, avec le morceau « Third Uncle », qui ne ressemble vraiment à rien d'autre qui existait dans le paysage musical de l'époque.

Alors que d'autres groupes comme les Stooges et Dr. Feelgood présageaient l'arrivée du punk rock, « Third Uncle » semblait aller plus loin, anticipant le son de nombreux groupes post-punk qui allaient suivre dans son sillage. Avec une ligne de basse entraînante, palpitante et implacable qui sous-tend la chanson alors qu'une cacophonie de lambeaux de guitare discordants se construit autour d'elle, c'est un disque angoissant qui crée apparemment sa propre palette émotionnelle sonore. La voix intentionnellement retenue d'Eno, qui reste plate malgré la complexité lyrique de la chanson, préfigure également le style que de nombreux chanteurs adopteront plus tard dans la décennie. Une inspiration certaine pour des groupes post-punk tels que Wire et Joy Division et repris près d'une décennie plus tard par les pionniers du gothique Bauhaus, « Third Uncle » sonne aussi frais aujourd'hui qu'à tout moment depuis sa sortie.

« Hanging on the Telephone » a été la percée commerciale de Blondie au Royaume-Uni en 1978, valu au groupe new wave new-yorkais son premier succès dans le Top 10 avant de se lancer à la conquête des États-Unis avec « Heart of Glass ». Bien que l'une des chansons emblématiques de Blondie, « Hanging on the Telephone » était en fait une reprise. Le groupe qui l'a enregistré à l'origine, The Nerves, a été de courte durée mais a réussi à partager l'affiche avec Blondie, dont les membres ont visiblement apprécié le travail du groupe moindre.

Sur le plan thématique, la chanson a beaucoup en commun avec de nombreuses chansons de l'ère du garage rock du milieu des années 60 : c'est l'hymne nerveux d'un amoureux frustré, dont l'état d'esprit anxieux se reflète dans l'arrangement lyrique tumultueux. « Hanging on the Telephone » de Blondie est le résultat d'intenses répétitions avant l'enregistrement. La chanteuse Debbie Harry a été mise à l'épreuve, ce qui a abouti à la performance impeccable que vous entendez sur l'enregistrement. Le groupe derrière elle est tout aussi bien entraîné, et le résultat est un succès éblouissant, énergique et adapté à la radio qui aurait pu être enregistré des décennies plus tard qu'il ne l'était réellement.

Steely Dan est considéré comme l'un des groupes de jazz rock les plus accomplis des années 1970. Malgré l'injuste label « yacht rock » attiré par Steely Dan, le duo composé des auteurs-compositeurs Donald Fagan et Walter Becker était particulièrement ambitieux dans la qualité des disques qu'ils étaient prêts à sortir, travaillant avec les meilleurs musiciens de session du secteur pour sortir des albums chargés de performances de premier ordre explorant toute la palette de la musique populaire.

L'album « Aja » de 1977 contient certaines des œuvres les plus abouties de Steely Dan ainsi que les plus accessibles. « Peg » a été un énorme succès radiophonique au moment de sa sortie et continue de fasciner grâce à sa richesse et sa relative simplicité. Sous son aspect de production, « Peg » est en fait un numéro de blues de 12 mesures, rehaussé par des performances époustouflantes des musiciens recrutés pour le morceau.

Bien que Fagan soit le chanteur principal de « Peg », comme il l'est sur la grande majorité de la production de Steely Dan, le crochet est dominé par la puissance du choriste Michael McDonald, dont le beuglement parfait du titre de la chanson semble aussi pur que tout ce que vous pourriez obtenir avec des effets vocaux modernes. La section rythmique est tout aussi étrange en termes d'interprétation, tandis que les solos de guitare et de saxophone sont parfaitement placés dans l'arrangement et interprétés avec aplomb. Mais même si décrire le morceau en de tels termes peut suggérer que « Peg » est simplement une démonstration indulgente de virtuosité, c'est plutôt le caractère contagieux de la chanson qui vous frappe en premier. Un titre totalement irrésistible et une porte d'entrée idéale dans la discographie de Steely Dan.

Parfois, un classique du rock ne reçoit pas vraiment l’attention qu’il mérite au moment de sa sortie. Ce fut certainement le cas avec « The Mexican » de Babe Ruth, un morceau relativement obscur d'un groupe de rock progressif britannique qui n'a existé que quelques années dans les années 1970 avant de se diviser en de nombreux changements de line-up.

Peut-être qu'en 1972, lorsque Babe Ruth a sorti son premier album « First Base », « The Mexican » sonnait effectivement comme du rock progressif. Mais il est presque impossible de penser à la chanson comme ça maintenant, car une demi-décennie plus tard, elle est devenue un morceau fondateur du genre émergent du hip-hop breakbeat, qui a vu les DJ couper son scandaleux break de batterie et de guitare pour que les b-boys et les filles puissent danser sur ce morceau.

« The Mexican » a été samplé une quarantaine de fois sur des morceaux commerciaux au cours du dernier demi-siècle, notamment par Afrika Bambaataa et Soulsonic Force sur leur morceau phare « Planet Rock » en 1982, tandis qu'en 2025, il a fait une apparition dans la chanson « VCRs » de JID, avec Vince Staples. Son intemporalité ne fait aucun doute, et il suffit de revenir à l’original pour comprendre pourquoi.