5 chansons rock classiques des années 70 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

Peu de décennies musicales ont produit une créativité et un éclectisme aussi explosifs que les années 1970. Le rock classique du début de « l’âge d’or » (1964 à 1982) s’est généralisé avec la contre-culture des années 60, qui elle-même a favorisé le mépris anti-establishment qui a nourri la scène punk rock du milieu des années 70. Motown – un terme musical fourre-tout dérivé du label né en 1959 – était en déclin, mais évoluait toujours avec la soul, le funk, le gospel, le R&B, le jazz, etc., qui ont eux-mêmes connu des itérations menant à l'adoption plus large du hip-hop dans les années 80. Mais même au milieu de tout ce désir agité et bouillonnant de faire de la musique nouvelle et cool, certaines chansons se sont révélées particulièrement cool sur le front du rock classique.

Mais d’abord, nous devons aborder l’éléphant terminologique dans la pièce : « cool », qui signifie quelque chose de différent pour pratiquement tout le monde. Sauf si nous parlons d’une figure artistique aussi universellement saluée que David Bowie (nous y reviendrons plus tard). Pour être vraiment cool et fascinante pour les oreilles, une chanson des années 70 doit se démarquer de ses pairs et être aussi non générique que possible. Il doit paraître nouveau à nos oreilles modernes – structure, composition, sujet, qualités globales extravagantes – à moins qu’un auditeur ne l’ait déjà entendu mille fois. Même si cela peut signifier qu'une chanson était unique en son genre dans les années 70, cela signifie plutôt qu'elle est unique en son genre aujourd'hui, en particulier si l'on considère les années 70 dans leur ensemble.

Certains artistes comme Frank Zappa ont été les porte-étendards de tout ce qui est bizarre et cool pendant des décennies, en particulier des chansons comme « Nanook Rubs It » de Apostrophe(') de 1974. D'autres artistes plus écoutés comme Yes et leur chef-d'œuvre de 1971 « Roundabout » sonnent absolument frais et inventifs. Et puis il y a Bowie, qui, au cours de sa phase Thin White Duke, est devenu quelque chose de plus cool que jamais.

Depuis les magnifiques arpèges d'ouverture du guitariste Steve Howe et la ligne de basse funky de « Roundabout », jusqu'au mi majeur final, ouvert et gratté, est-il possible d'entendre le plus grand succès de Yes des années 70 et de ne pas penser que c'est la chanson la plus éblouissante, énergique et la plus cool que vous ayez jamais entendue ? « Roundabout » tiré de « Fragile » de 1971 est un kaléidoscope de virtuosité instrumentale fluide, où chaque partie s'entremêle et s'entremêle avec les autres, les passages musicaux résonnent mélodiquement et harmoniquement sur toute la longueur de la chanson, et la chanson s'ouvre pour des segments de type jam session, comme après le retour de l'intro vers les cinq minutes.

« Roundabout » écrase tellement fort qu'il est choquant de penser que Yes n'existait à ce moment-là que depuis trois ans, depuis 1968. Mais pendant ces trois années, les progsters anglais avaient été si proliférés musicalement qu'ils ont sorti quatre albums studio, « Yes » (1969), « Time and a Word » (1970), « The Yes Album » (1971), et enfin « Fragile » (1971).

« Roundabout » s'est réuni alors que le groupe était en tournée pour leur troisième album, « The Yes Album ». Alors qu'Ultimate Guitar raconte l'histoire, le chanteur Jon Anderson se souvient avoir traversé « peut-être une quarantaine » de ronds-points lors d'un voyage d'Aberdeen à Glasgow, en Écosse. Le groupe regardait la campagne écossaise et passait par le Loch Ness en cours de route (oui, celui avec le monstre du Loch Ness) pendant qu'Anderson notait les paroles dans son carnet. La phrase : « Oh, les montagnes, regardez ! Elles sortent du ciel ! » a lancé la séance d'écriture lyrique et a évolué vers « Dans et hors du lac / Les montagnes sortent du ciel et elles se tiennent là. » Dès que le groupe est revenu en studio, ils ont écrit ce que Howe a décrit comme de la « pure magie ». C’est toujours le cas, et même plus.

Jetez tous les descripteurs que vous souhaitez – proggy, extravagant, spatial, avant-gardiste, etc. – et vous ne parviendrez toujours pas à 100% à capturer la musique véritablement sui generis de King Crimson. Écrit davantage sous forme de compositions classiques où chaque instrument joue un rôle précis, jusqu'aux trois batteries (oui, trois), au saxophone alto, aux pistes d'accompagnement et à toutes sortes d'étrangetés percussives de la version live 2015 de « Starless » offerte par les dieux, King Crimson sonne encore plus hors de ce monde maintenant que dans les années 70 (et les années 60 et 80, d'ailleurs). Et c’est exactement cette chanson – « Starless » préférée des fans de « Red » de 1974 – que nous choisissons comme étant la plus cool de Crimson.

Comme les visions cosmiques que son nom l'indique, « Starless » est un véritable voyage musical qui passe d'une douce étrangeté à un crescendo explosif et puant qui rivalise avec le métal le plus sombre qui soit. La chanson regorge de changements de signature rythmique, de changements de tempo, de polyrythmies, de quêtes musicales secondaires, de motifs notables infiniment fascinants, et ne va nulle part que vous attendez à la première écoute tout en gardant un sens en revenant à son thème d'ouverture original. Et cela a failli ne pas se produire.

« Starless » est né du claviériste de Crimson, David Cross, peu de temps avant de quitter le groupe. À cette époque, la vie de Crimson n'était qu'une longue séance d'ennui, pris sur la route, attendant dans les aéroports, voyageant de concert en concert, etc. Compressé par l'ennui, Cross a commencé à jouer avec une mélodie ascendante lors d'une balance, une mélodie qui utilisait la neuvième note dans sa gamme. Le guitariste Robert Fripp l'a repris à partir de là. Au moment où King Crimson enregistra « Starless » en 1974 pour « Red », ils l’avaient déjà joué 51 fois en live. « Red » a été la chanson la plus performante commercialement de Crimson dans les années 70, mais elle a depuis acquis un statut vénéré.

Si Frank Zappa était considéré comme bizarre dans les années 70, à quel point pensez-vous qu'il serait anticonformiste et cool aujourd'hui ? Zappa était tout aussi incroyablement talentueux et il était complètement unique et divertissant sans limites. Lorsqu'on lui a demandé de décrire sa musique, qui ne ressemble toujours à rien d'autre de nos jours, plus de 50 ans plus tard, Louder Sound cite Zappa disant : « Vous ne pouvez pas écrire un accord assez laid pour dire ce que vous voulez dire parfois, vous devez donc vous fier à une girafe remplie de crème fouettée. » Eh bien, naturellement.

Aussi : « Great googly-moogly ! », comme le dit Zappa dans « Nanook Rubs It », une chanson éminemment cool et le troisième morceau incroyablement étrange de la Yellow Snow Suite de quatre chansons tirée de « Apostrophe (') » de 1974. « Nanook Rubs It » raconte l'histoire d'un garçon inuit qui défend un bébé phoque d'un trappeur en frottant les « cristaux de neige jaunes mortels » de la neige imbibée d'urine des Huskies dans les yeux du trappeur dans un « … mouvement circulaire vigoureux / jusqu'ici inconnu des habitants de cette région ». Il le fait à travers une ligne de basse et un orgue funky, des éclaboussures de trombones et des saxophones, et une performance vocale hystérique.

Si vous lisez tout cela et pensez : « Hein ?? », alors vous n'êtes pas en compagnie d'une personne rare. Zappa a toujours été un étranger, peu importe le nombre de personnes qui, plus de 20 ans après sa mort en 1993, le vénèrent comme une icône artistique et un grand compositeur américain. À la fois par désir créatif de diriger sa musique et par désir pratique de garder ses revenus hors des mains de l'industrie musicale, Zappa a créé son propre label, Barking Pumpkin Records, en 1981. C'est ce label, et les efforts de l'épouse de Zappa après sa mort, qui ont contribué à garder sa musique intacte pendant des décennies. Super googly-moogly, en effet !

Qu'obtenez-vous lorsque vous combinez une chanson à moitié sans paroles avec des couches de synthés sifflants, aucune percussion du tout, des grattements de guitare ouverts, un klaxon et le bavardage feutré d'une foule ? C'est vrai, vous obtenez « Welcome to the Machine » de Pink Floyd des années 1975, le groupe de rock progressif/psychédélique le plus réussi commercialement de tous les temps. Leur album phare de 1973, « Dark Side of the Moon », est l'album le plus vendu des années 70, avec plus de 50 millions d'exemplaires vendus. « The Wall » de 1979 contenait la seule chanson n°1 du Billboard Hot 100 de Pink Floyd, « Another Brick in the Wall, Pt. 2 ». Mais juste entre les deux sorties, « Welcome to the Machine » de 1975 sur « Wish You Were Here » obtient notre vote pour une chanson des années 70 qui sonne encore plus cool aujourd'hui.

Nous avons déjà souligné le caractère non conventionnel de la composition de « Welcome to the Machine », qui sonne beaucoup moins comme des mecs avec des guitares et des instruments rock conventionnels que comme un opéra de science-fiction. Le paysage sonore de la chanson devient de plus en plus anxiogène et oppressant au fil de sa longueur, voire de manière écrasante, un peu comme le suggèrent ses paroles étouffées par les engrenages de la vie et de l'industrie. C’est une chanson lourde en termes de portée, de poids émotionnel et d’accomplissement musical.

« Welcome to the Machine » et son album sont également la suite parfaite de « Dark Side of the Moon ». Cet album a conduit à un succès financier qui a permis à Pink Floyd de s'amuser en studio. Cela leur a également donné un point de vue privilégié sur la nature de la machine, pour ainsi dire. Par conséquent, nous avons reçu l’une des chansons les plus cool des années 70 d’un album que le batteur de Floyd, Nick Mason, considère comme très spécial par rapport à toute la discographie du groupe.

Nous allons terminer sur une chanson d'un artiste qui ne devrait surprendre personne par son apparition dans cette liste : David Bowie. En 1976, Bowie a sorti « Station to Station », un pivot de carrière et de personnalité conçu au milieu d'une dépendance sans blague à la cocaïne qui l'a dépouillé jusqu'aux os, tant au sens émotionnel que physique. Entrez le personnage de Thin White Duke, que Bowie a décrit comme un « Pierrot » (clown triste) et « tout le monde » « essayant de peindre la vérité de notre époque », comme le cite Far Out Magazine. Ce personnage chante sur « Station to Station », un album avec un tube inattendu de Bowie qu'il a écrit à l'origine pour Elvis Presley, entre autres : « Golden Years ».

Les fans de Bowie souligneront à juste titre que « Station to Station », la première chanson de l’album du même nom, est un chef-d’œuvre. Mais c'est « Golden Years » qui semble si en avance sur son temps, si cool et dansant, qu'on ne peut même pas définir de quelle décennie il vient par le seul son. D'autres diront que c'est la chanson la moins « rock » de notre sélection et plutôt une chanson pop funky. Mais c'est de Bowie dont nous parlons, un artiste qui a changé de visage au fil des décennies, caméléon, se faufilant dans et hors du rock classique et de ses styles adjacents.

Comme nous l'avons dit, Bowie a initialement écrit « Golden Years » pour Elvis. Vous pouvez l’entendre dans les notes vocales inférieures de la chanson et dans sa prestation globale fanfaronne. Mais alors que Bowie voulait qu'il s'agisse d'une rétrospective pour Elvis alors vieillissant (décédé l'année après la sortie de « Station to Station », en 1977), il s'est avéré être un portrait désillusionné du présent de Bowie. Maintenant, c'est quelque chose que nous pouvons tous célébrer.