5 chansons rock classiques des années 80 qui ne sonnent pas vieilles de 40 ans

Les années 1980 ont été une décennie charnière pour l’industrie musicale. Alors que la popularité des auteurs-compositeurs-interprètes (pensez à Joni Mitchell, Jackson Browne, James Taylor, etc.) diminuait et que le pop-rock brillant des Eagles, Fleetwood Mac et leurs semblables disparaissait des charts, un éventail éclectique d'artistes est passé au premier plan tandis que divers sous-genres se disputaient les émissions radiophoniques. Le punk rock a cédé la place à la new wave, avec des synthétiseurs dominant le paysage sonore, tandis que le « hair metal » a envahi la scène musicale de Los Angeles.

Bien sûr, il ne s’agit là que d’une petite partie d’un éventail très large et exceptionnellement diversifié d’artistes qui ont gagné en popularité au cours des années 1980, une époque où l’essor de MTV signifiait que l’attrait visuel devenait aussi important que la musique elle-même. Pourtant, il existe certaines caractéristiques de la musique des années 1980 qui identifient immédiatement la musique de cette époque, allant de l'utilisation excessive des synthétiseurs au son de batterie dit « gated » popularisé par Phil Collins dans « In the Air Tonight » avant d'être copié sans relâche par d'autres artistes.

Pourtant, il y avait aussi des chansons qui allaient à l’encontre des tendances musicales, défiant toute catégorisation et résistant à l’épreuve du temps, sonnant aussi vibrantes aujourd’hui qu’elles l’étaient il y a toutes ces décennies. Pour preuve, continuez à lire pour un tour d’horizon de cinq chansons rock classiques des années 80 qui ne sonnent pas vieilles de 40 ans.

Le groupe de rock australien AC/DC était sur une lancée lorsque la tragédie a frappé en janvier 1980, lorsque le leader Bon Scott a été retrouvé mort dans sa voiture, s'étant étouffé avec son propre vomi après s'être évanoui au cours d'une nuit de forte consommation d'alcool. Le groupe a brièvement envisagé de le ranger, mais a plutôt décidé de continuer avec un nouveau chanteur. Déjà en train d'écrire des chansons pour un nouvel album, ils sont allés en studio pour enregistrer une suite à « Highway to Hell » de 1979, un succès majeur qui a vendu 7 millions d'albums et les a battus en Amérique. Le chanteur britannique Brian Johnson a été embauché pour chanter sur cet album, « Back in Black ».

Sorti à l'été 1980, « Back in Black » est devenu un blockbuster, éclipsant tout ce que le groupe avait fait auparavant et se vendant finalement au chiffre stupéfiant de 50 millions d'exemplaires. La chanson titre reste un classique du rock qui continue de résister à l'épreuve du temps, avec sa structure d'une simplicité trompeuse basée sur le riff déchirant du guitariste rythmique Malcolm Young et sa production sans fioritures gracieuseté de Robert « Mutt » Lange.

Comme l'a dit le guitariste principal Angus Young à Revolver, « Back in Black » était la première chanson enregistrée par cette nouvelle itération d'AC/DC, et ils savaient qu'ils avaient quelque chose de spécial. « Nous étions assez concentrés sur celui-ci avant de nous lancer, avec les guitares et tout », se souvient Young. « Nous nous sentions tellement en confiance. Vous entendez juste ce petit bruit de décompte venant de la guitare de Malcolm, et c'est comme : 'Qui d'autre cela pourrait-il être ?' »

Il est juste de dire que la production musicale des Rolling Stones était omniprésente dans les années 1970, depuis les triomphes jumeaux de « Sticky Fingers » et « Exile on Main Street », jusqu'au méli-mélo qu'était « Black and Blue ». Les années 1980, cependant, ont vu le groupe atteindre des points bas musicaux, même si les Stones ont réussi à insérer quelques joyaux dans le premier album du groupe de la décennie, « Tattoo You » de 1981.

L'album a débuté avec « Start Me Up », un rocker simple porté par l'un des riffs les plus reconnaissables de Keith Richards. « Start Me Up » a en fait été enregistré des années plus tôt ; « Tattoo You », en fait, est une collection d'extraits de sessions d'enregistrement précédentes, remontant à 1972. « Ce sont de nombreux vieux morceaux que j'ai extraits », a déclaré Mick Jagger à Rolling Stone à propos de la façon dont il a assemblé l'album.

Avec le riff d'ouverture tranchant de Richards suspendu tout seul jusqu'à ce que la batterie de Charlie Watts entre en jeu, la chanson a été faite pour les stades et est restée depuis lors un incontournable des spectacles des Stones. Lorsque l'édition du 40e anniversaire de « Tattoo You » est sortie en 2021, les fans ont pu entendre la version reggae alternative de « Start Me Up ». Selon la tradition, la raison pour laquelle la chanson désormais classique n'avait pas figuré sur un album précédent était parce que la version reggae était au début de la cassette et la version rock à la fin, ce qui a amené le groupe à ignorer ce qui allait devenir un classique.

Bien qu'il existe plusieurs récits sur la véritable raison pour laquelle Joan Jett et The Runaways se sont séparés, la dissolution du groupe à la fin des années 1970 l'a amenée à se lancer dans une carrière solo. Le sommet est venu avec son deuxième album avec son nouveau groupe, Joan Jett & the Blackhearts, sorti fin 1981 : « I Love Rock 'n' Roll ». La chanson titre a atteint la première place des charts Billboard, occupant cette position pendant sept semaines impressionnantes.

Avec son riff de guitare incomparable et sa production épurée, la chanson est une pure extase rock et a conservé sa popularité au cours des quatre décennies qui ont suivi sa sortie. Bien que la chanson soit désormais considérée comme un classique des années 80, elle a en fait été écrite en 1975 par le chanteur britannique Alan Merrill et enregistrée par son groupe The Arrows. Jett aurait vu le groupe l'interpréter à la télévision alors qu'il était en Angleterre, et la chanson lui est restée. « Il y a tellement de reprises que je n'en ai probablement même pas entendu la moitié – mais je suis content de l'avoir écrite ! » Merrill a déclaré à Guitar World.

Jett n'a plus jamais été la même après avoir couvert « I Love Rock 'n' Roll », dont elle a parlé dans une interview en 2008 avec Mojo Magazine. « J'ai vite réalisé que cette chanson allait vous suivre, alors soit vous allez la laisser vous déranger, soit vous devez faire la paix avec elle et vous sentir bénie d'être impliquée dans quelque chose qui a touché tant de gens », a-t-elle déclaré (via Ultimate Classic Rock).

À partir du moment où l’accord de puissance plus lourd que lourd de Randy Rhoads frappe le tympan, suivi du cri désormais emblématique d’Ozzy Osbourne, les auditeurs ont réalisé qu’ils entendaient un classique intemporel avec « Crazy Train ». Puis, lorsque la chanson décolle comme la locomotive alimentée par la folie évoquée dans les paroles, le hit hard rock entre dans un tout nouveau niveau de transcendance sonore.

Le premier single du premier album solo d'Osbourne, « Blizzard of Oz » – sa première nouvelle musique après la sortie d'Osbourne de Black Sabbath – « Crazy Train » est resté l'un des favoris des fans lors des concerts. Même s'il serait facile de supposer que la chanson était basée sur le personnage scandaleux d'Osbourne, il a insisté sur le fait qu'il s'agissait en réalité de quelque chose de bien plus universel.

« Je veux dire, parfois, quand tu as une journée bien remplie et que le téléphone ne cesse de sonner, tu te dis :  » Bon sang, quand est-ce que tout va s'arrêter ?  » Ce n'est pas seulement une chanson personnelle ; c'est pour tout le monde », a déclaré Osbourne au journaliste Steve Newton en 1982, via son site Web Ear of Newt. Selon Osbourne, la chanson reflétait ce que lui et Rhoads vivaient alors qu'ils essayaient de former un groupe, une expérience quelque peu chaotique pour eux. « Il y avait juste une chose après l'autre, vous savez, et je pensais : 'Oh, je deviens fou' », a-t-il ajouté. « Vous pensez juste que vous déraillez dans un train fou. »

Le groupe de hard rock Guns N' Roses a émergé de la scène hair metal de Los Angeles, résultat de la fusion de deux groupes existants – Hollywood Rose et LA Guns – en un nouveau groupe. Rétrospectivement, Guns N' Roses peut être considéré comme un pont entre les rockers coiffés d'Aqua Net et portant du spandex de cette époque et la scène grunge intransigeante de Seattle qui a émergé quelques années plus tard.

Le single le plus marquant du premier album du groupe en 1987 était « Sweet Child O' Mine », une ballade puissante mettant en vedette le gémissement semblable à une banshee du leader Axl Rose entrelacé avec un riff slinky du guitariste Slash. Au fur et à mesure que la chanson s'ajoute au refrain, le tout décolle du sol comme une fusée de la NASA s'envolant dans l'espace, tout en conservant un groove solidement funky.

Bien que la chanson soit désormais considérée comme un classique intemporel, son origine réside dans son riff d'ouverture, avec lequel Slash s'amusait pendant que le reste du groupe traînait. Leurs oreilles se dressèrent et les autres membres du groupe commencèrent à intervenir derrière lui alors que la chanson commençait à prendre forme. « Et ensuite, ça s'est transformé en quelque chose », a déclaré Slash à Guitar Edge en 2007. « Je pensais vraiment que c'était une blague, mais voilà, Axl était à l'étage dans sa chambre et il l'a entendu. » À l'époque, Rose bricolait un poème sur sa petite amie de l'époque, Erin Everly, qui constituait la base des paroles de la chanson. Slash a admis qu'il avait trouvé la chanson « sève », alors qu'elle est rapidement devenue l'une des préférées de Rose. « Je ne pensais pas que cela deviendrait la plus grande chanson que le groupe ait jamais composée. »