5 chansons rock de 1971 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

Un énorme bouleversement sociétal avait lieu en 1971. Une foule de manifestants estimée à 175 000 personnes s'est abattue sur Washington, DC, alors que la guerre du Vietnam se poursuivait, tandis que les documents du Pentagone divulgués révélaient l'histoire secrète de la guerre. Pendant ce temps, Norman Lear a révolutionné la télévision avec « All in the Family », et les cinéphiles ont découvert un large éventail de films, allant du dystopique « Orange mécanique » de Stanley Kubrick au détective Magnum .357 de Clint Eastwood dans « Dirty Harry », en passant par la romance décalée de mai-décembre de « Harold et Maude » de Hal Ashby.

Dans le milieu de la musique rock, une évolution rapide a également été en jeu puisque certains des plus grands groupes de l'industrie ont sorti des albums incroyablement créatifs qui restent les sommets de leurs carrières respectives. Même s'il existe certainement des chansons du début des années 70 qui semblent démodées, les meilleures chansons de 1971 sont à la fois intemporelles et indéniablement de leur époque. Beaucoup, en fait, continuent d’être découverts par de nouvelles générations de fans, plus d’un demi-siècle après leur sortie.

Pourtant, choisir des chansons spécifiques sorties au cours de cette période de 12 mois est intimidant, tout simplement parce qu’il y a eu tellement de musiques incroyables sorties cette année-là. « What's Going On » de Marvin Gaye, le mélange de funk et d'acid rock de Funkadelic dans « Maggot Brain » et l'emblématique « Blue » de Joni Mitchell sont tous sortis en 1971, l'équivalent sonore d'un buffet à volonté pour les fans de musique et la raison pour laquelle 1971 a été la meilleure année pour la musique rock de tous les temps. Pour preuve, lisez la suite pour revenir sur cinq chansons rock de 1971 qui sonnent encore plus cool aujourd’hui.

Bien qu'il soit sorti au début de la décennie, le classique de Led Zeppelin « Stairway to Heaven » de 1971 est resté populaire pendant le reste des années 1970 et au-delà. L'ouverture de la chanson est si omniprésente que la guitare acoustique de Jimmy Page a inspiré une scène de la comédie « Wayne's World » de 1992, lorsque l'adolescent titulaire aux cheveux longs de Mike Myers, interprété par Mike Myers, commence à choisir ce riff d'ouverture dans un magasin de guitares – pour ensuite qu'un employé du magasin l'interrompe, désignant une pancarte sur le mur indiquant « NO STAIRWAY TO HEAVEN ».

En découvrant la vérité indescriptible de Led Zeppelin, il est clair que « Stairway » occupe une place plus grande que toute autre chanson du canon du groupe, une odyssée de huit minutes qui emmène l'auditeur dans un voyage sonore à travers de nombreuses ambiances. Pendant ce temps, les auditeurs continuent de s'interroger sur les paroles énigmatiques de Robert Plant sur « une agitation dans votre haie » cachant « un nettoyage de printemps pour la reine de mai », sur la dualité de deux chemins qui peuvent être suivis et sur des mots qui ont deux sens.

Discutant de la chanson dans une vidéo de la BBC, Page s'est demandé à quel point la popularité durable de la chanson était liée à son instrumentation. « L'idée de 'Stairway' était d'avoir un morceau de musique, une composition, dans lequel il continuerait à se déployer en plus de couches et plus d'ambiances », a expliqué Page. « Toute la subtilité et l'intensité de la superposition de la composition s'accéléreraient en fait à mesure qu'elle franchirait chaque niveau – chaque niveau émotionnel, chaque niveau musical. Et ainsi, elle continue de s'ouvrir, à mesure qu'elle continue à travers ces modèles. » Aujourd'hui, peu importe le nombre de fois que vous l'avez entendu, « Stairway to Heaven » nous emmène toujours dans ce voyage musical maussade comme aucun autre.

« La vie sur Mars ? » est sorti à une période charnière de la carrière de David Bowie, alors qu'il était sur le point de se transformer en sa création glam-rock Ziggy Stardust. Apparaissant sur son album « Hunky Dory » de 1971, la ballade au piano retrouve Bowie dans son imagerie sans doute la plus poétique et cinématographique d' »une horrible petite affaire », et une « fille aux cheveux de souris » qui est « accrochée au grand écran », regardant un film « attristant » même s'il met en scène « des marins se battant dans une salle de danse » et un « homme de loi battant le mauvais gars », tandis touchant au commercialisme grossier (« Micky Mouse est devenu une vache »). La chanson gagne lentement en intensité jusqu'à ce que Bowie demande plaintivement dans le refrain envolé : « Y a-t-il de la vie sur Mars ? » Aujourd'hui, nous connaissons la réponse, mais les mélodiques et le théâtre de la chanson en font toujours une excellente écoute toutes ces décennies plus tard.

Les origines de la chanson sont cependant aussi fascinantes que ses paroles évocatrices. Interviewé pour la télévision suédoise en 2002, Bowie a rappelé qu'il avait conclu un accord avec une maison d'édition musicale et qu'on lui avait demandé d'écrire les paroles en anglais d'un tube français, « Comme D'Habitude ». Les paroles de Bowie ont été rejetées et Paul Anka a fini par réécrire la chanson sous le titre « My Way », qui est devenue un succès monstre pour Frank Sinatra. Bowie était naturellement contrarié. « Alors je me suis dit : 'D'accord, je vais écrire ma propre version' », a-t-il déclaré à propos de la chanson que Bowie a écrite pour se venger de Sinatra.

« Je pense que mon sujet n'a pas vraiment changé au fil des ans », a ajouté Bowie. « Je suis encore, d'une certaine manière, en train d'écrire 'La vie sur Mars ?' toutes ces années plus tard. »

S’il y a un seul album qui capture les Rolling Stones à leur apogée, c’est bien « Sticky Fingers » de 1971. En réalité, l'album regorge de chansons qui restent les préférées des fans, notamment « Brown Sugar », « Dead Flowers », « Wild Horses », « Moonlight Mile », « Sway » et « Sister Morphine ». Pourtant, « Tu ne m'entends pas frapper ? » démontre les Stones dans leur forme la plus puissante, rappelant aux auditeurs d'aujourd'hui que le cœur et le courage du rock'n'roll classique sont toujours aussi cool.

À l'époque, Keith Richards expérimentait des accordages de guitare ouverts, ce qui l'a conduit au riff irrégulier qui ouvre la chanson jusqu'à ce que le batteur Charlie Watts ajoute un rythme funky et entraînant. « J'ai juste trouvé l'accordage et le riff et j'ai commencé à le swinguer, et Charlie l'a compris comme ça, et nous nous sommes dit, hé, c'est du groove. Donc c'était des sourires tout autour », a écrit Richards dans ses mémoires de 2010, « Life ».

Pourtant, juste au moment où la chanson semble sur le point d'avoir suivi son cours, elle change soudainement, le rythme se changeant en une samba percussive alors que Keith emploie un tout nouveau riff juste avant que le saxophoniste Bobby Keys n'entre en scène avec un solo impétueux et mélodique, suivi du guitariste Mick Taylor déclenchant un solo spectaculaire à la Santana. Cette partie n'était pas prévue, Mick Jagger ayant déclaré à American Songwriter : « … le jam à la fin était une réflexion après coup… Je ne pense pas que nous voulions dire cela, mais d'une manière ou d'une autre, cela s'est ajouté. » Le jam gratuit dans la deuxième partie de la chanson était une légère variation de l'écriture simple et habituelle des Stones, faisant de « Can't You Hear Me Knocking » un incontournable encore aujourd'hui.

La musique rock a généré plus que sa juste part d’hymnes, mais au sommet absolu de la pyramide se trouve « Won’t Get Fooled Again ». Dernier morceau de l'album phare du groupe « Who's Next » de 1971, la chanson représente le groupe à son apogée créative, des accords de puissance dramatiques de Pete Townshend au cri déchirant qui est devenu la marque de fabrique de Roger Daltrey en concert. Au sommet de tout cela, bien sûr, se trouvent les paroles de Townshend, décrivant une révolution violente qui a renversé un gouvernement – ​​seulement pour que les révolutionnaires se rendent compte que rien n'a finalement changé, un sentiment cristallisé dans les paroles « Rencontrez le nouveau patron, le même que l'ancien patron ».

Townshend, à 80 ans, a parlé de la popularité durable de la chanson lors d'une apparition en 2025 dans « The Late Show with Stephen Colbert », citant « Won't Get Fooled Again » comme l'une de ses cinq meilleures chansons. Comme l'explique Townshend, la chanson a un thème « qui s'applique le mieux au monde moderne, à savoir que nos dirigeants ne sont jamais bons ».

La chanson, a-t-il poursuivi, ne s'adressait pas nécessairement à quelqu'un en particulier, mais s'adressait aux dirigeants politiques en général. « C'est une sorte de commentaire sur le fait que les gens que nous mettons au pouvoir semblent toujours finir par ne pas tenir leurs promesses », a-t-il déclaré. « Les politiciens promettent des choses alors qu'ils savent en quelque sorte qu'ils croisent les doigts derrière eux. Ils savent qu'ils ne peuvent pas tenir certaines des choses qu'ils promettent. »

Avec sa mélodie chantante et son accompagnement de piano clairsemé, la chanson titre de l'album « Imagine » de John Lennon est restée sa chanson signature. Dans « Imagine », Lennon demande à l’auditeur d’imaginer la possibilité d’un monde utopique dans lequel les gens ne seraient pas divisés par des différences religieuses, politiques et sociétales, mais vivraient en harmonie pacifique les uns avec les autres.

Pourtant, c’est précisément pourquoi « Imagine » est aussi une chanson profondément subversive, qui met les gens au défi d’imaginer un monde dans lequel les concepts du paradis et de l’enfer n’insistent plus – un monde dépourvu de religion. « 'Imagine' est un grand succès presque partout », a déclaré Lennon à propos de sa chanson, via « Lennon in America » ​​de Geoffrey Giuliano. Selon Lennon, il était parfaitement conscient de la radicalité du message contenu dans « Imagine » et de la manière dont il serait accueilli dans les coins les plus conservateurs de la société. « Une chanson antireligieuse, antinationaliste, anticonventionnelle et anticapitaliste, mais parce qu'elle est édulcorée, elle est acceptée », a-t-il expliqué. « Maintenant, je comprends ce que vous devez faire. Faites passer votre message politique avec un peu de miel. »

Dans sa dernière interview avec Rolling Stone, quelques jours avant son tragique meurtre en 1980, Lennon a estimé que garder vivant le message de la chanson était sa mission. « Nous ne sommes pas les premiers à dire 'Imaginez pas de pays' ou 'Donnez une chance à la paix', mais nous portons ce flambeau, comme le flambeau olympique, en le passant de main en main, les uns aux autres, à chaque pays, à chaque génération », a-t-il déclaré. « C'est notre travail. »