5 chansons rock de 1974 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

En 1974, la musique rock en tant que genre semblait traverser une période difficile, du moins commercialement parlant. C'est l'année où le disco fait enfin sa percée commerciale avec « Love's Theme », un instrument de Barry White sorti par son Love Unlimited Orchestra à la fin de 1973, qui grimpe au sommet des charts et devient l'une des plus grosses sorties de l'année malgré une diffusion radio minime. Dans le même temps, les listes de fin d'année semblaient suggérer que les auditeurs se détournaient de la scène rock naissante et revenaient aux grandes ballades d'amour qui étaient populaires au début des années 1960, avec « The Way We Were » de Barbara Streisand et l'interprétation anglaise de Terry Jacks de « Seasons in the Sun » de Jacques Brel étant les plus gros blockbusters Billboard de 1974.

Mais 1974 a aussi été une année où le rock a montré son incroyable diversité, le glam rock, le hard rock et le proto-punk faisant tous des vagues parmi le public qui l'écoutait. Certains des plus grands morceaux de rock de tous les temps sont sortis cette année-là, notamment l'hymne de Lynyrd Skynyrd « Sweet Home Alabama ». Mais le problème pour certains best-sellers qui continuent d’être diffusés à la radio au 21e siècle est que la sursaturation signifie que le temps n’est pas clément pour eux ; aussi populaire qu'elle reste, la chanson signature de Skynard pourrait-elle vraiment être qualifiée de cool aujourd'hui ? Peu probable. Mais voici cinq morceaux de rock qui, selon nous, résistent à l'épreuve du temps, que ce soit pour avoir été influents au moment de leur sortie ou pour être si totalement extravertis qu'ils restent intemporels.

1974 est une année de transition pour David Bowie. Musicien qui avait déjà manifesté sa volonté de sortir de ses horizons créatifs prospères avec la disparition dramatique de son personnage de Ziggy Stardust en juillet 1973, Bowie n'avait pas peur de changer de look et il pétillait d'idées. À un moment donné, Bowie envisageait de se tourner vers la scène et de produire une comédie musicale basée sur le roman « 1984 » de George Orwell. Cependant, il n'a pas pu obtenir les droits sur l'œuvre auprès de la succession d'Orwell.

Au lieu de cela, Bowie a créé « Diamond Dogs », un album concept apocalyptique qui a également réincorporé l'esthétique de Ziggy, même s'il prétendait l'avoir abandonnée. Mais malgré la nature conceptuelle de l'œuvre de Bowie de 1974, le morceau phare de l'album, « Rebel Rebel », est aussi contagieux que n'importe quel autre élément de sa discographie. La chanson tourne autour d'un riff de guitare détourné et hypnotique, que le guitariste Alan Parker a affirmé que Bowie avait écrit comme une arnaque intentionnelle des Rolling Stones, qui, pensait-il, mettrait sous la peau de Mick Jagger. Mais malgré l'allusion au groupe emblématique des années 60, « Rebel Rebel » est glam dans l'âme, un adieu au genre qu'il a contribué à faire connaître au grand public et qui s'avérera être l'un de ses morceaux les plus durables. Avec des paroles décrivant la nature subversive de l'androgynie, il constitue un véritable hommage à la période la plus célèbre de Bowie et reste aujourd'hui un hymne pour des légions de fans.

Sparks est un groupe qui n’a jamais réalisé une véritable percée commerciale aux États-Unis : seuls deux singles sortis dans les années 1980 ont figuré sur le Billboard Hot 100, bien que le groupe existe depuis plus de 50 ans. Décrit par NPR comme « le groupe préféré de votre groupe préféré », le duo pop-rock composé des frères américains Ron et Russell Mael n'a connu qu'un petit culte aux États-Unis, même si le documentaire de 2021 « The Sparks Brothers » a créé une nouvelle vague d'appréciation pour sa musique ces dernières années.

Un morceau malheureusement négligé aux États-Unis pendant de nombreuses années était « This Town Ain't Big Enough for Both of Us », de 1974, le single révolutionnaire du groupe au Royaume-Uni qui montrait à quel point les frères Mael étaient prêts à être excentriques. Avec la voix de fausset envolée de Russell, les parties de clavier complexes de Ron, la guitare pointue et, de manière inattendue, des barrages d'effets sonores de coups de feu, « This Town » est un contrepoint satirique à une grande partie de la posture machiste qui figurait dans les chansons strictement hard rock de l'époque. L'ironie du morceau en fait une écoute plus fraîche que la plupart des hard rock purs et durs de l'époque ; sa joyeuse théâtralité semble toujours comiquement exagérée, et elle reste le point d'entrée idéal pour tous ceux qui cherchent à explorer le monde de Sparks.

On pourrait penser que le groupe de heavy metal Deep Purple aurait atteint un sommet au milieu des années 1970. Le groupe britannique avait connu son plus grand succès en 1972 avec la sortie de l'énorme album studio « Machine Head », contenant leur morceau classique « Smoke on the Water », et semblait prêt à passer le reste de la décennie à profiter de tours de victoire composés de tournées à guichets fermés et d'albums de platine. Mais en 1973, le groupe s’était déjà effondré. Après que la suite de « Machine Head », « Who Do We Think We Are », se soit révélée être une déception pour les fans, le chanteur Ian Gillan et le bassiste Roger Glover ont quitté le groupe, pour être remplacés respectivement par David Coverdale et Glenn Hughes.

Les fans craignaient peut-être que les turbulences ne poursuivent le déclin du groupe, mais en fait Deep Purple a rebondi avec style en 1974 avec l'album « Burn », prouvant que le nouveau line-up était capable d'être à la hauteur de la réputation hard-rock du groupe. La chanson titre de l’album est sans aucun doute celle qui se démarque. Le morceau bluesy s'ouvre sur un riff de guitare entraînant qui ne laisse place qu'aux remplissages de batterie surhumains de Ian Paice, aux refrains rugissants de Coverdale et, plus particulièrement, à un solo de guitare intense et complexe de Ritchie Blackmore, que de nombreux aficionados de hard rock décrivent comme l'un des meilleurs jamais enregistrés. Ce n'est peut-être pas aussi contagieux que « Smoke on the Water », mais le morceau montre ce qui a fait de Deep Purple un groupe live si captivant au cours de la décennie, avec une musicalité qui pourrait emmener le public vers des sommets extatiques. « Burn » était compté par Eddie Van Halen parmi ses chansons préférées et a sans aucun doute influencé bien d'autres rockers depuis sa sortie.

John Lennon était une légende vivante dans les années 1970, mais après la séparation acrimonieuse des Beatles en 1970, une grande partie de la presse entourant l'auteur-compositeur l'a impliqué dans des tirs isolés sur les autres membres des Fab Four dans ce qui est devenu une querelle très publique. Malgré des sorties à succès telles que « Imagine » en 1971, en 1974, Lennon était dans la tourmente. Sa relation avec sa femme, l'artiste Yoko Ono, était devenue tendue et il avait quitté la maison familiale à New York pour se rendre à Los Angeles pour ce qu'il décrirait plus tard comme son « week-end perdu » alcoolisé.

Au cours de cette période compliquée, cependant, Lennon a réussi à concocter un album acceptable de matériel original, « Walls & Bridges », qui, bien que fragmentaire, présente plusieurs points forts, dont « #9 Dream » est le plus réussi. Basé sur un rêve que Lennon a fait, la mélodie envolée et les voix lointaines du morceau créent une atmosphère onirique réussie, qui évolue vers l'absurdité avec le refrain inventé « Ah! böwakawa poussé poussé » et les cordes abruptes qui rappellent le chef-d'œuvre précédent de Lennon « Strawberry Fields Forever ».

« #9 Dream » est remarquable pour être le dernier album véritablement psychédélique de la carrière de Lennon, l'auteur-compositeur ayant connu une pause de cinq ans en 1975 qui a duré jusqu'à peu de temps avant son meurtre tragique en décembre 1980. Bien qu'il n'ait pas réussi à atteindre les sommets commerciaux ou critiques que son ancien partenaire d'écriture Paul McCartney a atteint dans les années 1970 avec son groupe Wings, ces chansons ont démontré le talent artistique durable de Lennon et sa capacité à captiver le public. auditeur tout comme il l'avait fait avec son travail plus expérimental avec les Beatles.

Steely Dan est arrivé en trombe en 1972, grâce à la sortie de leur album studio « Can't Buy a Thrill », et bien qu'il soit tentant de regarder en arrière maintenant, les années 1970 étant la période classique sans faille de Steely Dan, la vérité est que les premières années du groupe ont été quelque peu fragiles, les premières performances live n'ayant pas réussi à se connecter avec le public (ce qui a conduit le groupe à devenir une affaire uniquement en studio à partir de 1974). En plus de cela, le deuxième album de Steely Dan, « Countdown to Ecstasy », a été une déception commerciale par rapport à son prédécesseur.

Heureusement, le prochain album du groupe, « Pretzel Logic », était soutenu par l'un des singles les plus accrocheurs de sa carrière : « Rikki Don't Lose That Number ». Un numéro serré et adapté à la radio basé sur le simple riff de piano de « Song for My Father » d'Horace Silver, la chanson développe une mélodie contagieuse sur un rythme de tambour de samba qui révèle la maîtrise de Fagan et Becker des techniques de mélange de genres qui produisent finalement des succès pop addictifs. Chanson sophistiquée qui donne néanmoins envie à l'auditeur de chanter et de danser, elle a atteint le classement le plus élevé de Steely Dan, atteignant la 4e place du Billboard Hot 100, et reste aux côtés de « Do It Again » comme l'un des singles les plus populaires et les plus accessibles du duo.