5 chansons rock de 1980 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

Les années 70 ont été une époque à la fois d'excès musicaux et de minimalisme dans le rock and roll – stand up, s'il vous plaît, prog et punk – mais alors qu'une décennie se terminait et qu'une autre commençait, la musique a de nouveau entamé un processus de changement sismique, le punk cédant principalement la place au post-punk, le rock progressif s'orientant vers un son (et une longueur) plus commercial, et même si le disco n'était peut-être pas réellement mort, il était gravement blessé, ce qui signifiait qu'il y avait plus de place sur les ondes pour d'autres sons.

De plus, certains de ces musiciens devenus majeurs dans les années 60 et 70 commençaient à proposer du matériel plus mature, ce qui aboutissait à des chansons qui non seulement ont réussi à résister à l'épreuve du temps, mais qui ont en fait inspiré les générations qui les ont suivies. Certains d’entre eux sont devenus des incontournables des radios de rock classique, ce qui a contribué à les consolider dans la conscience du public, mais certains ont été laissés de côté et méritent d’être réévalués. Quoi qu’il en soit, ces cinq chansons sont si innovantes, touchantes ou puissantes qu’elles sonnent encore plus cool aujourd’hui que lorsqu’elles ont atterri pour la première fois sur les étagères des disquaires.

Au moment où il a sorti « Against the Wind », Bob Seger avait été membre de plusieurs groupes et était déjà un incontournable de la radio rock, mais il a abordé le LP avec un objectif très précis : assurer un album n°1 avec au moins trois singles dans le Top 20. Il a réussi dans les deux domaines, mais le plus grand succès créatif du groupe est venu avec la chanson titre, dans laquelle Seger écrit certaines des paroles les plus matures de sa carrière jusqu'à présent. C'est une chanson qu'il n'aurait pas pu écrire lorsqu'il était plus jeune, car elle se concentre sur les difficultés liées au vieillissement et à l'apprentissage de ce qui compte le plus. En tant que telle, c'est une chanson qui frappe plus fort chaque fois que l'auditeur l'entend apparaître à la radio ou dans ses listes de lecture au fil des ans.

Si « Against the Wind » sonne un peu Eagles-y à vos oreilles, ils ne vous trompent pas : Glenn Frey assure les chœurs. Seger avait déjà une histoire avec Frey et ses camarades de groupe, ayant co-écrit « Heartache Tonight » des Eagles avec Frey, Don Henley et JD Souther. Mais l'influence country-rock sur le son de Seger est particulièrement forte avec « Against the Wine », et étant donné les paroles lugubres, il n'est pas étonnant que non moins un connaisseur musical que Vince Gill l'ait comparé au travail de Paul Simon ou de John Lennon et Paul McCartney.

Formé à Londres en 1977, les Psychedelic Furs ont créé un premier album éponyme avec l'aide du producteur Steve Lillywhite qui a fourni au chanteur Richard Butler l'occasion de démontrer le genre de fanfaronnade que le public attend d'un chanteur principal. Alors que des morceaux comme « India » et « Pulse » démontrent à quel point le groupe a appris du mouvement punk, c'est la solitude et le désespoir inhérents aux paroles de « Sister Europe » qui transcendent le matériau de groupes tels que les Sex Pistols et les Clash pour offrir quelque chose de différent et aider à définir ce qu'on appelle le mouvement post-punk.

Sombre, maussade et énergique, « Sister Europe » n'est pas une chanson des Furs qui se retrouve régulièrement dans les rotations radiophoniques, mais elle a une puissance qui l'a maintenue à l'ouverture des sets des Furs pendant de nombreuses années. La voix célèbre de Butler, à la Bowie, est combinée à une musique qui n'est pas si éloignée de ce que faisait le Velvet Underground à la fin des années 60 et au début des années 70.

Bien qu'il n'ait jamais été sorti en single aux États-Unis, « Sister Europe » figure dans pratiquement tous les best-of jamais sortis par le groupe, ce qui témoigne clairement de sa pérennité. Cela ne fait pas de mal non plus que Foo Fighters l'ait couvert en face B en 2002, contribuant ainsi à maintenir sa notoriété.

Grâce à l'infusion de Geoff Downes et Trevor Horn, alias les Buggles, dans le groupe, Yes a enregistré « Drama », un album qui – tout en conservant des similitudes distinctes avec ses prédécesseurs – a définitivement plongé dans un territoire plus commercial à l'occasion, grâce aux sensibilités musicales des nouvelles recrues. Cela n'est nulle part plus évident que sur « Into the Lens », un morceau écrit par Downes et Horn puis arrangé pour correspondre au son Yes du bassiste Chris Squire. En conséquence, ce qui a commencé comme une simple chanson pop s’est transformé en un morceau épique qui a encore une touche commerciale en son cœur. En effet, les Buggles ont également enregistré une version de la chanson intitulée « I Am a Camera » qui met l'accent sur la pop plutôt que sur le prog, mais c'est une histoire pour une autre fois.

Dans le grand panthéon des groupes de rock progressif, rares sont ceux qui occupent un piédestal plus élevé que Yes, mais l'ajout de Downes et Horn au mix les a mis sur la voie qui les transformerait en une puissance dans les charts pop des années 80. Bien que « Into the Lens » n'ait pas été un succès majeur dans les charts en tant que single, il a donné un avant-goût du son qui émergerait sérieusement lorsque le groupe sortirait son prochain album studio, « 90125 », en 1983.

Lorsque Talking Heads a décidé d'enregistrer l'album « Remain in Light » de 1980, le groupe l'a fait en enregistrant des jams et en isolant les meilleures parties pour créer des chansons individuelles. « Once in a Lifetime » n'a presque pas été retenu, car le producteur Brian Eno n'était pas particulièrement fan de l'incarnation originale du morceau. David Byrne, cependant, insistait sur le fait qu'il pouvait y écrire des mots et le faire fonctionner, et bon sang s'il n'avait pas raison. La bassiste Tina Weymouth a crédité son mari, le batteur Chris Frantz, pour avoir inventé le riff de basse de la chanson, tandis que Frantz a reconnu que c'était le claviériste Jerry Harrison qui était responsable des synthés bouillonnants pendant les couplets. Le résultat final est un morceau qui trouve les auditeurs flottant à travers la chanson jusqu'à ce qu'ils atteignent le refrain, auquel cas il est difficile de ne pas chanter.

Bien qu'il n'ait jamais réellement trouvé sa place sur le Billboard Hot 100 – en effet, il était initialement considéré comme un échec – « Once in a Lifetime » a été immortalisé par le biais de sa vidéo, qui a montré Byrne en train de transpirer tout en devenant très funky à sa manière distinctive. Il a également l'honneur de faire partie de la liste de NPR des 100 œuvres musicales les plus importantes du 20e siècle et des 500 plus grandes chansons de tous les temps de Rolling Stone, et il figure sur la liste du Rock and Roll Hall of Fame des 500 chansons qui ont façonné le rock and roll. La simple vérité est que, oui, il était original lors de sa sortie initiale, mais il était tellement en avance sur son temps qu'il continue de paraître moderne même 45 ans après son enregistrement.

Tout groupe sortant un set de trois LP emprunte déjà un chemin qui va bien au-delà de la perception générale du punk rock, mais ayant déjà été déclarés « le seul groupe qui compte » par CBS Records, les Clash étaient en position commerciale en 1980 pour faire à peu près tout ce qu'ils voulaient… et ce que le quatuor voulait faire, c'était sortir un album intitulé « Sandinista ! »

« Hitsville UK » est un exemple classique de la diversité de l'album, d'abord et avant tout parce qu'il présente Mick Jones en duo sur la chanson avec sa petite amie de l'époque, Ellen Foley. Musicalement, cependant, il est totalement dépourvu de punk, rendant plutôt hommage aux succès R&B des années 60, à commencer par son titre, qui fait référence au surnom de Motown Records, « Hitsville USA ». Les paroles, quant à elles, honorent la scène musicale indépendante montante du Royaume-Uni – des labels comme Rough Trade et Factory sont mentionnés – tout en embrouillant ostensiblement les majors (« No slimy deals / With smarmy anguilles »). C'est une chanson entraînante qui canalise largement le son de la Motown et défie pratiquement les auditeurs de ne pas bouger les pieds, et c'est sans doute l'une des chansons les plus accrocheuses que les Clash aient jamais enregistrées. Bien qu'il soit souvent oublié dans le panthéon musical du groupe parce qu'il n'a – croyez-le ou non – jamais joué en live par le groupe, et qu'il n'a pas non plus atteint le Top 40 britannique en tant que single, il a néanmoins une accroche si mémorable qu'il est presque impossible de le sortir de votre tête une fois que vous l'avez entendu.