5 chansons rock de 1987 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

L’année 1987 a été une période riche et colorée dans le monde de la musique rock. Des groupes de renom trouvaient des moyens d’incorporer des couches électroniques dans leurs sons de guitare afin de rester dans l’air du temps. Pendant ce temps, d’autres groupes revenaient pour une vision plus fondamentale du rock en tant que forme d’art américaine unique. Quelque part entre les deux, les groupes ont trouvé un moyen d'équilibrer l'ancien et le nouveau et d'affirmer leur statut de rock sans perdre leur place dans la scène en évolution.

Quels que soient vos goûts, la meilleure musique rock de 1987 avait quelque chose pour tous les palais musicaux. Mais certaines chansons semblent scellées dans une capsule temporelle, sonnant encore plus cool aujourd’hui qu’à l’époque. Pour qu'une chanson atteigne un tel statut, elle doit avoir une structure solide qui ne cède pas aux tendances ou aux modes et des paroles qui ne sont pas embourbées dans l'argot d'époque ou remplies de références datées. Chaque morceau doit également être suffisamment rock pour remuer votre système nerveux encore plus férocement maintenant que lors de votre première écoute. Du groove funkifié de « Devil Inside » d'INXS aux sons plaintifs et planants de « Alone » de Heart, voici cinq rockers de 1987 qui sonnent plus cool que lorsqu'ils sont sortis il y a toutes ces années.

INXS était un groupe qui définissait les tendances plutôt que de les suivre, ce qui explique pourquoi la fusion funk-rock du magnifique album du groupe de 1987, « Kick », reste une version si intemporelle. Posez une aiguille sur n’importe quel morceau, et la même énergie contagieuse qui a jailli la première fois que vous l’avez écouté crépite toujours dans les haut-parleurs. En particulier, le slinky et énergique « Devil Inside » sonne comme une chanson rock du futur qui a une place privilégiée au 21e siècle, encore plus qu'à la fin des années 80.

Comment une chanson vieille de près de 40 ans parvient-elle à sonner comme une nouveauté ? Une grande partie de la magie réside dans l’arrangement habile, avec une structure squelettique pendant le couplet qui devient un rideau de bruit unifié à mesure que le refrain arrive. L'appel aux ténèbres qui devient le refrain via la phrase répétée « Le diable à l'intérieur, le diable à l'intérieur, chacun d'entre nous, le diable à l'intérieur », sonne comme si nous recevions tous la permission de nous déchaîner.

Les grognements et les hurlements de Michael Hutchence devant la section rythmique entraînante des frères Farriss sont un doux résumé du rock mélodique qui laisse de côté les morceaux duveteux qui pourraient le faire paraître démodé. L'inimitable chanteur s'est révélé être une rock star qui a caché un secret tragique pendant des années, se suicidant en 1997 à l'âge de 37 ans. Le fait qu'il ne soit en vie que pendant encore 10 ans rend cette chanson intemporelle encore plus significative.

U2 est désastreux et suffisant depuis le premier jour. Mais en 1987, le groupe a canalisé son énergie dans un son plus ensoleillé pendant quelques minutes avec ce morceau de magie festive tout à fait optimiste tiré de son album révolutionnaire, « The Joshua Tree ». Une nouvelle écoute rappelle aux vieux fans de U2 que la musique est la raison pour laquelle nous sommes tombés amoureux du groupe, même si les messages musclés peuvent devenir irritants.

« Je veux courir, je veux me cacher », chante Bono au début de la chanson, « Je veux abattre ces murs qui me retiennent à l'intérieur. » Il capture avec justesse les sentiments mitigés de vouloir être à la fois libre et invisible, une sensation intemporelle que toutes les générations ont rencontrée. Lorsqu’on le relie à la génération des smartphones, qui semble souvent se cacher derrière une image fabriquée, le paradoxe est encore plus pertinent.

Malgré les changements de genre au cours des années 90 et l'arrivée de sujets intrigants, U2 n'a pas semblé aussi triomphalement optimiste jusqu'à ce que « Beautiful Day » arrive 13 ans plus tard. Heureusement, « Where the Streets Have No Name » a transporté les auditeurs à travers les années expérimentales pour devenir un incontournable de notre playlist de tous les temps. C'est l'hymne d'évasion que vous devriez entendre lorsque vous partez pour une grande aventure, peu importe où ces rues sans nom vous mènent.

Les pionniers de l'art-prog rock Pink Floyd ont connu le succès commercial avec le lauréat de 1987 « Learning to Fly », un succès crossover mid-tempo qui a montré la croissance et la maturité du groupe en matière d'écriture de chansons. À cette époque, le groupe s'était effondré et le dernier album, « A Momentary Lapse of Reason », était un patchwork réalisé par le guitariste David Gilmour et le batteur Nick Mason. Mais des décennies après sa sortie, le premier single du disque n’a pas perdu son éclat sophistiqué.

La mélodie simple offre une douceur qui se marie bien avec des paroles oniriques qui décrivent un avion piloté qui décolle tout en donnant l'impression qu'un humain décolle. Peu importe que vous l'entendiez comme un avion ou une âme qui prend des leçons de vol – le message sous-jacent est celui d'un « inadapté terrestre » submergé par la perspective de voler. Métaphore du dépassement de la gravité et de l’ascension vers les hauteurs, la chanson offre un message poétique d’espoir à tous ceux qui tentent de surmonter les obstacles.

Ce n'est peut-être pas la chanson de Pink Floyd qui a atteint le sommet du Hot 100 (elle n'a atteint que la 70e place), mais c'est un éternel succès dans notre classement personnel des chansons qui donnent l'impression que l'année ne s'est jamais terminée. Cela donne également à Pink Floyd un adieu un peu sentimental. Bien sûr, il est peut-être plus doux que le groupe à ses débuts, mais il tient toujours le coup après des années à s'accrocher.

Heart s'était déjà imposé comme une force renouvelée dans la musique rock lorsqu'il a abandonné le nouveau standard des ballades puissantes avec « Alone » en 1987. Ce torride s'inscrit dans la veine de « What About Love? » – le retour massif qui a changé le destin de ce groupe. Il a également ramené Heart à sa position de pouvoir consistant à être le poursuivant et à déclarer exactement ce qu'il veut, une approche qui a rendu les succès précédents comme « Crazy On You » si convaincants.

Cette fois-ci, plutôt que de se demander si son amant était intéressé, l'inimitable Ann Wilson a pris le taureau par les cornes avec une approche plus directe de l'amour, se demandant avec beaucoup de force comment elle pourrait obtenir un tête-à-tête bien mérité. « Je ne m'en suis jamais vraiment soucié jusqu'à ce que je te rencontre », avoue Wilson, devenu un peu obsédé. « Et maintenant, ça me glace jusqu'aux os / Comment puis-je te retrouver seul ? » Le fait que Wilson puisse extraire autant de syllabes du mot « seule » témoigne de l’émotion suscitée par sa voix.

Un autre geste qui garde la fraîcheur de cette sélection chantable est de laisser le piano parler pendant les couplets les plus tendres et de donner aux guitares de grandes voix pour le refrain envolé. C'est une mise en page anthémique qui emmène les auditeurs dans un tour de montagnes russes émotionnelles. « Alone » mérite d'être joué fort sur un système audio puissant pour offrir une performance de bravoure qui donne l'impression que le groupe est sorti de la session d'enregistrement la semaine dernière.

Celui qui a dit que le rock'n'roll n'était que trois accords et, en vérité, n'avait pas réalisé qu'un groupe de rock aussi agile que The Call pouvait le faire avec seulement deux accords et trois notes. C'est la simplicité de la structure et de la mélodie de « I Don't Wanna » qui donne à la chanson une présentation intemporelle et met une colonne vertébrale en acier dans la notion de rock'n'roll, quelle que soit l'époque à laquelle elle est jouée. Le fait qu'il s'agisse d'une version inversée d'un numéro d'amour le rend encore plus puissant.

La configuration de base guitare-basse-batterie-synthé de ce thumper offre le genre de chaos contrôlé qui ne se démode jamais. Ensuite, il y a la gifle lyrique de Michael Been, qui alerte le sujet de son amour non partagé qu'il n'y aura pas de dorlotage ni de mendicité ici. Chaque ligne est une déclaration de ce qu'il ne fera pas par amour : « Je ne vais pas surveiller chacun de vos mouvements / Je ne vais pas suivre chacun de vos pas / Je ne suis pas là pour façonner chacune de vos humeurs / Je ne suis pas là pour garder vos secrets. » Ce n’est pas une mauvaise carte Hallmark.

Lorsque Been termine avec la phrase « Je ne vais pas prier pour que tu m'aimes / Parce que je sais que tu l'aimeras », ce qui semblait au départ dur et impénétrable ressemble maintenant à de l'autoprotection. En fin de compte, les auditeurs se retrouvent sur une reprise pleine d’espoir. Allumez-le aujourd'hui, et le sentiment douloureux soutenu par un quatuor de rock rugissant est la mélodie parfaite pour les amoureux qui n'ont pas perdu espoir.

Si vous ou quelqu’un que vous connaissez êtes en difficulté ou en crise, de l’aide est disponible. Appelez ou envoyez un SMS au 988 ou discutez 988lifeline.org.