5 chansons de 1976 qui définissent l'histoire du rock

Les années 1970 étaient un trésor absolu de succès du rock classique qui ont non seulement défini le paysage musical et culturel de l’époque, mais qui perdurent encore aujourd’hui. Des groupes comme The Rolling Stones, The Who, The Doors et The Beach Boys ont évolué pour s'adapter et influencer leur époque, tandis que des légendes du rock comme Led Zeppelin, Eagles, Pink Floyd, David Bowie, Lynyrd Skynyrd, Fleetwood Mac et bien d'autres ont pris leur envol et l'ont défini. Chaque année a apporté ses propres succès, mais 1976 s'est avérée une année particulièrement gonzo pour les classiques du rock.

Mais d’abord, nous devons jeter un œil à l’état du rock dans la seconde moitié des années 70. Le mouvement contre-culturel des années 1960 s'était généralisé, débordant sur le front musical au début des années 70, et la seconde moitié de la décennie commençait à évoluer vers le rock d'arène des années 80 et à faire face à la concurrence du disco. Les grands succès de 1976 reflètent cette époque, prise entre l'histoire et l'avenir du rock. Ce sont des morceaux phares qui dressent un portrait du rock de cette année-là et « définissent » son histoire, mais n’en sont pas nécessairement la cause.

Si l'année a été riche en tubes qui reflètent l'époque, comme « The Boys Are Back in Town » de Thin Lizzy, « Detroit Rock City » de KISS, « Dirty Deeds Done Dirt Cheap » d'AC/DC, « Baby I Love Your Way » de Peter Frampton, « Fly Like an Eagle » du Steve Miller Band ou encore « Carry On Wayward Son » de Kansas, quelques chansons s'avèrent plus emblématiques que les autres. Cela inclut « More Than a Feeling » de Boston, « Somebody to Love » de Queen et, bien sûr, « Hotel California » des Eagles.

On ne peut vraiment pas parler de musique qui définit l’histoire du rock sans parler des Eagles (pas des Eagles, il faut le noter). Ils ont constitué une force énorme et massive tout au long des années 70 et ont remporté la troisième et la quatrième place dans le top 10 des albums les plus vendus de la décennie, selon les albums les plus vendus. Ils étaient si populaires, bien plus que ce que le lecteur peut imaginer ou se souvenir, qu'ils ont déjà sorti un album des plus grands succès en 1976 qui ne couvrait que cinq ans de l'histoire du groupe. En 2018, cet album est devenu l’album le plus vendu de tous les temps. Et Eagles a sorti un autre nouvel album en 1976 en plus de l'album des plus grands succès, celui qui contenait l'ultra-hit pour mettre fin à tous les succès, « Hotel California ». 1976 fut en effet une très bonne année pour le groupe.

Que pouvons-nous dire à propos de « Hotel California », alias « Mexican Reggae » par le titre original (si vous ne pouviez pas l'entendre dans l'étrange prestation vocale de Don Henley), qui n'a pas été dit auparavant ? Une chanson incroyablement structurée avec une narration magnifique, elle est aussi étrange qu'invitante (un peu comme son sujet) et ressemble beaucoup à ses images fantastiques : autoroutes sombres du désert, odeurs chaudes de colitas, champagne rose sur glace, etc. Quelles que soient vos opinions personnelles sur les Eagles, il est difficile de nier que peu de chansons sont aussi évocatrices qu’entraînantes.

En plus de sa signification cachée, « Hotel California » présente l'un des solos (et duels) à double guitare les plus emblématiques de l'histoire du rock, 1976 ou autre. De plus, c'est fantastique d'entendre des gens chanter cette chanson au karaoké avec une verve aussi passionnée sans savoir de quoi parle réellement la chanson. En effet, aucun d’entre nous ne pourra jamais oublier le souvenir de cette chanson.

À l’opposé du spectre musical rock des Eagles, nous avons une incursion musicale chahutée, rebelle et hack-and-slash qui définit également 1976 à un T : « Anarchy in the UK » des Sex Pistols. Pour les besoins de cet article, nous allons laisser les discussions sur la question de savoir si le punk est ou non du rock aux messages de forum décousus et chronophages et dire : « Oui, c'est le cas », car il est né du rock au milieu des années 70. Majeur dépouillé, déchiqueté et brut des conventions rock établies, le punk (alias « punk rock ») a pris forme aux États-Unis et au Royaume-Uni avec des groupes comme The Stooges, the Ramones, The Clash et un autre groupe « the », les Sex Pistols. Parmi toutes les chansons de tous ces groupes, c’est sans doute « Anarchy in the UK » qui s’est avérée la plus marquante et la plus influente.

« Anarchy in the UK » ne parlait pas seulement des contorsions corporelles et des délires fous du chanteur Johnny Rotten sur scène, ni de l'icône punk autodestructrice Sid Vicious, décédée en 1979 trois ans après la sortie de « Anarchy in the UK ». La chanson parlait de son attitude brutale et anti-establishment et de paroles comme « Et je veux être anarchiste / Je m'énerve, je détruis. » C’est à ce moment-là que le punk en est venu à représenter une révolte non seulement contre les subtilités musicales étouffantes, mais contre… enfin… tout. Comme la BBC citait le journaliste Jon Savage de l'époque : « Ça y est. Cela concerne l'ensemble du pays. »

Les Sex Pistols étaient tellement déterminés à l’anéantissement qu’ils se sont anéantis eux-mêmes en peu de temps. « Anarchy in the UK » a tellement marqué une époque que les gens pourraient oublier qu'il était issu du seul disque studio jamais sorti par les Sex Pistols, « Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols ». Maintenant, c'est du punk.

« Bohemian Rhapsody » est une chanson impossible à suivre. Sorti en 1975 sur le bien nommé « A Night at the Opera » de Queen, « Bohemian Rhapsody » atteint la 9e place du Billboard Hot 100 l'année suivante, en 1976. La même année, Queen poursuit sa production créative folle et incessante et sort son cinquième album studio complet, « A Day At the Races ». Plutôt que de se reposer sur leurs lauriers ou de s'inquiéter d'une suite (jeu de mots, guitaristes) à leur plus grand succès, ils ont continué et ont réalisé « Somebody to Love ». La chanson construite sur le son riche en harmonie de Queen, a lié leurs carrières des années 70 et 80, a fait de même pendant des décennies de rock dans leur ensemble et a aidé le groupe à poursuivre son ascension vers sa place au sein du groupe de rock Olympus.

En tant qu'exploit d'écriture, les premières mesures de « Somebody to Love » racontent une grande partie de son histoire. La chanson comporte six parties vocales distinctes, par exemple baryton, ténor 1, ténor 2, etc., dont chacune est triplée, ce qui signifie trois couches distinctes de la même ligne pour plus d'épaisseur – soit 18 pistes vocales au total. Ce type d'harmonisation texturée, le type célèbre utilisé sur « Bohemian Rhapsody », plus une certaine vulnérabilité de haut niveau de Freddie Mercury rencontre la bravade, et un flux et reflux rythmique rappelant le gospel (Mercury s'est inspiré d'Aretha Franklin pour ce morceau), a conduit « Somebody to Love » au n°13 du Billboard Hot 100.

Si le lecteur écoute « Somebody to Love » et demande : « Dans quelle décennie cela semble-t-il avoir été écrit ? nous parions que vous ne le sauriez pas (valeurs de production mises à part). Dans « Somebody to Love », Queen comblait déjà le fossé entre les années 70 et 80, forgeant un autre lien dans leur héritage et l'histoire du rock.

Boston était un groupe tellement colossal qu’il est facile d’oublier qu’il s’agissait essentiellement d’une merveille d’un seul album. Leur premier album éponyme de 1976, arborant un OVNI rouge, est devenu le premier album rock le plus vendu de tous les temps et a propulsé le groupe vers une méga-célébrité instantanée et sans précédent. La première chanson de ce premier album, « More Than a Feeling », a guidé toute la carrière du groupe. Leur son était énorme et leur composition anthémique, accrocheuse et parfaitement adaptée aux spectacles d'arène chantants, qui présageaient tous le rock orienté album (AOR) des années 80 à suivre, en pensant à des groupes comme Journey, Bon Jovi, Def Leppard, etc.

Tout cela grâce à Tom Schultz, fondateur, producteur et multi-instrumentiste de Boston qui a tout écrit et fait pour le groupe. Plus bricoleur et ingénieur qu'autre chose, il a construit son célèbre appareil audio Rockman dans son studio au sous-sol tout en créant le premier son de Boston. Le Rockman était un ampli véritablement révolutionnaire avec des effets intégrés et une compatibilité casque qui pouvait être utilisé pour enregistrer ou jouer, et était suffisamment petit pour tenir dans votre main. Il a été développé pour devenir sa propre gamme de produits, a été utilisé par des sociétés comme ZZ Top, Joe Satriani et Def Leppard, et est toujours vendu ici et là en ligne sur des marchés d'occasion comme eBay. De cette manière, Schultz représentait un changement vers quelque chose auquel beaucoup de mélomanes ne pensent pas, mais qui définit de plus en plus l'industrie musicale : la production.

Le perfectionnisme de Schultz a également paralysé la carrière de Boston. Il y avait un écart de huit ans entre leurs deuxième et troisième albums (1978 à 1986) et leurs troisième et quatrième albums (1986 à 1994). À ce moment-là, les temps avaient changé et l'élan du groupe s'était envolé, même si leur impact restait.

Bien avant que Will Ferrell ne fasse plus de sonnettes sur Saturday Night Live, Blue Öyster Cult était un groupe à l'esprit poétique, étrange et mystique, adjacent au prog, suivi d'un culte (des huîtres bleues), quelque chose qui grattait la même démangeaison que King Crimson ou Emerson, Lake et Palmer. Pas un groupe aussi important que les autres sur notre liste, Blue Öyster Cult a quand même atteint la 12e place du Billboard Hot 100 en 1976 avec la chanson pour laquelle tout le monde les connaît, « (Don't Fear) The Reaper ». Cette chanson a contribué à définir non seulement l’histoire du rock, mais aussi celle de 1976, notamment à cause de la critique que le groupe a reçue pour sa chanson.

Il semble évident que « (Don't Fear) The Reaper » est une chanson sur l'acceptation du caractère inévitable de la mort. La chanson cite Roméo et Juliette pour le faire et romantise leur histoire (incorrecte par rapport au texte, oui) dans des lignes comme : « (En disant : « N'aie pas peur ») Allez, bébé / (Et elle n'avait pas peur) Et elle a couru vers lui / (Puis ils ont commencé à voler) Ils ont regardé en arrière et ont dit au revoir.  » Mais, lors de la sortie de « (Don't Fear) The Reaper », certains membres du public pensèrent que le groupe prônait le suicide, et interprétèrent des phrases comme le fameux « 40,000 hommes et femmes chaque jour » pour conclure ainsi. Cela a été un grand choc pour le groupe, qui ne s’attendait pas à réussir.

Blue Öyster Cult et leur place dans l'histoire du rock n'ont cependant pas disparu. Le sketch SNL « More Cowbell » de 2000 a vraiment servi à renouveler et à consolider la renommée du groupe. Dans une interview avec Q104.3 (sur Facebook), le chanteur Buck Dharma déclare que « nous avons une dette envers SNL… » et que le groupe a « fait la paix avec la cloche », même si le groupe n'a jamais été aussi sérieux envers lui-même que les gens le pensaient, de toute façon.