5 chansons des années 70 qui donnent le sens de la vie

Si une époque dans l’histoire récente a représenté un désir sociétal d’analyser et de reformuler les principes fondamentaux de la vie, c’est bien les années 1960 et 1970. Définies presque entièrement par les campagnes de contre-culture, les manifestations contre la guerre du Vietnam et le vaste mouvement pour les droits civiques et ses conséquences, les années 60 et 70 ont également produit certaines des meilleures musiques de notre époque. Les pressions et les contrastes de l'époque ont engendré une immense verve artistique et une vivacité créative sous la forme de rock classique, de Motown et de R&B, de folk et de country, d'éclats de vagues musicales comme le disco de la fin des années 70, et bien plus encore. Parmi toute cette musique, certaines chansons décrivent mieux que d’autres le sens de la vie.

Mais d’abord, nous devons définir les objectifs. Le « sens de la vie » est un sujet si vaste et potentiellement excessif qu'il est important de se pencher sur les expériences et les sentiments humains universels tout en évitant les clichés ringards et exagérés. Cela est vrai quelle que soit la qualité de l’écriture des chansons, ce qui signifie que nous devons omettre des chansons comme « Imagine » de John Lennon. Les morceaux proggy et hautement architecturés peuvent également être très satisfaisants pour l'oreille musicale, mais peuvent facilement se transformer en divagations abstraites et détachées qui passent à côté de l'essentiel lorsqu'il s'agit de se connecter au cœur humain au sens large.

En parlant de ce cœur, nous devons également éviter la musique festive qui parle uniquement de boisson, de fête et de sexe, même si certains jurent que c'est la raison d'être de l'humanité. Nous visons plus haut, non seulement pour le cœur, mais aussi pour l'âme, pour aborder des sujets sérieux. Qu'il s'agisse de « Child of Mine » de Carole King, de « Diamonds and Rust » de Joann Baez ou de « War » de Bob Marley, soyez prêt.

Peu importe que l’avancement professionnel, les choses matérielles et le « temps pour moi » dominent désormais la vie de tant de gens, aucun d’entre nous ne serait là sans les soins, l’énergie et le sacrifice de nos parents. Qu’il soit idéal avec amour ou épargné à contrecœur, le lien parent-enfant, en particulier le lien mère-enfant, pourrait bien se trouver au cœur même de la chaîne générationnelle qui nous lie tous ensemble et nous rend humains de la manière la plus universelle possible.

C’est une déclaration grandiose, mais qui est enracinée dans le sentiment le plus simple, mais le plus vaste, du moment présent : l’amour. Il faudrait un poète du calibre le plus habile pour exprimer de tels sentiments d’une manière gérable et communicable. Mais heureusement, Carole King a été plus que à la hauteur lorsqu'elle a écrit « Child of Mine » en 1970.

Il y a quelque chose d'innommable dans « Child of Mine », si fragile et doux, comme si ses sentiments allaient se briser s'ils étaient exprimés. La chanson est d’une douceur douloureuse, plaintive et ressemble beaucoup à une berceuse chantée à un nourrisson. King l'a écrit pour ses deux premières filles, Louise et Sherry, même si ses sentiments s'étendent sans aucun doute à ses enfants plus tard, Molly et Levi. En fait, ils s'étendent à presque tous ceux qui sont un (bon) parent, avec des phrases comme : « Tu n'as pas besoin de direction, tu sais où aller / Et je ne veux pas te retenir, je veux juste te voir grandir » et « L'époque dans laquelle tu es né n'a peut-être pas été la meilleure / Mais tu peux rendre les temps à venir meilleurs que les autres. » Cependant, plus que l'universalité, la chanson de King communique les leçons, la perspicacité et la sagesse qui accompagnent le fait d'être parent, lorsque vous et votre enfant apprenez main dans la main.

À l’image de la phase suivante de la vie qui suit la naissance et l’éducation, « Born to Run » de Bruce Springsteen en 1975 capture de manière exquise le désir incessant qui couve dans l’âme des jeunes. Envie de quoi ? C'est exactement la question. Le désir d’arracher à la vie tout ce qu’elle a ; plonger à corps perdu dans son océan, y compris les hauts-fonds escarpés ; la peur que les rêves se fanent avant d'être réalisés ; le chagrin absolu qui sous-tend chaque joie, sachant que ces joies aussi s'estomperont, mais en ayant quand même envie : tout cela et bien plus encore vit dans les paroles et l'énergie volcanique de « Born to Run ». Il s'agit d'un véritable poème musical éclair qui transmet un moment de la vie qui est facilement oublié au milieu des factures ménagères de la quarantaine, des réunions étouffantes et de l'adhésion pédante aux normes sociales prescriptives.

Remarquez que nous avons transmis les sentiments de « Born to Run » à travers une série de résumés de haut niveau articulés sur des mots vibrants comme « tordre, « plonger » et « flétrir » ? Springsteen fait la même chose dans « Born to Run », qui ne s'exprime pas à travers une description directe des sentiments, mais une série de vignettes vivantes et lyriques, comme « Le parc d'attractions s'élève avec audace et austère / Les enfants sont blottis sur la plage dans une brume » et « Enveloppez simplement votre jambes autour de ces jantes en velours / Et attachez vos mains sur mon moteur.  » Ces vignettes transmettent collectivement le sens de la chanson.

Il s’agit d’une narration d’auteur-compositeur-interprète à son meilleur, et elle vient directement de la vie de Springsteen. Il avait la vingtaine lorsqu'il a écrit la chanson, vivant dans une maison très modeste et n'a pas pu lancer sa carrière. Il est aujourd’hui l’un des artistes rock’n’roll les plus titrés de tous les temps. C'est aussi l'histoire que raconte « Born to Run ».

Avec le temps viennent le ressentiment et le bagage inévitable de relations et d’espoirs détériorés. Sans vouloir donner une tournure complètement dure à l'histoire que nous avons continué avec « Born to Run », mais qui pourrait vivre – vraiment vivre – s'il parvenait à éviter complètement l'amour tendu, les circonstances enchevêtrées et la magie perdue ? C'est là qu'entre en jeu « Diamonds and Rust » de 1975 du chanteur folk suprême Joan Baez, une représentation honnête de ce que l'on ressent lorsque quelque chose est brisé au-delà de notre capacité à le contrôler ou à faire autre chose que réagir et peut-être devenir amer. Les premières lignes à elles seules transmettent le sens de la chanson, en disant : « Eh bien, je serai damné / Voici à nouveau ton fantôme », et elles se terminent par : « Tu étais si bon avec les mots / Et à garder les choses vagues / Parce que j'ai besoin d'un peu de ce flou maintenant / Tout est revenu trop clairement.

Il est désormais bien connu que Baez a écrit cette chanson spécifiquement sur Bob Dylan, avec qui elle était autrefois en couple. Comme le raconte l'histoire, Baez n'écrivait pas initialement sa chanson sur Dylan, mais elle s'est tournée vers lui lorsqu'il l'a appelé un jour depuis une cabine téléphonique dans le Midwest – comme elle l'écrit dans « Diamonds and Rust ». Chaque ligne de la chanson démonte tout ce qui la bouleverse chez Dylan. Mais ces choses ont également produit des diamants ainsi que de la rouille, c'est-à-dire les pierres précieuses de l'art et la corrosion de l'amour – les deux bonnes et mauvaises.

Même si Baez était en train d'écrire une chanson très personnelle et de réciter une litanie de choses spécifiques à sa relation avec Dylan, ses sentiments sont si compréhensibles et bien exprimés qu'elle a créé quelque chose de vraiment universel. Pour ce chapitre particulier de la vie, « Diamonds and Rust » correspond plus étroitement que tout autre.

La même année où Bob Marley a été abattu à deux reprises lors d'une tentative d'assassinat, puis s'est produit à Smile Jamaica, un concert axé sur la paix parrainé par le Parti national du peuple jamaïcain (PNP), il a sorti « Rastaman Vibration » en 1976 et son morceau puissant et remarquable, « War ». Les gens ne le savent peut-être pas, mais la chanson est en fait une version chantée d'un discours prononcé en 1963 devant les Nations Unies par l'empereur éthiopien destitué Haile Selassie Ier, qui a régné de 1930 à 1974. Il a été renversé lors d'un coup d'État militaire par le leader marxiste Mengistu Haile Mariam, qui a lui-même fui au Zimbabwe après l'effondrement de l'Union soviétique en 1991. Entre les deux chutes du pouvoir, Marley est mort en 1981 d'un type rare de cancer appelé mélanome lentigineux acral.

Existe-t-il une chaîne d’événements violents, parfois absurdes et tragiques, motivés par le pouvoir, qui dépeignent de manière plus appropriée une autre facette inévitable de la vie et de la nature humaine ? Lorsque Marley a mis en mots le discours de Sélassié sur « War » de 1976, il n'avait peut-être pas en tête des choses aussi sophistiquées. Et pourtant, il a chanté une chanson qui résume non seulement son sujet basé sur les droits de l’homme, mais aussi son moment spécifique dans le temps et dans la guerre, au sens large. Comme il le chantait, « Jusqu'à ce que la couleur de la peau d'un homme / N'ait pas plus d'importance que la couleur de ses yeux / Moi, je dis la guerre. »

« Moi, je dis la guerre » n'est pas une exhortation à la guerre mais un cri de désespoir et un plaidoyer pour la paix. Mais la guerre a continué, accompagnée de calomnies vicieuses, de mesquineries insensées de groupe contre groupe et de diatribes sans fin lancées par un flot tout aussi incessant de têtes parlantes complices à travers le monde. Tous ces événements se produisent malgré les points communs que la « guerre » implique que nous souhaitons tous : le bonheur, la liberté et l’absence de souffrance.

Dernier dans la chronologie de notre liste, à la fois en tant que chanson des années 70 et phase de la vie, se trouve « Dust in the Wind » de 1977, à côté du bien nommé « Point of Know Return » du Kansas. Il ne fait aucun doute que beaucoup de gens qui sont arrivés aux mêmes conclusions que « Dust in the Wind », indépendamment de la chanson ou autre, ont fait de leur mieux pour cacher ces conclusions tout en vaquant à leurs occupations quotidiennes. Des phrases comme « Juste une goutte d'eau dans une mer sans fin / Tout ce que nous faisons / S'effondre sur le sol même si nous refusons de voir » ne pourraient pas décrire plus précisément le sens de la vie, en particulier au-dessus de phrases bien adaptées à la modernité, comme « Et tout votre argent ne sera pas acheté une minute de plus. » Toute la colère, l’ambition et la passion humaines se résument à de la poussière emportée par le vent en quelques années. Et quand on considère que des phrases comme « Rien ne dure éternellement sauf la terre et le ciel » ne sont même pas vraies de loin sur une échelle de temps galactique assez longue, la chanson frappe sans doute plus fort que toute autre sur cette liste.

Beaucoup de gens doivent ressentir la même chose, car « Dust in the Wind » est le morceau le plus populaire du Kansas. Cependant, il n'a presque pas vu le jour, car le guitariste Kerry Livgren ne pensait pas que le groupe voudrait enregistrer une chanson uniquement acoustique. Cependant, ses camarades du groupe ont entendu le potentiel, et le reste appartient à l’histoire.

Il n’est cependant pas nécessaire de considérer « Dust in the Wind » comme une chanson purement désespérée. La vie ne consiste pas simplement à accepter sa brièveté, mais aussi à accepter sa brièveté tout en créant du sens. Pour cela, nous devrons peut-être simplement répéter le cycle de la vie et renvoyer le lecteur à la chanson de Carole King sur l'amour pour un enfant et à la chanson de Bruce Springsteen sur le désir de tirer le meilleur parti de notre séjour ici. `