5 chansons rock des années 80 que nous répéterons jusqu'à la fin des temps

Qu'il s'agisse d'énormes groupes anthémiques comme Def Leppard ou Bon Jovi, de groupes de rock pur comme AC/DC, ou de groupes plus doux et nobles comme U2, les années 1980 ont produit de superbes exemples de musique rock. Les années 80 ont également été une époque où le rock a bifurqué au-delà de son « âge d'or » classique (autour de 1964 à 1982) et est devenu de plus en plus éclectique en termes de sous-genres et d'influences contemporaines, comme l'électropop. Et tout comme les groupes des années 60 et 70 ont produit de la musique rock que nous continuerons à jouer jusqu'au jour de notre mort, les années 80 ont fait de même.

Choisir seulement cinq chansons de toute la décennie est tout un exploit. Donc, pour les besoins de cet article, nous devons réfléchir et éviter les chansons trop évidentes ou qui se lisent comme un assemblage stupide des plus grands succès des années 80. En même temps, nous ne pouvons pas devenir trop obscurs. Nos chansons devraient conserver un attrait plus large et non spécialisé. Les chansons doivent également être suffisamment nuancées ou substantielles pour ne pas devenir répétitives au fil du temps, ce qui signifie qu'elles ne peuvent pas trop s'appuyer sur de gros refrains accrocheurs.

Nous évitons également le métal, comme Black Sabbath sous Ronnie James Dio, Iron Maiden et les légendaires albums de Metallica des années 80. Une grande partie de cette musique est suffisamment accessible par rapport au métal moderne pour biaiser le hard rock, mais n'est, par définition, pas du rock. Sur cette note, nous devons couvrir une variété de styles qui représentent avec précision toute la gamme du rock des années 80 qui résume bien la décennie. Qu'il s'agisse de l'énergie sans vergogne et à couper le souffle d'Ace of Spades de Motörhead, du rock root et chargé d'émotion de « I'm On Fire » de Bruce Springsteen, ou de The Purple One lui-même criant pour « Purple Rain », il y a beaucoup de musique à célébrer.

S'il y a jamais eu une pierre fulgurante qui vous a frappé au visage alors que vous voliez vos clés et partiez à toute vitesse dans votre Harley, c'était bien Motörhead. Nous disons « était » parce que le légendaire leader de Motörhead, Lemmy Kilmister, est malheureusement décédé d'un diagnostic de cancer de dernière minute en 2015, et Motörhead n'est plus. Mais peu importe, car comme Lemmy le râle éternellement dans « As of Spades » des années 1980, « Tu sais que je suis né pour perdre, et le jeu est pour les imbéciles / Mais c'est comme ça que j'aime ça, bébé, je ne veux pas vivre éternellement. »

Lemmy l'a dit aussi directement et sans fioritures que « Ace of Spades », jusqu'à sa description de l'identité et de la raison d'être de Motörhead lors d'un concert de fin de carrière : « Nous sommes Motörhead et nous jouons du rock'n'-roll. » C'est aussi simple que ça. Cela fait partie de l'attrait et de l'intemporalité de la musique de Motörhead, et c'est pourquoi elle frappe toujours autant aujourd'hui qu'à sa sortie, et continuera de le faire à perpétuité.

L'histoire derrière « Ace of Spades » ne fait qu'ajouter à la fraîcheur et au statut de la chanson, une chanson qui est rapidement devenue le plus grand succès de Motörhead. Le guitariste « Fast » Eddie Clarke et le batteur « Philthy Animal » Taylor se sont enfermés dans un studio de Rockfield, au Pays de Galles, pour travailler sur les chansons du quatrième album de leur groupe, avec « la vodka et tout le reste », comme le cite Clarke. Lemmy a ensuite assemblé les paroles dans une « fourgonnette de transport en commun alors qu'il roulait à toute vitesse sur l'autoroute à 90 mph », comme il l'a déclaré. Clarke, cependant, a déclaré: « Il (Lemmy) aurait pu l'écrire dans le putain de sh***er pour autant que je sache. »

Les purs et durs de Rush pourraient avoir notre cou pour ce choix et commencer à pleurer : « Ouais, ouais, ouais, mais qu'en est-il de la chanson X de l'album Y ? catalogue des années 80, nous allons faire un clin d'œil à « Tom Sawyer » du « Moving Pictures » susmentionné comme une chanson que nous pourrions écouter à perpétuité.

« Tom Sawyer » gratte notre démangeaison progressive, expérimentale et étrange qui remonte à des actes comme King Crimson de la fin des années 60 et le début de Genesis. Comme le groupe, la chanson ne vieillit jamais, peu importe le nombre de parties, en grande partie parce qu'elle est toujours aussi unique en son genre. En même temps, il conserve un aspect accessible, quelle que soit sa complexité, en partie parce que le groupe a commencé à écrire des chansons « plus serrées et plus économiques » dans les années 80, comme l'a déclaré le guitariste Alex Lifson à Louder Sound.

« Tom Sawyer » représente également une musicalité Rush de haut niveau, entre ses signatures rythmiques et polyrythmies étranges, le pré-refrain très basé sur le groove, le motif de synthé à gauche qui apparaît pendant le couplet deux, et ainsi de suite. Écrit dans le cadre d'une collaboration lyrique entre le groupe et le poète canadien Pye Dubois, il démontre également une caractéristique des chansons de Rush : chaque chanson est très spécifique quant à son sujet. « Tom Sawyer » parle du personnage de Mark Twain en tant que représentant d'un thème intemporel : le désir de mener une vie indépendante et libre. Comme le dit la chanson, « Non, son esprit n'est pas à louer / à un dieu ou à un gouvernement ».

Il peut sembler étrange qu'une chanson aussi courte – un peu moins de deux minutes et demie – fasse un extrait de chansons des années 80 que vous puissiez rejouer encore et encore, mais c'est la brièveté précise de « I'm On Fire » de Bruce Springsteen de 1984 qui contribue à le rendre si spécial. C'est aussi un choix étrange pour une chanson à succès, de Springsteen ou de n'importe qui d'autre. Mais, au moment de la rédaction, il y a en fait plus d'écoutes sur Spotify que l'histoire de vétéran monstrueusement énorme, anthémique et toujours mal interprétée de « Born In the USA ».

« I'm On Fire » a un simple refrain de sept notes, dont trois notes sont « Oh, oh, oh », une structure inhabituelle qui a deux mini-couplets et un couplet plus long, pas de pont, pas de véritable intro, pas de véritable outro, pas de digressions et rien d'autre que la reformulation presque hypnotique des mêmes motifs musicaux encore et encore. Et c'est précisément le point. La chanson s'enflamme comme les sentiments qu'elle décrit, comme une allumette allumée, et utilise pour ce faire un phrasé musical envoûtant – un phrasé qui semble aussi fascinant que les désirs retenus et insatisfaits décrits par Springsteen : « Vous seul pouvez calmer mon désir / Oh, oh, oh, je suis en feu. » De nombreux autres musiciens se sont également connectés à « I'm On Fire », ce qui a donné lieu à de nombreuses reprises audacieuses et ennuyeuses.

Sur le plan pratique de l'écriture de chansons, « I'm On Fire » était la dernière chanson que Springsteen a écrite pour la première face de son album de 1984, « Born in the USA ». Il avait déjà écrit les paroles, et la chanson a été créée après avoir écouté une partie de la musique de Johnny Cash. Plutôt que d'utiliser l'ensemble du E Street Band pour l'enregistrement, Springsteen n'a utilisé que lui-même, le batteur Max Weinberg et le pianiste Roy Bittan pour enregistrer ses sentiments profondément évocateurs, rêveurs mais intenses.

The Sisters of Mercy était un groupe moins connu qui a joué un rôle essentiel dans la naissance du mouvement gothique, reliant le post-punk avec des boîtes à rythmes et des groupes sombres alimentés par des synthés comme Nine Inch Nails, et qui satisfait la famille pop-rock The Cure. Notre choix ? « Marian », extrait de leur premier album de 1985, « First and Last and Always ».

« Marian » est l'une des chansons les plus captivantes du catalogue de Sisters of Mercy, débordant de paroles lyriques byroniennes, d'un paysage sonore épais et sombre, d'une histoire fantaisiste mais terrible sur un mec se noyant à portée de main d'une sirène océanique, le tout livré par le puissant baryton et boîte à rythmes du chanteur Andrew Eldritch, Doktor Avalanche. Gothique, ça fait beaucoup ? Et même si le même 2-4 caisse claire frappe tout au long de la chanson, la superposition de l'instrumentation de « Marian » et des mini-vignettes – flottantes mais en cascade – en particulier le motif de grattement aigu au son de mandoline, le gardent infiniment intéressant à l'oreille.

Contrairement aux autres chansons de cette liste, « Marian » et ses origines musicales restent entourées de mystère. Les spéculations parmi les fandoms en ligne sur des sites comme Reddit associent le nom de la chanson à une chanson de Leonard Cohen, « So Long, Marianne ». Et en effet, Sisters of Mercy tire son nom d'une chanson de Cohen et du même album que « So Long, Marianne », « Songs of Leonard Cohen » de 1968. Même si cette époque de Cohen n’était pas vraiment gothique, contrairement aux sombres réflexions de chansons ultérieures comme « Avalanche » de 1971, Eldritch ne se soucie pas du label gothique, de toute façon.

Est-il même possible de parler de Prince sans recourir à des hyperboles massives ? Mélangeant funk, soul, pop, guitares déchiquetées, multi-instrumentalisme et albums autoproduits avec une présence scénique inégalée et imposante et une maîtrise créative qui correspondait réellement à sa portée, Prince était vraiment un artiste unique en son genre. Mais même si la seule chanson des années 80 que Prince avait écrite au cours de sa carrière de plusieurs décennies était « Purple Rain » de 1984, ou si « Purple Rain » avait été un succès unique d'un autre artiste, elle mériterait toujours d'être jouée encore et encore.

La sonnerie de « Purple Rain », le refrain chantable, le solo emblématique suivi du fausset stellaire de Prince, puis l'outro langoureuse et symphonique, élèvent « Purple Rain » d'une simple chanson sur un disque à un véritable voyage musical. La chanson était même accompagnée de son propre film, « Purple Rain », une version fictive de l'histoire de la vie de Prince qu'il a présentée à Warner Brothers et qui a contribué à faire monter en flèche l'album de The Purple One de 1984, « Purple Rain », dans la stratosphère. Et bien sûr, qui pourrait oublier la performance époustouflante de Prince au Super Bowl 2007, où il a joué « Purple Rain » sous la pluie sans se faire électrocuter ?

Les gens ne s'en rendent peut-être pas compte, mais « Purple Rain » a commencé comme une collaboration entre Prince et Stevie Nicks. Nicks a initialement contacté Prince après que « Little Red Corvette » l'ait inspirée à écrire « Stand Back », et Prince lui a donné une démo de « Purple Rain » pour écrire les paroles. Cependant, elle s'est sentie dépassée par l'ampleur de la chanson et a reculé. Quant à ce que signifie la pluie violette, c'est une combinaison de ciel bleu et de sang rouge, qui ensemble donnent la couleur violette. Comme Prince l'a dit un jour à propos de la signification apocalyptique de la chanson (via American Songwriter), « La pluie violette concerne la fin du monde et le fait d'être avec celui que vous aimez et de laisser votre foi/Dieu vous guider à travers la pluie violette. »