Les baby-boomers, la génération d’Américains nés environ 18 ans après la Seconde Guerre mondiale, étaient devenus majeurs ou déjà jeunes adultes lorsque les années 1970 sont arrivées. Ce fut une époque merveilleuse et explosivement créative pour la musique pop, alors que la soul, le folk, le hard rock et divers autres genres dissidents passionnants émergèrent pour captiver les auditeurs. 1971 a peut-être été la meilleure année de tous les temps pour la musique, mais la décennie entière a donné au monde des airs classiques intemporels et parfaits qui ont marqué la vie des baby-boomers, voire des générations successives.
Mais avec les jams et les chansons de célébration sont venues celles sur la perte amoureuse, les chagrins et les chagrins. Il y avait juste quelque chose dans les années 1970 qui créait un environnement dans lequel les compositeurs étaient capables de créer certaines des chansons les plus tristes et les plus dévastatrices sur le plan émotionnel de tous les temps. Ces mêmes records sont ce qui a aidé les baby-boomers à se vautrer dans leurs sentiments pendant un certain temps et aussi à se rétablir, car au moins quelqu'un a compris ce qu'ils traversaient. Voici les chansons de rupture les plus percutantes des années 1970 – celles qui pourraient bien provoquer un flot de souvenirs désagréables pour les baby-boomers.
Il n'y a pas de soleil – Bill Withers
Parfois, après une rupture amoureuse particulièrement difficile, la seule chose à faire est de ressentir ses sentiments, de s'asseoir ou de s'allonger et de se lamenter sur son sort dans la vie. Les choses peuvent sembler sombres et dévorantes simplement parce que l'amour supposé de la vie s'est levé et est parti, et Bill Withers l'a compris lorsqu'il a écrit et enregistré l'apitoiement sur lui-même « Ain't No Sunshine ».
La chanson a atteint la troisième place à l'automne 1971 et a remporté un Grammy Award pour la meilleure chanson R&B. Cela a fait partie du tissu culturel pendant des mois et a peut-être aidé les auditeurs à voir la lumière au bout du tunnel proverbial, et que la guérison est possible si l'on réalise qu'ils sont mieux seuls.
Withers s'est inspiré du drame de 1962 « Days of Wine and Roses », avec Lee Remick et Jack Lemmon. « Ils étaient tous deux alcooliques, tour à tour faibles et forts. C'est comme revenir pendant quelques secondes sur de la mort-aux-rats », a déclaré Withers à Songfacts dans une interview exclusive. « Parfois, vous manquez des choses qui n'étaient pas particulièrement bonnes pour vous. »
Glissement de terrain – Fleetwood Mac
Stevie Nicks est adorée par ses fans pour ses chansons ouvertes et honnêtes sur un certain nombre de sujets, dont l'amour et ses complications. Son travail solo et ses chansons écrites et interprétées avec Fleetwood Mac sont des baumes émotionnels pour les baby-boomers et leurs descendants. L'album « Rumours » de Fleetwood Mac, sorti en 1977, parle presque entièrement de la fin des relations – la plupart des membres traversaient des ruptures avec d'autres membres du groupe. Deux ans plus tôt, l'album éponyme Fleetwood Mac fournissait un essai à sec pour ce modèle.
Avant que Nicks et sa partenaire romantique et musicale Lindsey Buckingham ne rejoignent Fleetwood Mac, ils formaient le duo Buckingham Nicks, qui a sorti un album en 1973 avant d'être abandonné par le label. Cela a mis du stress et des tensions dans la relation, et la situation a contribué à inspirer une chanson lors d'une visite au Colorado.
« J'étais dans le salon de quelqu'un, regardant les montagnes enneigées et réfléchissant à ce que je devais faire de ma vie. Dois-je simplement retourner à l'école ou devrais-je poursuivre une carrière musicale avec Lindsey ? » Nicks a écrit dans les notes de pochette de « Crystal Visions: The Very Best of Stevie Nicks ». « J'étais assis à regarder les montagnes Rocheuses, réfléchissant à l'avalanche de tout ce qui avait commencé à s'abattre sur nous. » Après avoir fait équipe avec Fleetwood Mac et enregistré « Landslide », une chanson sur le processus de prise de décision qui mène à une rupture, Nicks a finalement décidé de rester avec Buckingham – du moins pour le moment.
L'amour fait mal – Nazareth
Dans les années 1970, de nombreux groupes de hard et de heavy rock ont pu montrer qu'ils avaient un côté sensible en enregistrant un nouveau genre de chanson connue sous le nom de power ballad. Conçues pour arracher autant d'émotions que possible aux auditeurs, les ballades puissantes combinaient de gros sons de guitare et de batterie avec des voix chantées par des légendes du rock avec force et volume afin que tous ceux qui écoutaient à l'autoradio, au casque, ou au bal de l'école, sachent exactement ce qu'ils ressentaient. Sur « Love Hurts », le chanteur de Nazareth, Dan McCafferty, a vraiment vendu la douleur émotionnelle, ce qui explique probablement pourquoi la chanson est devenue une chanson de rupture incontournable.
La reprise d’une chanson largement oubliée des Everly Brothers du début des années 60 était un succès improbable. Au moment de la sortie de « Love Hurts », Nazareth était surtout connu en Europe et comme fournisseur de hard rock extra-granuleux. Les baby-boomers ont tenté leur chance sur le pivot de Nazareth et ont découvert que la chanson apportait explication et empathie pendant les périodes de difficultés amoureuses. De nombreux jeunes Américains au cœur brisé étaient d’accord avec le sentiment principal de la chanson selon lequel « Love Hurts » a atteint le Top 10 à la fin de 1975.
Il est trop tard – Carole King
Les auteurs-compositeurs-interprètes des années 1970 menaient souvent avec émotion, et Carole King, une icône de l'écriture sincère, a sorti l'album « Tapestry » en 1971. Longtemps l'une des auteurs à succès les plus fiables de l'industrie musicale, King a conservé ses œuvres les plus introspectives et les plus sincères pour « Tapestry », comme le premier single « It's Too Late ». doux-amer et inébranlable alors que la narratrice s'avoue qu'une romance est terminée. Pire encore, ils admettent à eux-mêmes et à leur partenaire que la relation est tragiquement mais manifestement irréparable – qu'il est trop tard pour changer. Ce sont des vérités dures, mais aussi réalistes, prononcées par un auteur-compositeur mature qui a vécu une certaine vie et beaucoup de douleur.
Le point de vue de King était si authentique que « It's Too Late » est arrivé en tête des charts pop, s'est vendu à un million d'exemplaires et a propulsé « Tapestry » au rang de blockbusters. L'album est resté dans les charts pendant 302 semaines, contribuant ainsi à consoler les largués pendant près de six ans.
Elle est partie – Daryl Hall et John Oates
Avant d'enregistrer quoi que ce soit, Daryl Hall et John Oates étaient colocataires et membres d'un groupe. Mal à l'aise après s'être fait poser un lapin pour un rendez-vous le soir du Nouvel An, Oates a joué une mélodie de refrain sur une guitare acoustique. Quelques jours plus tard, Hall revint à l'appartement. « Il avait lui-même vécu une rupture. Alors, lui et moi nous sommes assis et nous avons en quelque sorte mis en commun nos tristes ressources, pour ainsi dire », a déclaré Oates à American Songwriter. « Nous avons juste rassemblé mon refrain et son couplet. Nous avons choisi des paroles très, un peu, vous savez, poétiques mais simples pour le couplet qui incarnaient vraiment d'une manière ou d'une autre la perte. »
Cette chanson est devenue « She's Gone », et ce qui est peu connu à propos de Hall and Oates, c'est qu'il s'agissait du tout premier single du duo rock-soul. Sorti en 1974, il n'est entré dans le Top 10 qu'en 1976. Il n'a pu s'empêcher de trouver un écho auprès des auditeurs qui avaient eu le cœur brisé ou qui étaient au milieu d'une terrible rupture. Avec des couplets calmes qui se transforment en lamentations, des refrains plaintifs et une quasi-dépression émotionnelle de Hall sur le pont, « She's Gone » est aussi franc avec émotion que le titre l'est par rapport à son sujet. C'est une chanson sur un individu réalisant enfin que sa relation est terminée.
