Chansons flop des années 60 qui se sont transformées en succès retentissants

Les années 1960 ont été la décennie où l’idée selon laquelle les groupes écrivent et interprètent leur propre matériel a vraiment commencé à prendre une vie propre. Avant cela, la majorité des interprètes étaient des chanteurs et des musiciens qui interprétaient le travail d’auteurs-compositeurs dévoués ; il y avait peu d'attentes ou d'appétit de la part du public qui écoutait pour les artistes qui écrivaient et interprétaient leurs propres morceaux.

Bien que les années 1950 aient vu des artistes comme Chuck Berry et Buddy Holly composer et jouer, un changement radical s'est produit avec l'arrivée de la Beatlemania et la prise de conscience que le groupe, en plus d'être composé de quatre garçons charmants qui étaient des showmen pop et rock exceptionnellement bien entraînés, était, avec John Lennon et Paul McCartney, le foyer de l'un des plus grands partenariats d'écriture de chansons de l'histoire de la musique. Bien que les Fab Four n'aient certainement pas été le premier groupe à présenter ses propres auteurs-compositeurs, le concept d'authenticité et de crédibilité artistique attaché à l'écriture de son propre matériel est certainement devenu beaucoup plus répandu après que de tels actes soient devenus célèbres.

Cependant, les chansons ont continué à changer de mains tout au long de la décennie, avec des sorties qui n'ont pas fait grand bruit devenant plus tard un succès commercial pour d'autres artistes. Voici cinq flops des années 1960 qui ont retrouvé une nouvelle vie grâce à des reprises réussies.

Bien que les Beatles finissent par devenir un groupe qui interprétait exclusivement du matériel original, au début en tant qu'acteur live et au début de leur carrière d'enregistrement, les Fab Four étaient principalement des interprètes des chansons d'autres personnes. La plus réussie de toutes les reprises du groupe est sans doute « Twist and Shout », sortie en 1963 alors que son étoile montait des deux côtés de l'Atlantique.

La chanson, écrite par Phil Medley et Bert Russell, a été enregistrée pour la première fois par le groupe peu connu The Top Notes, dont la version de 1961 n'a réussi à obtenir aucun succès commercial. Produit par Phil Spector, l'original est un single R&B à tendance latine qui ne ressemble guère au rocker aérien qu'il deviendrait avec les Beatles. La chanson est assez agréable, mais à l'écouter maintenant, il n'y a rien de remarquable à part peut-être la puissance de la voix principale par rapport au point culminant de la chanson. L'année suivante, une autre version des Isley Brothers s'est avérée être un succès dans le Top 20, avec la structure d'appel et de réponse de la chanson tout aussi contagieuse que les versions qui suivraient.

Mais rien n’est comparable à la reprise fulgurante et dansante des Beatles. La chanson avait été bien répétée par le groupe, qui la jouait souvent lors de leurs résidences d'avant-célébrité dans les clubs de Hambourg, ce qui explique l'étroitesse de l'enregistrement, l'une des deux seules prises que le groupe a faites de la chanson. « Twist and Shout » a été enregistré à la fin d'une session d'enregistrement marathon de 12 heures pour le premier album britannique des Beatles  » Please Please Me « , et la voix de Lennon était au point de rupture en raison des exigences du chant et d'un rhume. C'était un heureux accident, mais c'est peut-être l'aspect le plus mémorable de la chanson, avec la voix rauque de John Lennon qui confère à la chanson une nouvelle crudité qui manque aux versions précédentes.

La version la plus connue de « Tainted Love », du duo pop britannique Soft Cell, est sortie en 1981 et est devenue un énorme succès international, en tête des charts au Royaume-Uni et en se hissant au 8e rang du Billboard Hot 100, y restant pendant 43 semaines. La chanson reste un favori du dancefloor, avec un attrait croisé parmi les fans de pop et de new wave, sa voix séduisante et ses lignes de synthé ultra-80 sont toutes deux particulièrement mémorables.

L'original, cependant, était un numéro plus obscur de la chanteuse soul Gloria Jones, dont la version entraînante de 1964 de la chanson, écrite par Ed Cobb, était une face B qui a coulé sans laisser de trace lors de sa sortie initiale. Avec des coups de basse et de cuivres accrocheurs que Soft Cell transposera plus tard en synthé pour leur hit de 1981, Glen Campbell fournissant des sons de guitare chauds, ainsi qu'une performance vocale ludique de Jones, la version originale méritait bien plus d'attention qu'elle n'en recevait. Heureusement, il a fini par l'obtenir, grâce à sa redécouverte par les DJ de la scène Northern Soul britannique qui ont fait de ce numéro à tempo élevé un élément de remplissage pour les pistes de danse au début des années 1970.

Fleetwood Mac était peut-être un géant du rock à la fin des années 1970 – époque à laquelle l’album classique « Rumours » avait catapulté le groupe au rang de mégastar – mais ses années passées à travailler dur dans l’industrie au cours des années 1960 étaient bien plus inégales. À l’époque, le groupe britannique foulait les planches comme un groupe de blues-rock assez simple, comme en témoigne son single « Black Magic Woman » de 1968. Écrit par le guitariste Peter Green, cet original est un hymne expressif aux charmes irrésistibles d'une femme, et aurait été inspiré par la petite amie de Green à l'époque, le mannequin Sandra Elsdon.

« Black Magic Woman » de Fleetwood Mac sonne toujours frais et nerveux et figure sur plusieurs des plus grands succès du groupe, même si au moment de sa sortie, il n'a culminé qu'à la 37e place au Royaume-Uni et a eu peu d'impact ailleurs. Mais la chanson allait connaître une seconde vie en 1970, lorsqu'une nouvelle version de celle-ci fut enregistrée par le groupe de rock latin et légende de Woodstock, Santana. Infusant la chanson de blues avec des segments de « Gypsy Queen » du guitariste de jazz hongrois Gábor Szabó, transformant complètement la chanson en un jam psychédélique bruyant qui a percé le Top 5 du Billboard Hot 100 et est devenu l'un des enregistrements signature de Santana.

Le record Billboard de Neil Diamond parle de lui-même. L'auteur-compositeur-interprète surtout connu pour ses méga hits « Song Sung Blue », « Cracklin' Rosie » et « Sweet Caroline » a eu un total de 53 chansons sur le Billboard Hot 100. La plus grande partie de son succès dans les charts arriverait au début des années 1970, lorsqu'il figurait fréquemment dans le Top 10, tandis que la plupart des singles qu'il a sortis dans les années 1960 languissaient en dehors du Top 50.

L'une d'elles était « Red, Red Wine », qui n'est restée que trois semaines dans les charts en 1968, culminant à la 62e place. Une chanson assez douce, elle est décidément banale, mais a néanmoins servi de base à une reprise de reggae à succès l'année suivante par Tony Tribe pour Trojan Records, qui a été classée au Royaume-Uni. C'est cette version qui a attiré l'attention du groupe de reggae britannique UB40, qui a décidé de sortir une reprise de la chanson en 1983. Selon la légende, UB40 n'avait aucune idée que Diamond lui-même avait sorti l'original, en supposant que la chanson avait toujours été un numéro de reggae (en fait, ils avaient supposé que le « N. Diamond » indiqué sur le disque était un auteur-compositeur jamaïcain nommé Negus Diamond).

La version de « Red, Red Wine » de Tony Tribe introduit beaucoup de rebond dans l'original de Diamond, qui est moins prononcé dans le classique UB40 plus doux et à plus gros budget. Leur version s’est avérée intemporelle ; après avoir dominé les charts britanniques en 1983, il a atteint la première place du Billboard Hot 100 en 1988 après que le groupe l'ait interprété lors des célébrations de l'anniversaire de Nelson Mandela cette année-là.

Initialement écrit par l'auteur-compositeur et arrangeur de Philadelphie Jerry Ragovoy en 1963, « Time Is On My Side » a commencé sa vie comme un simple morceau infusé de gospel pour mettre en valeur les talents du tromboniste de jazz Kai Winding. Avec le refrain désormais emblématique chanté par un trio gospel composé des sœurs Dee-Dee et Dionne Warwick, ainsi que de Cissy Houston, la chanson est dominée par les mélodies de Winding, mais a toujours la qualité de ver d'oreille qui en fera plus tard un succès.

La chanson a été enregistrée à nouveau en 1964 par la chanteuse soul Irma Thomas, avec de nouveaux refrains comportant des paroles écrites en studio par le chanteur de session Jimmy Norman qui ont transformé l'original par ailleurs tranquillement optimiste en une chanson de défi d'un amant éconduit. Bien que pleinement étoffée et dotée d'un potentiel pop évident, la chanson a été reléguée sur la face B du single de Thomas « Anyone Who Knows What Love Is (will Understand) » qui n'a grimpé que jusqu'à la 52e place du Billboard Hot 100.

La version la plus célèbre de « Time Is On My Side » a été enregistrée par les Rolling Stones plus tard la même année. La chanson était plus lente que la plupart des rockers uptempo pour lesquels le groupe allait devenir connu, mais elle s'appuyait sur le succès de « Tell Me », qui avait été enregistré plus tôt cette année-là, pour consolider les Stones en tant que ballades vendables. « Time Is On My Side » s'est avéré être leur plus gros succès américain à ce jour après sa sortie, culminant à la 6e place en décembre.