Hit des chansons des années 70 avec les pires voix

Beaucoup se souviennent des années 1970 comme d’une décennie au cours de laquelle des groupes de rock révolutionnaires et d’autres musiciens ont sorti certains de leurs meilleurs morceaux, notamment Queen, David Bowie, Marvin Gaye et Gloria Gaynor, mais il existe ici un véritable biais de sélection. Bien sûr, nous nous souvenons du meilleur des meilleurs au fil des décennies, mais pouvons-nous vraiment affirmer qu'un album fondateur comme « Rumours » de Fleetwood Mac est vraiment représentatif d'une décennie entière ? Non. Il s’avère que la vaste scène musicale des années 70 contenait de nombreux vrais puants. Même si nous nous concentrons uniquement sur les pistes vocales, et même si nous réduisons davantage ce champ aux succès confirmés, il y a un assortiment de flops, de ratés et de bévues à commettre.

En ce qui concerne les « pires voix », il existe ici quelques catégories qui ont éclairé notre sélection. L’une d’elles est plutôt évidente : tout simplement un mauvais chant. Quelques-unes de ces chansons peuvent certainement mériter leur place ignominieuse ici, mais il existe une autre variété qui mérite également d'être discutée. Ce serait le morceau des années 70 montrant une capacité de chant passable, voire bonne, mais avec des choix lyriques ou stylistiques si étranges et rebutants que le chant bascule trop facilement dans le « pire » territoire. Bien qu'il y ait matière à débat, les morceaux qui suivent sont largement considérés comme mettant en valeur certaines des pires voix des chansons à succès des années 70.

Cela surprendra peut-être certains, mais une histoire de soft rock mettant en scène un couple de rats musqués établissant une connexion n'est pas vraiment devenue un classique. Marquons celui-ci comme un raté pour les artistes contemporains adultes Captain & Tennille. D'accord, la voix de Toni Tennille est plutôt agréable, même si elle est un peu trop parfaitement adaptée à la musique d'ascenseur, mais le contenu lyrique de « Muskrat Love » est si étrange et carrément rebutant que même sa capacité à chanter ne peut pas le sauver. Oh, et il y a aussi la tentative du synthétiseur de produire des bruits de rat musqué – devrions-nous également les considérer comme des voix ? – cela contribue encore davantage à ce gâchis maladroit d’une mélodie.

La chanson a une histoire relativement longue, puisqu'elle a été écrite pour la première fois en 1972. Captain & Tennille n'ont mis la main dessus qu'en 1976, puis l'ont transformée en une histoire ignominieuse de la chanson pop peu de temps après. Pourtant, leur vision a été étrangement un succès, atteignant la quatrième place du Billboard Hot 100 lors de ses débuts. En effet, c'était suffisamment populaire pour que l'administration Ford invite Captain & Tennille à se produire à la Maison Blanche… en l'honneur du bicentenaire de la nation… devant la reine Elizabeth II. « Je pensais qu'ils semblaient être un groupe amusant ! » Tennille a déclaré à People en 2016, justifiant en outre la set list de l'événement en soulignant que « Muskrat Love » était en effet un succès. Elle a rappelé qu'Henry Kissinger semblait assez décontenancé par la performance (peut-être parce que le volume était élevé ou qu'il réfléchissait à son controversé prix Nobel de la paix) tandis qu'Elizabeth elle-même faisait une petite sieste.

Oui, vous avez peut-être déjà entendu parler de « Convoy » et l'avez utilisé pour un certain nombre de parodies, mais il s'avère que la chanson originale est elle-même une parodie de chansons fantaisie, de camionneurs, d'Amérique centrale et… de publicités pour le pain ? Bizarrement populaire pendant une minute là-bas, c'est un mélange étrange du genre de chant-parler que Johnny Cash a très bien fait… mais le chanteur CW McCall ne le fait certainement pas. Ce style rend les interjections d’un chœur plein d’entrain d’autant plus étranges.

En plus de vendre l'image de camionneurs rebelles qui s'en prennent à l'homme, « Convoy » vendait aussi l'image d'un chanteur qui n'existait pas. Vous voyez, CW McCall était un personnage créé et chanté par Bill Fries, responsable du marketing d'Omaha ; une version antérieure de CW McCall était en effet utilisée pour vendre du pain. Nous sommes sûrs que Fries est une personne assez gentille, mais ce n'est pas un chanteur, étant donné qu'il parle simplement de l'affaire de manière rythmée.

C'est peut-être pour cela que la chanson s'appuie autant sur le jargon de la radio CB, comme cette phrase courante 10-4, et sur le chœur agressivement joyeux. Quoi qu'il en soit, le film était suffisamment populaire pour que CW McCall revienne à nouveau avec « Le tour du monde avec le canard en caoutchouc » de 1976, qui voit le tristement célèbre convoi traverser l'Atlantique, s'écraser sur le mur de Berlin et se montrer très offensant au Japon. Comme l'a soutenu un critique du Kingston Whig-Standard, CW McCall « a beaucoup de courage et ses albums sont cohérents : toujours médiocres, bien sûr ».

Compte tenu du contenu, il est étrange de voir à quel point « Afternoon Delight » parvient toujours à être totalement anodin. C'est peut-être parce que, malgré toutes ses paroles chargées d'insinuations, il a en fait été inspiré par un plat de crevettes farcies que le chanteur et écrivain Bill Danoff a mangé. Après l'avoir avalé, Danoff s'est opposé au fait que le menu le considérait comme un « délice de l'après-midi », comme l'expliquait son épouse de l'époque, Kathy « Taffy » Danoff, à un public à l'époque, et la chanson en a résulté d'une manière ou d'une autre.

D'autres ont rapporté qu'ils ont d'abord pensé que la mélodie était une sorte de jingle sur des collations ou des desserts, ou peut-être une boisson concurrente montante de Sunny Delight, s'adressant davantage au son étrangement castré du quatuor Starland Vocal Band. À d'autres occasions, Bill Danoff a également affirmé qu'il voulait écrire une chanson amusante et effrontée qui n'était pas franchement torride. Pourtant, cette hésitation ruine « Afternoon Delight », qui n'arrive pas vraiment à décider de quoi il s'agit. Une chanson libre et impertinente inspirée de l'amour ? Un jingle commercial ? De la musique dans les ascenseurs ?

Même s’il s’agissait certes d’un succès – Starland Vocal Band fait également partie des groupes qui ont remporté le Grammy du meilleur nouvel artiste avant de disparaître rapidement – ​​de nombreux critiques l’ont depuis ridiculisé en le qualifiant de fromage absolu, avec des paroles répétitives et un chant techniquement correct mais finalement fade. On ne peut s'empêcher de penser que, sous la responsabilité de quelqu'un d'autre, un peu plus de mordant vocal aurait pu en faire une facette intéressante de la culture musicale des années 1970, au lieu d'une blague sur « Arrested Development » et « Anchorman ».

D'accord, étant donné que « Disco Duck » a été enregistré par Rick Dees et His Cast of Idiots, il est clair que personne ne prenait vraiment ce morceau au sérieux. Mais, même si un morceau est conçu comme une chanson de nouveauté, cela ne veut pas dire qu'il est totalement décroché, surtout s'il vous rend absolument fou et sape l'histoire parfois cool, parfois foirée du genre disco.

C'est sûrement le cas pour « Disco Duck » de 1976, dont l'origine est l'auteur-compositeur et DJ réel Rick Dees, qui a été inspiré par un gars de sa salle de sport qui faisait une voix de canard farfelue. Il a d'abord été enregistré pour un petit label de Memphis, mais « Disco Duck » a décollé et a commencé à être diffusé à l'échelle nationale. Enfin, sauf à Memphis, où cela était considéré comme une concurrence et où Dees a même été renvoyé d'une station.

Bien que l'histoire personnelle de Dees semble s'être bien déroulée – il est toujours un DJ radio actif aujourd'hui et il inclut fièrement une page sur « Disco Duck » sur son site Web – il est plus difficile de dire que le morceau est agréable. Toute cette histoire de voix de canard rappelle ce gars du bureau qui se prend pour un comédien, mais qui ne peut en réalité faire qu'un peu, encore et encore. Les paroles dans lesquelles il décrit sa transformation en une sorte d'homme disco aviaire sont troublantes (tout comme les performances dans lesquelles quelqu'un portant un masque de canard en papier mâché avec une expression effrayante se traîne à côté de Dee).

Bien sûr, on ne peut nier que « Feelings » de Morris Albert a été un véritable succès qui a atterri à la deuxième place du palmarès Billboard Adult Contemporary en août 1975. Il a également été certifié disque d'or aux États-Unis plus tard cette année-là. Mais la chanson est aussi si douloureusement sucrée que vous pourriez vous sentir en colère. Il chante sur une sorte d'amour perdu, d'accord, mais bientôt vous pourriez commencer à vous demander si Morris avait plutôt l'intention de vous torturer, un peu comme si vous étiez coincé avec un ami après une rupture dans un espace clos qui pourrait vraiment, vraiment utiliser un nouveau passe-temps pour sortir d'un funk nombriliste.

Vous pourriez penser que la voix d'Albert est correcte, mais la façon dont elle est déployée ici est si vaporeuse et larmoyante que le style sabote le tout (les cordes tremblantes et le support du piano long n'aident pas vraiment). Ensuite, il y a les paroles répétitives et vagues. La millionième fois que vous entendrez Albert gazouiller « whoa-oh-oh, sentiments », vous souhaiterez peut-être nier complètement le concept de sentiments humains.

Cela a suscité une émotion encore plus vive, car « Feelings » a fait l'objet d'une affaire intentée par l'auteur-compositeur français Louis Gasté, qui a soutenu devant le tribunal qu'Albert avait essentiellement arraché sa chanson de 1956, « Pour Toi ». Gasté a connu du succès et a été répertorié comme co-auteur de la chanson par la suite, mais étant donné les critiques cinglantes de la chanson – qui se sont poursuivies jusque dans les années 90 et au-delà – il n'aurait peut-être pas dû être trop fier de cet accomplissement.