5 chansons de 1977 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

À bien des égards, 1977 a été une année charnière pour la musique rock. Alors que « Saturday Night Fever » apportait le disco au grand public, Rod Stewart, les Eagles et Fleetwood Mac portaient les ondes ; des piliers du hard rock comme Led Zeppelin, AC/DC et Ted Nugent ont rempli les arènes ; et les expérimentateurs psychédéliques et progressifs tels que Genesis et Pink Floyd sont devenus plus étranges et meilleurs. C'est l'année où le punk et la new wave ont fait leur apparition au CBGB, et l'anti-hymne des Sex Pistols, « God Save the Queen », a été interdit sur la BBC. Pour le rock – et la musique pop en général – 1977 semble être le moment où l'ombre des années 60 s'est véritablement éloignée et où les tendances à venir se sont mises en évidence.

La fin des années 70 a été une période particulièrement dynamique pour les singles et les albums rock. Une génération de musiciens élevés grâce aux Beatles a apporté de nouveaux sons et a poussé les groupes établis à évoluer. Bien que tous les millésimes de 1977 ne résistent pas à l'épreuve du temps, certaines chansons sont vraiment comme le vin ; ils se sont améliorés au cours des 50 dernières années, sonnant encore plus cool aujourd'hui qu'à l'époque. Cette année-là, il y avait tellement de versions révolutionnaires parmi lesquelles choisir, et ce qui est cool est subjectif. En tant que tel, nous avons visé une liste sonore très large et avons examiné à quel point chaque chanson a eu un impact sur la musique depuis lors et continue d'influencer les musiciens aujourd'hui. Dans cette très courte liste, nous avons recherché des chansons qui durent : des chansons qui ne se contentent pas de tenir le coup, mais qui font preuve d'invention et de vision.

Il ne fait aucun doute que Fleetwood Mac avait consolidé sa position de géant du pop rock en 1977. Son album éponyme de 1975 – le premier avec le line-up classique de Mick Fleetwood, Christine McVie, John McVie, Lindsey Buckingham et Stevie Nicks – a dominé les charts américains et l'a propulsé vers la gloire. Et avec « Dreams », le deuxième single de sa suite emblématique « Rumours », Fleetwood Mac a franchi une nouvelle étape : son premier et unique numéro 1 du Billboard américain. Personnellement, ce fut une période difficile – entre autres scissions au sein du groupe, Nicks et Buckingham se sont séparés – mais tout cela a conduit à l'or créatif.

Avec son groove entraînant, sa construction pop superposée et ses paroles déchirantes, « Dreams » établit la norme en matière de chansons rock transcendantes et intemporelles sur l'amour. Ayant besoin de faire une pause avec Buckingham et le reste du groupe pendant les sessions d'enregistrement de « Rumours », Nicks se retirait souvent dans un studio séparé. Là, avec l'aide d'une boîte à rythmes et d'un piano, elle a écrit la chanson « en 10 minutes environ » (via Rolling Stone). Elle la considère comme un frère de la ballade de rupture de Buckingham « Go Your Own Way », le premier single de l'album.

Ce qui aide « Dreams » à résister à l'épreuve du temps, c'est qu'il parle d'un point de vue féminin autonome. « Dites aux femmes, elles viendront et elles partiront », chante Nicks à propos des hommes, « Quand la pluie vous lavera, vous le saurez. » Il ne fait aucun doute que vous pouvez retracer l'influence de Nicks sur d'innombrables artistes féminines, de Sheryl Crow à Taylor Swift. Ce qui est encore plus cool, c'est qu'en 2020 et 2025, plus de 40 ans après sa sortie initiale, « Dreams » est revenu au sommet des charts rock Billboard.

Un des premiers habitués du légendaire club CBGB de New York, Television n'a jamais vendu beaucoup de disques mais a laissé un impact évident lors de sa première diffusion de 1974 à 1978. Mettant en vedette la double attaque de guitare de Tom Verlaine et Richard Lloyd, ce groupe art-rock-slash-proto-punk était plus étrange et plus raffiné musicalement que ses pairs plus punk ou pop comme Blondie, les Ramones et même Talking Heads. L'improvisation et l'expérimentation faisaient partie de l'ADN du groupe. Verlaine, par exemple, s'intéressait au free jazz, s'inspirant d'expérimentateurs comme Albert Ayler et Ornette Coleman.

Sorti en février 1977, le premier album de la télévision, « Marquee Moon », a repoussé les limites du genre, élargissant la voie au rock piloté par la guitare. Avec des solos de guitare imbriqués et de longues pauses instrumentales, la chanson titre – une épopée de 10 minutes et demie – est véritablement la pièce maîtresse de l'album. C'est un voyage musical qui rappelle par endroits le psychédélisme ou le prog comme les Grateful Dead ou Pink Floyd, tout en restant singulièrement anguleux, angoissé et irrégulier. Avec Verlaine chantant « La vie dans la ruche a plissé ma nuit / Un baiser de la mort, l'étreinte de la vie », c'est vraiment une chanson qui capture la fraîcheur et le mystère du New York des années 70.

Peu d’albums et de chansons ont eu un plus grand impact sur le rock alternatif et indépendant que « Marquee Moon ». Ses empreintes se retrouvent partout dans le travail de guitare d'innombrables groupes post-punk et indépendants qui ont suivi, comme Joy Division, REM et Sonic Youth. La chanson reste aussi déroutante et belle que le jour de sa sortie.

La fin des années 1970 a vu de nombreux artistes établis s'adapter et évoluer. Au milieu de l'année 1976, David Bowie, en constante évolution – bien au-delà du glam rock qui a défini son époque avec Ziggy Stardust et fatigué des personnages qu'il avait développés depuis – s'est retiré de Los Angeles pour l'Europe. Après avoir enregistré Iggy Pop dans un château du sud de la France, Bowie a fait appel aux musiciens de confiance et producteurs légendaires Brian Eno et Tony Visconti pour enregistrer « Sound and Vision ». Comme le guitariste Carlos Alomar l'a rappelé : « Il nous a isolés pour que nous ne puissions penser qu'à lui et à sa musique. C'était luxueux mais c'était un piège » (via Uncut). Cela donnerait le coup d’envoi à ce que l’on appellerait la trilogie berlinoise. Ce trio d'albums — « Low » et « Heroes » de 1977 ; « Lodger » de 1979 – représenterait un autre sommet créatif dans la riche carrière de Bowie.

Le premier single de « Low », « Sound and Vision », met en avant un album imprégné de jams expérimentaux et de paysages sonores. Anticipant les sons qui allaient dominer la musique new wave (sans parler du rock indépendant), ses grooves anguleux sont drapés de couches luxuriantes de synthétiseur. Ce qui ajoute à l'air frais de la chanson, c'est que, sur cette toile de fond accrocheuse, Bowie a le blues, avec des phrases comme « les stores pâles sont tirés toute la journée / rien à lire, rien à dire ». Inventif mais ciblé, le single « Sound and Vision » a atteint la troisième place au Royaume-Uni, la chanson la plus classée de Bowie depuis « Sorrow » en 1973. Des artistes inspirants comme Trent Reznor de Nine Inch Nails et Robert Smith de the Cure – qui considère « Low » comme le meilleur album jamais réalisé – « Sound and Vision » sonne aussi frais aujourd'hui qu'en 1977.

Mélangeant des influences hard rock, heavy metal et folk, Heart a éclaté en 1976 avec la sortie américaine de « Magic Man » et « Crazy on You » de son premier album studio, « Dreamboat Annie ». Avec la voix puissante d'Ann Wilson en tête, le groupe a sorti un suivi, « Little Queen », en mai 1977. Écrit par Ann et sa sœur et guitariste rythmique Nancy Wilson, le premier single « Barracuda » est une chanson de vengeance : une réponse directe à un commentaire inapproprié d'un promoteur de disques masculin. Comme Nancy l'a dit à American Songwriter, cela « a commencé comme une chanson de type vengeance personnelle, mais plus elle a duré dans le monde… elle est devenue plus universelle parce qu'il y a tellement de fichus barracudas là-bas ».

La phrase d'ouverture de « Barracuda » est un riff de guitare dur et entraînant joué par Roger Fisher, et il ne fait que s'alourdir à partir de là. Bien que cette chanson puisse sembler simple – vous frappant de plein fouet avec son crochet déformé – elle contient des couches complexes et sympas. Fidèle au rock progressif de l'époque (des groupes comme Yes et Genesis), il décale les signatures rythmiques et présente des pauses musicales compliquées, ajoutant à la tension générale. Ce qui rend « Barracuda » emblématique, cependant, c'est qu'il présente une voix puissante qui ouvre la voie à d'innombrables musiciennes de rock. Et avec la mégastar de la pop Chappell Roan qui la reprend lors de ses tournées, les nouvelles générations apprennent ce qui rend cette chanson si spéciale.

Le premier album de Wire, « Pink Flag », se démarque dans une classe de 1977 qui présente une longue liste d'albums punk essentiels, de « Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols » des Sex Pistols à « Rocket to Russia » des Ramones. Comprenant 21 titres étonnants en seulement 36 minutes, l'album a emmené le son punk au bûcher, le rendant plus précis et plus musical. Selon le chanteur et guitariste Colin Newman, « la plupart du punk était bâclé. Je détestais la négligence » (via Magnet). Visant la précision et la rigueur – et influencé par des groupes qui ont ouvert la voie au punk comme le Velvet Underground, les Modern Lovers et des groupes de krautrock comme Can – Wire est devenu un porte-étendard du son post-punk émergent.

« Ex Lion Tamer » est « Pink Flag » dans sa forme la plus accrocheuse et la plus contagieuse. Oscillant entre des couplets plus staccato et des refrains amples, il présente des lignes de guitare qui ne seraient pas déplacées dans une chanson indie rock. Avec Newman répétant le refrain « Restez collé à votre téléviseur », la chanson exprime la solitude d'une manière qui résonne encore des décennies plus tard tout en vous faisant bouger la tête dans le temps. Bien que Wire reste plus obscur que certains de ses pairs punk, son influence sur le post-punk, le rock indépendant et alternatif est indéniable, avec Michael Stipe de REM, Greg Norton de Hüsker Dü et Graham Coxon de The Blur parmi ses admirateurs. Angulaire et colérique, « Ex Lion Tamer » reste électrique et vibrant même à l'approche de ses 50 ans.