Ces 5 chansons intemporelles des années 80 sont encore meilleures a cappella

Dans les années 1980, la musique s’enfilait sur une paire de jambières et sprintait vers le futur au son des synthétiseurs. La décennie a vu les synthés numériques prendre le pas sur l'analogique, la première batterie entièrement électronique, le lancement de MTV et les cassettes dépassant les ventes de vinyle. La décennie a adopté la technologie avec une devise simple : si elle est brillante ou nouvelle, augmentez-la.

L'innovation et la créativité ont donné naissance à d'innombrables succès classiques que nous aimons encore aujourd'hui. Mais parfois, tous ces nouveaux objets brillants cachaient des mélodies fortes, des paroles réfléchies et des voix remarquables. Cela ne veut pas dire que nous n’aimons pas les boîtes à rythmes, les claviers et la réverbération gate. Mais nous sommes curieux de savoir ce qui a pu être enfoui sous ces outils.

Alors, on époussette nos épaulettes et on débranche le synthé pour explorer cinq chansons des années 80 qui sonnent encore mieux a cappella. Du roi de la pop à la femme simplement connue sous le nom de « The Voice » en passant par une chanson synonyme de l'un des films les plus connus de Brat Pack, ces versions pourraient bien vous faire tomber la mousse des cheveux. Parce qu'il s'avère que les années 80 ne concernaient pas seulement ce que vous pouviez brancher, mais aussi ce que vous pouviez écouter.

Simple Minds a failli ne pas faire « Don't You (Forget About Me) ». Lorsqu'on lui a demandé de l'enregistrer pour « The Breakfast Club », le groupe a trouvé que la chanson sonnait un peu meh. Mais le groupe a fini par tenter le coup, en renforçant l'intro avec des accords imposants que le guitariste Charlie Burchill a décrit plus tard au Guardian comme « presque une caricature ». Le chanteur Jim Kerr a inséré « la la la la » comme espace réservé, prévoyant d'échanger de vraies paroles le lendemain. Ils ont choisi de s'en tenir au « la la la la ». Kerr n'était pas convaincu que cela fonctionnerait, mais d'une manière ou d'une autre, ces syllabes absurdes sont devenues l'un des outros les plus mémorables de la pop.

Mais soyons honnêtes : notre amour pour cette chanson est lié à cet arrêt sur image du poing en l'air de Judd Nelson. Ce n'est pas seulement une chanson, c'est « The Breakfast Club ». Même le groupe le sait et ses membres sont reconnaissants pour ce que la chanson a apporté à leur carrière, même si Kerr admet que ce n'est pas son morceau préféré de Simple Minds. Musicalement, ça va. L'arrière-plan s'estompe facilement, mais vous vous souvenez du refrain. Et c'est exactement pourquoi la chanson brille a cappella, depuis les Bellas qui l'interprètent dans « Pitch Perfect » jusqu'au VoicePlay réel qui la chante sur « The Sing-Off » de NBC.

Avec a cappella, se pencher sur le « la la la la » correspond parfaitement à la chanson. Et lorsque vous supprimez l’arrière-plan fonctionnel à la limite du fastidieux, le cœur de la chanson ressort. Ce qui ressemblait autrefois à une déclaration définitive : n'osez pas m'oublier ! – ressemble maintenant à la vraie peur d'être oublié.

L'équipe de Whitney Houston était délibérée avec « I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me) ». Ils n'essayaient pas seulement de créer une chanson à succès, ils voulaient également prouver que Houston pouvait dominer la pop uptempo. Son premier album reposait largement sur les ballades, mais il était désormais temps de danser. Les producteurs sont venus à « I Wanna Dance with Somebody » avec de nouvelles boîtes à rythmes, des synthés innovants et tous les trucs brillants des années 80. Cela a fonctionné. La chanson était chargée, brillante et faisait sensation sur le Billboard.

Mais enlevez les synthés et les rythmes palpitants, et vous trouvez quelque chose de bien plus vulnérable. Du coup, ce n’est plus une invitation à une fête, c’est un aveu. Imaginez maintenant si l’une des plus grandes voix ait jamais prononcé cette confession. Heureusement, nous n'avons pas besoin de l'imaginer : Houston elle-même a créé une version a cappella brute et magnifique. Avec seulement sa voix, les paroles frappent bien différemment : « Et quand la nuit tombe, la solitude appelle »… suivie du silence. Pas de rythmes distrayants ni de production lumineuse pour sauver l’ambiance. Juste la solitude qui résonne dans le silence.

Et puis cette voix revient. Sans l'élan musical qui fait avancer les choses, les phrases sur le désir de « ressentir la chaleur avec quelqu'un » cessent de ressembler à des flirts sur la piste de danse. Au lieu de cela, ils ressemblent à une personne qui tend la main, espérant que quelqu'un répondra. Il ne s’agit plus de danser, mais d’un besoin humain universel de connexion. Et quand ça vient d'une voix comme celle de Houston ? Sans machine LinnDrum ou interruptions optimistes du saxophone ? Tout ce que vous pouvez faire, c'est écouter.

« Thriller » était plusieurs choses à la fois : un album à succès, une chanson en tête des charts et l'un des vidéoclips les plus influents jamais diffusés sur les écrans de télévision. Cette vidéo a transformé « Thriller » en un spectacle à part entière, quelque chose à regarder autant qu'à écouter. Avec le scénario cinématographique, la veste rouge emblématique, la chorégraphie de zombies et suffisamment de maquillage pour hanter une génération, la musique elle-même peut presque disparaître au second plan.

Tout cela n’est pas destiné à nuire à la vidéo. C'est juste une reconnaissance de la puissance de la vidéo. Mais l'une des nombreuses histoires intéressantes derrière le clip « Thriller » de Michael Jackson est qu'il s'agit en fait d'une réflexion après coup : le clip n'a été réalisé qu'après que les ventes d'albums ont commencé à se calmer. Avant l’avènement des zombies, « Thriller » n’était qu’une chanson. Et un très bon, en plus.

Bien sûr, une fois qu’on a vu la vidéo, il est difficile de ne pas la voir. Et même sans les visuels, vous entendez toujours des pas effrayants, des portes qui claquent et des hurlements de créatures ressemblant à des loups-garous. Mais lorsque vous entendez « Thriller » sans tous ces effets sonores, le résultat est une masterclass de performance vocale avec la tessiture épique et le vibrato caractéristique de Jackson. Tous ces effets de picotements dans l’original ? Amusant, bien sûr. Mais la voix de Jackson ? C'est de là que viennent les vrais frissons.

Phil Collins et la batterie entretiennent un lien permanent. Il a commencé avec une batterie jouet à l'âge de 5 ans et a ensuite répondu à une annonce dans un journal d'un petit groupe appelé Genesis qui avait besoin d'un batteur. Il est donc logique que le succès de son premier album solo devienne un folklore de percussions. « In the Air Tonight » n'avait pas seulement un remplissage de batterie – il avait le remplissage des années 80. Les versions a cappella sont intéressantes, mais sans cet explosif « ba-DUM, ba-DUM, ba-DUM, DUM-DUM », quelque chose ne va pas. Les percussions corporelles ne suffisent tout simplement pas. Ce n'est même pas prudent d'essayer.

« Contre toute attente (jetez un oeil à moi maintenant) » est construit différemment. Toujours Collins. Toujours incroyable. Mais cette fois, les tambours sont plutôt solidaires que structurels. La tension et la récompense résident dans la mélodie et les paroles, ce qui en fait un instrument idéal pour la magie a cappella. Vous pouvez entendre cela lorsque Phil Collins chante avec le groupe a cappella Straight No Chaser. On se demande comment Collins a jamais été réticent à chanter le rôle principal. Sa voix est une pièce maîtresse parfaite, pliant le rythme avec son phrasé et sa dynamique.

La version a cappella fonctionne si bien qu’elle sabote presque l’original. Revenez à la piste de studio et le piano traité n'est pas seulement distrayant, il est ennuyeux. Cela transperce comme une migraine sous forme musicale. Mais l'arrangement a cappella, c'est comme sortir d'une migraine et entrer dans l'une de ces publicités oniriques pour soulager la douleur, flottant à travers un champ de pâquerettes avec le monde en parfaite harmonie.

Lorsque Leonard Cohen a sorti « Hallelujah » dans les années 1980, cela n'a pas vraiment enflammé les charts. En fait, il a à peine clignoté. Mais comme tout ce qui est véritablement intemporel, il s’améliore avec l’âge. La chanson a pris de l'ampleur lorsque Bob Dylan l'a ajoutée à ses sets live à la fin des années 80. Puis vint la reprise de John Cale au début des années 90, qui inspira Jeff Buckley pour enregistrer une version si chargée d'émotion qu'elle fit probablement pleurer les anges.

Et puis « Shrek » est arrivé. En 2001, « Hallelujah » a atterri sur la bande originale du film, et tout à coup, un ogre émotionnellement détruit marchant dans un marais éclairé par la lune a fait sangloter le monde entier dans son pop-corn. La chanson a finalement reçu l'attention massive qu'elle méritait, grâce à un grand bonhomme vert avec des couches. Maintenant, imaginez cette scène réalisée a cappella. Cette simple larme sur la joue de Shrek serait devenue un cri horrible.

Ce qui rend « Hallelujah » si mûr pour un a cappella, c’est sa simplicité. La mélodie est ouverte et spacieuse, et les paroles invitent même à la conscience musicale avec leur référence aux accords et à la structure. Les versions a cappella dépouillent la chanson jusqu’à ses os émotionnels. L'harmonie et le silence prennent le dessus, vous faisant ressentir la chanson autant que vous l'entendez. Si vous avez besoin d'une preuve, le groupe a cappella Pentatonix, lauréat d'un Grammy Award, interprète l'une des meilleures reprises de « Hallelujah » de Cohen – même le souffle de chaque membre est obsédant lorsqu'il la chante. Religieuse ou non, la version a cappella de « Hallelujah » vous fera croire au pouvoir supérieur de la musique.