5 succès radio des années 70 qui ramèneront les jeunes baby-boomers à leur première voiture

Pour les jeunes aux États-Unis, votre première voiture, ou du moins la première voiture que vous utilisez régulièrement, est une étape majeure vers l’indépendance. Vous contrôlez désormais où vous allez, qui vous emmenez et, surtout, ce que vous écoutez en chemin. Même après l'essor des magnétophones embarqués (et des Betamax !) au milieu des années 1970, l'autoradio était le moyen par lequel de nombreuses personnes dynamisaient leurs lecteurs. Vous pourriez trouver de la nouvelle musique, aller au-delà des quelques cassettes qui vivaient dans votre voiture et exercer un droit de veto sur une chanson trash d'un simple coup de cadran méprisant.

Toutes ces chansons ont passé au moins trois semaines au sommet du Billboard Hot 100 dans les années 1970, une décennie au cours de laquelle les baby-boomers nés au cours des 10 dernières années de la chronologie générationnelle de cette cohorte, d'environ 1955 à 1964, vivaient leurs premières expériences d'indépendance sur la route. Toutes les chansons peuvent encore être entendues de manière crédible dans la voiture aujourd'hui, soit sur une station oldies (désolé, papa), soit sur une playlist. Pas de « trésors perdus », juste des chansons que vous avez absolument entendues dans la voiture pendant des décennies, et (au moins pour la plupart) des chansons que vous entendez dès que vous entendez les premières mesures.

« You're So Vain » de Carly Simon est un regard musical inoubliable. Sorti en 1972, It était une méta avant que la méta ne soit ennuyeuse. Racontée du point de vue d'une femme voyant un vieil amant se précipiter dans une fête après quelques années d'intervalle, la chanson raconte ses réactions face à l'amour désormais désespérément prétentieux de ses années passées. Les piques lyriques de Simon sont impeccables : l'homme entre avec un chapeau placé « stratégiquement » et se regarde immédiatement dans le miroir. L'air, facile à chanter en voiture si l'on ne cherche pas à suivre le refrain jusqu'à l'écho aigu du titre de la chanson, relève presque de la moquerie.

Depuis la sortie de la chanson, les curieux s'interrogent sur l'identité de l'anti-muse qui a tant tâté le jeune, joli, talentueux, élégamment vengeur de Simon. Elle a finalement révélé à People que chaque couplet parle d'un homme vaniteux différent : le deuxième couplet est « pour » Warren Beatty, mais les identités du joli garçon à l'écharpe abricot du premier couplet et du playboy du troisième couplet ne sont pas (encore) confirmées.

En fonction de votre génération, vous êtes probablement soit un père qui a calmement et conversationnellement dit à son fils de « jouer cette musique funky, garçon blanc », soit le fils qui a reçu cette instruction – certaines personnes sont dans la bonne situation pour avoir été les deux. Cette instruction vient, bien sûr, de la chanson de Wild Cherry « Play That Funky Music », une chanson funk-rock sortie en 1976 sur un groupe de rock essayant de s'adapter à la montée du funk. Et pour un produit destiné aux garçons blancs, « Play That Funky Music » est effectivement funky. La ligne de basse impertinente et le rythme caracolant sont parfaits pour de vraies danses ou pour faire trembler les épaules du siège du conducteur, et toute la chanson est ludique sans être stupide.

Selon American Songwriter, le guitariste rythmique de Wild Cherry, Bryan Bassett, a déclaré un jour dans une interview que le groupe jouait un concert dans une discothèque de Pittsburgh lorsque : « Quelqu'un nous a effectivement dit cela – jouer cette musique funky de garçon blanc – insinuant que si nous ne le faisions pas, nous ne travaillerions probablement pas beaucoup plus longtemps. » En tant que groupe de rock dans une scène où le funk et le disco attiraient les foules dans les clubs, ils ont compris la mission et une inspiration est née, même si, certes, une inspiration qui correspondait bien à l'évaluation du leader Rob Parissi sur la façon dont Wild Cherry aurait besoin de pivoter pour réussir dans le paysage musical du milieu à la fin des années 70. Mais cela n’a fonctionné qu’une seule fois ; c'était le seul grand succès de Wild Cherry, mais depuis, cela nous fait tourner la tête dans nos voitures.

Dès la première note de piano de l'introduction, toutes les oreilles gaies de la pièce se réjouissent comme celles d'un terrier, suivies par le reste de la maison lorsque Gloria Gaynor commence « Au début, j'avais peur, j'étais pétrifiée… » « I Will Survive » est un double joyau croisé : un hymne gay célébré presque aussi intensément par des personnes extérieures à la communauté, et une chanson disco sortie en 1978 et toujours très appréciée dans les années 2020. Le tempo élevé-modéré de la chanson est énergique mais suffisamment lent pour permettre une prestation de paroles vraiment passionnées pendant le karaoké, et les pauses occasionnelles avant que Gaynor continue de déguiser son ex-amant sont parfaites pour reprendre son souffle avant de se replonger dans l'un des récits des âges.

Ce n'est pas seulement pour les ruptures amoureuses : le message de la chanson « Ne laissez pas la porte vous frapper dans la croupe en sortant » fonctionne tout aussi bien sur les problèmes de travail, les problèmes de santé littéraux que vous avez l'intention de surmonter, ou tout autre obstacle à vivre la grande et heureuse vie que vous et Gaynor méritez. C'est tout aussi stimulant de chanter dans votre voiture aujourd'hui que lorsque vous profitiez de votre première liberté sur la route.

La popularité de la chanson transcende presque toutes les barrières. Des dizaines d'artistes l'ont couvert, et Ivana Trump, une femme tellement dans son monde qu'elle a déjà commandé du Chablis dans un Taco Bell, aurait pompé la confiture classique de vis à vis lors de son divorce avec Donald, selon CNN. La meilleure musique est vraiment universelle.

L’expression « Ma Sharona » est presque impossible à prononcer simplement. Nous connaissons tous le bégaiement classique du single n°1 de Knack en 1979, au plus profond de notre cerveau avec nos souvenirs les plus élémentaires, avec « 867-5309 » et mille jingles de restauration rapide. La chanson sexy et saccadée s'est hissée dans les charts dès sa sortie, décrochant des ventes record d'or en moins de deux semaines et devenant platine peu de temps après.

Le chanteur principal des Knacks, Doug Feiger, livre les paroles, avec leur répétition presque obsessionnelle de ce nom inhabituel, d'une voix tendue et convaincante : vous pouvez pratiquement voir des petits cœurs dans ses yeux et sa langue sortir. Et bien sûr, Feiger est aussi excité qu'un hot rod face à Sharona, avec des paroles faisant référence à son « faire tourner (son) moteur » et à le faire fonctionner. La plupart d'entre nous ont eu leur propre Sharona (ou deux), même si leurs noms ne correspondaient pas toujours à un mot pop-rock littéralement inoubliable. Si vous aviez la chance d'avoir votre Sharona (Beatrice, Alvin, Georgette, peu importe) avec un fusil de chasse lorsque cette chanson est diffusée, un clin d'œil au bon moment pourrait vous faire gagner des places.

On ne peut pas parler de la radio des années 70 sans les Bee Gees. Les Bee Gees et leurs membres individuels dominaient absolument les ondes à la fin des années 70, lorsque les Américains ne pouvaient tout simplement pas se lasser de trois gars manx-australiens chantant du fausset. Leurs contributions à la bande originale de « Saturday Night Fever » leur ont permis de suivre le succès retentissant de ce film, avec « Stayin' Alive », « Night Fever » et « How Deep Is Your Love » atteignant tous la première place aux États-Unis (au cours de la carrière du groupe, ils ont décroché la première place neuf fois.)

N'importe lequel des six succès des Bee Gees de l'époque pourrait figurer sur cette liste, mais « Stayin' Alive » de 1977 a le facteur « ça » le plus fort. D'autres chansons des Bee Gees sont reconnaissables, mais si vous mentionnez les Bee Gees, quelqu'un dans la pièce fera le refrain « aht aht aht aht » de « Stayin' Alive ». Le rythme pavanant de la chanson et les paroles arrogantes (« Je suis un homme à femmes, pas le temps de parler ») capturent une certaine audace de l'ère disco : l'amour-propre impénitent de la chanson est parfait pour se mettre en colère dans la voiture et se préparer à paoner dans un club. Si le reste des paroles est parfois difficile à analyser à travers le débit inimitable des frères, le refrain et le refrain ont transporté la chanson dans de nombreux cœurs, embouteillages en voiture et encore plus de playlists.