5 chansons rock de 1983 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

1983 a été une année marquée par la musique désormais classique. Au sommet du classement en termes de succès commercial se trouvait le roi de la pop lui-même, Michael Jackson, dont l'album phare de 1982, « Thriller », a produit six singles dans les charts en 1983 et est devenu l'un des disques les plus vendus de tous les temps, consolidant ainsi sa place de légende musicale de tous les temps.

C'est aussi l'année où « la pop est devenue folle », selon Rolling Stone, et la génération MTV a eu droit à l'arrivée d'un grand nombre de nouveaux groupes pop, dont Madonna et Cyndi Lauper, et de morceaux croisés de genres comme le hip-hop grâce à des groupes tels que Run-DMC. 1983 a vu ce que les critiques ont décrit comme la deuxième invasion britannique, lorsque des groupes tels que Police, Duran Duran et Culture Club ont traversé l'Atlantique et sont devenus des incontournables des charts MTV et Billboard.

Et lorsqu’il s’agit de rock en particulier, il existe une immense richesse de musiques à découvrir – ou redécouvrir – à partir de 1983. Certains morceaux sont naturellement devenus démodés au fil des années en raison de techniques de production, de paroles qui font grincer des dents les auditeurs modernes, ou simplement du fait qu’ils étaient des produits de leur époque. Cependant, d’autres ont incroyablement bien vieilli. Voici cinq morceaux de rock d'icônes des années 80 dont les légendes n'ont fait que grandir avec le temps ; chacun de ces morceaux a un facteur époustouflant qui accompagne ce sentiment « Je peux-croire-qu'ils faisaient-ça-à-l'époque », ainsi que les éloges des fans et des critiques qui, au contraire, ont grandi au fil des années.

David Bowie était le caméléon du rock par excellence, prêt à repenser toute sa personnalité pour orienter son art dans de nouvelles directions qui l'ont influencé. Mais au début des années 1980, Bowie ne visait apparemment qu’une chose : dominer les charts.

« Let's Dance » a été le plus gros succès monstrueux de sa carrière, un enchantement pour le dancefloor qui a consolidé la réputation de Bowie en tant que superstar aux États-Unis et a donné le ton à une grande partie de la musique qui viendrait des artistes du Billboard tout au long de la décennie. « Let's Dance » était le premier single de l'album du même nom de 1983, pour lequel Bowie a fait appel au virtuose funk de Chic, Nile Rodgers, qui a agi en tant que coproducteur et s'est appuyé sur l'adhésion précédente de Bowie à la soul au milieu des années 1970 pour livrer un album qui plaira au public, léger en concept et en expérimentation mais riche en succès.

La chanson titre de l’album est sans aucun doute sa meilleure chanson – en fait, ce serait la dernière chanson vraiment géniale que Bowie sortirait depuis des décennies. Un morceau chatoyant et avant-gardiste qui s'inspire autant des Beatles que de la récente explosion disco, « Let's Dance » regorge de moments inoubliables, y compris son intro induisant l'adrénaline, ses refrains culminants et la performance vocale épique de Bowie. Si l'on regarde les années 2020, « Let's Dance » semble avoir anticipé bon nombre des plus grands artistes du 21e siècle : Daft Punk, par exemple, s'est même inspiré d'une idée directement de Bowie et a employé Rodgers pour fournir la guitare sur son tube « Get Lucky » de 2013, qui a connu un succès mondial similaire. The Weeknd, Dua Lipa et bien d’autres ont tous une dette envers la chanson, et le morceau continue de se démarquer parmi les sorties modernes.

L'année 1983 n'a pas manqué d'artistes solos britanniques charismatiques, et bien que peu d'entre eux puissent prétendre avoir atteint les niveaux de popularité dont jouissait David Bowie au cours de cette période, d'autres ont offert aux auditeurs des performances qui restent tout aussi emblématiques. « Rebel Yell » de Billy Idol, par exemple, s'est avéré être un album sismique qui a propulsé l'ancien leader de la génération X au rang de star solo.

La chanson titre s'appuie sur le succès d'Idol l'année précédente avec son morceau solo révolutionnaire « White Wedding » en mariant son esthétique punk avec des synthés à la mode, une production pop brillante et des refrains dansants pour créer un mélange de genres qui a séduit les auditeurs de punk, de rock et de pop. Avec un refrain extatique avec Idol hurlant : « À minuit, elle pleure plus, plus, plus/Avec un cri rebelle, elle pleure plus, plus, plus », c'est un morceau entraînant qui mélange romance et rébellion, sexe et fête – un véritable disque crossover qui se trouve également être un classique des pistes de danse. « Rebel Yell » a atteint la 46e place du Billboard Hot 100, 10 places plus bas que « White Wedding », et même s'il aurait de plus gros succès à venir tout au long des années 1980, avec le recul, aucun n'atteint le mélange intemporel de punk, de hard rock et de new wave qui a fait de la chanson un favori continu au 21e siècle.

Les Talking Heads n'ont cessé de se renforcer à la fin des années 1970 et au début des années 1980 en travaillant avec le légendaire producteur et ancien membre de Roxy Music, Brian Eno. Mais en 1983, Eno et le groupe dirigé par David Byrne se séparèrent. Heureusement, Talking Heads a conservé une grande partie de l'étrangeté contrôlée qui caractérisait l'ère Eno ainsi que son oreille croissante pour ce qui fait éclater le ver d'oreille. Ne cherchez pas plus loin que « Burning Down the House » pour en avoir la preuve.

Le morceau principal de l'album studio du groupe de 1983, « Speaking in Tongues », démontre le côté ludique et émouvant de Byrne après le travail narratif dystopique sur des morceaux tels que « Life While Wartime », de « Fear of Music » de 1979. Nous savons maintenant que « Burning Down the House » est né de l'amour du groupe pour le funk : le titre serait tiré d'un chant de foule que les membres du groupe ont entendu lors d'un concert de Parliament, Bootsy Collins et Brides of Funkenstein, des artistes qui ont également influencé la palette sonore qui sous-tend le morceau le plus classé des Talking Heads.

Mais plutôt que de simplement imiter le funk, « Burning Down the House » réussit à canaliser les racines de l'école d'art du groupe, avec la voix aboyée de Byrne et le synthé de l'ère spatiale du morceau fournissant un étrange contrepoint aux chœurs terreux et à la ligne de basse. Peu de gens auraient pu s’attendre à ce que la chanson connaisse une telle longévité. Avec les instruments traités de la manière la plus magnifique possible des années 80, c'est un morceau qui respire la nostalgie mais reste frais comme une marguerite, offrant une version artistique du funk qui sonne tout à fait moderne.

Le groupe indie préféré de votre groupe indépendant préféré, l'institution post-punk de Manchester, The Fall, était plongé dans sa phase impériale au début des années 1980. Constamment prolifique depuis 1977, le groupe a sorti un certain nombre d'albums acclamés par la critique et une multitude de singles pour s'imposer comme l'un des groupes les plus intéressants, idiosyncrasiques et controversés de la scène alternative britannique. La chanson la plus cool sortie par le groupe dirigé par Mark E. Smith en 1983 était sans doute « Wings », un morceau qui montrait Smith au sommet de ses capacités lyriques et qui n'a guère perdu de son étrangeté au fil des ans.

Sur le riff de guitare hypnotique et asymétrique de Craig Scanlon et la basse grondante de Steve Hanley, Smith raconte l'histoire lovecraftienne d'un homme qui achète une paire d' »ailes flasques » qui lui permettent de voyager à travers l'espace et le temps. D’un autre côté, raconter un récit fantastique sur de la cire peut paraître prétentieux. Mais avec le ricanement caractéristique de Smith et des détails plus sinistres, notamment la fusillade d'un « sergent stupide » sous un pont de Manchester, son côté post-punk, qui a influencé des groupes modernes comme Pavement, Parquet Courts, Fontaines DC, et bien d'autres, reste totalement captivant.

Il est difficile de choisir la plus grande chanson sortie par The Fall en 1983. (C'était l'année où le groupe a sorti son album phare « Perverted by Language », ainsi que trois singles classiques.) Mais « Wings » offre une vitrine de ce qui a rendu The Fall si distinctif : une répétition intentionnelle, une section rythmique incroyablement bien forée et Smith dans sa plus grande habileté lyrique.

Metallica a été crédité à lui seul d'être un pionnier du thrash metal, et rétrospectivement, rien dans la discographie du groupe ne s'est avéré aussi fondamental pour le genre que « Seek & Destroy », un extrait du premier album du groupe de 1983, « Kill 'Em All ». Un favori des fans depuis plus de 40 ans, avec un élément d'appel et de réponse qui en a fait un incontournable des concerts de Metallica, le morceau utilise des images de combat militaires avec menace et colère pour exprimer la frustration du groupe à l'égard de la scène des clubs de Los Angeles dans les années 1980, où Metallica avait du mal à trouver un public avant de déménager à San Francisco.

Il est considéré comme l'un des morceaux les plus agressifs du groupe, présentant le talent de Metallica pour les riffs lourds et groove, qui apparaissent les uns après les autres. C'est une chanson incroyablement accomplie pour un groupe dont les membres avaient environ 20 ans au moment de son enregistrement, et elle déborde d'une rage juvénile et refoulée. C’est une écoute aussi brute aujourd’hui qu’elle l’était il y a quatre décennies. Tout jeune guitariste cherchant à canaliser sa colère dans la musique ferait bien de chercher ici l'inspiration pour la rendre également cool.