Chansons de joyaux cachés qui sont apparues sur des albums médiocres des années 70

Tout au long de l’histoire de la musique rock, c’est devenu un triste truisme que même les artistes les plus brillants puissent faire un album épouvantable. En réalité, des stars comme Bob Dylan, The Who, les Rolling Stones et David Bowie ont toutes libéré des puants. Cela dit, il est juste de dire que, dans l’ensemble, leurs antécédents globaux tiennent toujours assez bien.

Les raisons pour lesquelles les grands groupes produisent de mauvais albums peuvent couvrir toute la gamme. Peut-être qu'un artiste a des bupkis lorsqu'une obligation contractuelle exige une sortie avant une certaine date. Cela peut (et cela arrive parfois) amener ledit artiste à rassembler un tas de prises de studio de sessions précédentes qui n'ont pas été jugées assez bonnes pour figurer sur des albums précédents. Dans d'autres cas, la cause était un simple épuisement créatif ou tout autre problème qui empêcherait la muse d'un musicien de lui rendre visite (pensez au sexe, à la drogue et/ou au rock'n'roll).

Parfois, cependant, ces albums médiocres cachent un trésor secret nageant au milieu de toutes ces eaux sonores. Pour ceux qui osent s’y plonger, ils pourraient bien être récompensés par une chanson solitaire qui vaut vraiment la peine d’être écoutée. Ils existent – ​​si vous savez où les trouver, et il existe effectivement des albums terribles qui ne contiennent qu’une seule grande chanson. Dans cet esprit, continuez à lire pour découvrir cinq chansons cachées qui sont apparues sur des albums médiocres des années 70.

Les Kinks ont connu de nombreux moments forts au cours d’une carrière s’étendant sur plusieurs décennies, mais l’album « Soap Opera » du groupe de 1975 n’en fait pas partie. Cet ambitieux album concept, fruit de l'imagination du leader Ray Davies, raconte l'histoire d'une rock star, Starmaker. Il échange sa vie avec Norman, un homme ordinaire, pour vivre la vraie vie afin d'avoir quelque chose à écrire dans ses chansons. Il est intéressant de noter que les morceaux de « Soap Opera » ont été initialement écrits pour une pièce télévisée peu connue intitulée « Starmaker », écrite par Davies (qui joue également le rôle principal) et produite par la chaîne de télévision britannique Granada TV en 1974.

Il est juste de dire que les chansons, isolées sans dialogue ni intrigue, ne tiennent pas ensemble, tombant à plat lorsqu'elles sont réduites à une collection de morceaux sur un album sans le contexte du théâtre musical. L'exception flagrante, cependant, est le morceau d'ouverture de l'album, « Everybody's a Star (Starmaker) », qui présente le personnage de Starmaker de Davies dans le téléplay. Dotée d'un riff glam-rock alimenté par la distorsion du guitariste Dave Davies – et juste ce qu'il faut de cloche – la chanson démarre avec un bang explosif à la manière d'un T-Rex.

Est-ce la meilleure chose que les Kinks aient jamais faite ? À peine. Est-ce que cela s'effondre à mi-chemin lorsque le saxophone, les chœurs féminins et d'autres éléments sonores encombrent ce qui a commencé comme un rocker assez solide ? Vous pariez. Là encore, un solo de guitare fumant juste vers la fin compense presque tout ce misérable excès, alors appelons-le égal.

Après avoir quitté les Beatles, John Lennon a commencé sa carrière solo avec le doublé de son album brut et puissant « John Lennon: Plastic Ono Band » et du chef-d'œuvre qui a suivi « Imagine ». Cependant, son prochain album, « Some Time in New York City », a mis à l'épreuve la patience même des fans les plus purs et durs. Un double album dans lequel Lennon et sa femme Yoko Ono partagent le chant, le premier disque présentait de nouveaux morceaux en studio, tandis que le second contenait une collection de performances live. Certains de ces derniers présentaient un supergroupe composé de Keith Moon, George Harrison et Billy Preston, tandis que d'autres présentaient Frank Zappa et The Mothers of Invention, et d'autres encore trouvaient les Lennons soutenus par un groupe appelé Elephant's Memory (dont, ironiquement, personne ne se souvient).

Avec sa femme Ono comme collaboratrice à part entière sur celui-ci, l'objectif était bien plus politique que musical. Parmi les sujets abordés figuraient la libération du militant emprisonné John Sinclair, les conditions de vie dans la prison d'État d'Attica et, plus notoirement, la ballade soul chantée par Ono « La femme est la N***** du monde ». Le seul élément remarquable parmi tous ces détritus est « New York City », un rocker à la Chuck Berry qui est essentiellement une suite du classique des Beatles de Lennon « The Ballad of John and Yoko ». En paroles, il offre aux auditeurs un aperçu journalistique de ce qu'il a fait depuis son arrivée à Manhattan. La chanson-histoire captivante a démontré que Lennon pouvait se produire avec les meilleurs d'entre eux lorsque l'occasion se présentait.

« Ne dites jamais mourir! » était le dernier album de Black Sabbath avec le leader Ozzy Osbourne avant son tristement célèbre départ du groupe de metal pionnier qu'il a co-fondé (voici la vraie raison pour laquelle il est parti). L'album n'est pas génial. Du point de vue de la production, le son est une boue musicale riche en réverbération, tandis que la sélection de chansons méli-mélo indique que Sabbath n'a pas été amarré pendant cette période. En témoignent les explorations malheureuses du jazz fusion, ainsi que l’inclusion inutile d’une section de cuivres, de guitares non déformées (l’horreur !) et d’un synthétiseur ringard.

L'exception est la chanson titre, un rocker simple construit sur un simple riff de guitare crasseux à trois accords de Tony Iommi qui explose d'énergie. Le chant sur « Never Say Die! » présentent Osbourne à son Ozzy-est, avec sa voix à double piste caractéristique renforçant le refrain. Pendant ce temps, la section rythmique de Geezer Butler à la basse et de Bill Ward à la batterie se met en place comme une unité puissamment lourde pour propulser la chanson comme un train de marchandises.

Étant donné les circonstances difficiles de l’enregistrement de l’album, le fait que même une chanson décente ait émergé est miraculeux. Ozzy était MIA la plupart du temps, obligeant Iommi à faire appel à l'ancien chanteur de Savoy Brown, Dave Walker, pour l'aider à écrire du matériel – seulement pour qu'Osbourne, dans les rares occasions où il se souvenait de se rendre au studio, refuse de chanter tout ce que Walker avait écrit. « La situation était désastreuse », a déclaré Iommi à Loudwire à propos de l'album. « Je pense qu'il y a eu de bonnes choses là-bas, mais c'est difficile de garder le cap quand on a l'impression que les choses s'effondrent », a-t-il ajouté plus tard.

Une partie de la vérité indescriptible de Credence Clearwater Revival est que le groupe s'est séparé peu de temps après la sortie de l'album « Mardi Gras » en 1972. Avec le recul, le disque peut maintenant être vu comme une capsule temporelle musicale du groupe se désagrégeant au milieu d'un choc d'ego. Le guitariste Tom Fogerty était déjà parti, laissant son frère (et auteur-compositeur en chef) John Fogerty tenir le fort avec le bassiste Stu Cook et le batteur Doug Clifford en trio. Ce dernier Fogerty, qui était responsable du chant et de l'écriture de la série de succès du groupe, n'a contribué que trois chansons à l'album – le reste était soit des reprises, soit des chansons que Cook et Clifford avaient écrites.

Ni l’un ni l’autre n’ont démontré de talent pour l’écriture de chansons, ce qui a donné lieu à un album boiteux composé de matériel de troisième ordre qui sonnait à peine comme Credence. Un point positif est « Sweet Hitch-Hiker » de Fogerty, un rock marécageux qui était incontestablement CCR – même s'il sonne de manière identique à la plupart des autres succès du groupe. S'adressant au Guardian plus de 50 ans après la sortie de l'album, Fogerty a expliqué que les autres étaient devenus jaloux de toute l'attention portée à lui, alors il les a mis au défi d'écrire leurs propres chansons pour « Mardi Gras » – sans s'attendre à ce qu'ils le fassent réellement. « C'était quelque chose que j'avais reporté, ou contre lequel j'avais repoussé, parce que je pensais qu'ils étaient incapables et que cela signifierait un suicide de carrière », a-t-il déclaré à propos de l'album qui répondait totalement à cette prédiction.

En examinant la vérité indescriptible sur Bob Dylan, il est clair qu'il était autrefois intouchable – le roi de la musique folk – avant que son virage à gauche vers le rock ne fasse de lui une légende. Cependant, tout s’est arrêté brutalement avec la sortie de son double album en 1970, « Self Portrait ». Les critiques ont été universellement consternées, même si Greil Marcus, de Rolling Stone, a le mieux résumé la situation avec sa critique concise en quatre mots : « Qu'est-ce que c'est que cette merde ? »

Avec quelques originaux de Dylan (dont le « Wigwam » bizarre mais intrigant et un jam instrumental à moitié cuit appelé « Woogie Boogie »), la plupart des chansons sont des reprises. La curieuse sélection comprend des titres comme « Early Morning Rain » de Gordon Lightfoot, « The Boxer » de Paul Simon et même la vieille ballade standard « Blue Moon ». Le seul éclair d'électricité vient avec « Quinn the Eskimo (The Mighty Quinn) », un rocker chaotique et bruyant avec des paroles absurdes qui peuvent ou non avoir été inspirées en voyant Anthony Quinn incarner un Eskimo dans un film.

La chanson a beaucoup plus d'énergie que toute autre chose de la collection – car il s'agit en fait d'un enregistrement live de Dylan soutenu par The Band au Festival de l'île de Wight en 1969, avec un solo de guitare tueur de Robbie Robertson. Au moment où l’album est sorti, « Quinn » n’était pas nouveau. Le chanteur britannique Manfred Mann, après avoir entendu une version enregistrée dans ce qui allait être connu sous le nom de « Basement Tapes », avait enregistré sa propre version à succès de « The Mighty Quinn » deux ans plus tôt.