5 chansons qui ont permis aux baby-boomers de se vanter de la musique de leur génération

Les baby-boomers savent que les gens sont jaloux, surtout de leur musique. Vous ne nous croyez pas ? D'accord. Non-boomers, faites un rapide tour d'horizon des plus grands artistes musicaux de vos années de formation et comparez-les à la liste suivante : Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Beatles, The Beach Boys, The Rolling Stones, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Pink Floyd, David Bowie, Queen, Creedence Clearwater Revival, Black Sabbath, et… Vous comprenez ? Eh oui, les baby-boomers (nés de 1946 à 1964) ont gagné au loto musical. Mais même malgré toute cette grandeur musicale, certains morceaux donnent plus que d’autres le droit de se vanter aux baby-boomers.

Comme le lecteur peut le constater dans la liste ci-dessus, nous abordons avec cet article un catalogue de musique incomparable. Comment choisit-on seulement cinq chansons ? Il va de soi que nous devons choisir des chansons qui étaient non seulement bonnes à l’époque, mais qui seront bonnes pour toujours. Chaque chanson doit également avoir une qualité transcendante, déterminante pour une génération, qui a servi de pilier aux baby-boomers dans leur enfance, leur adolescence et leur vingtaine. Cela peut être lié à la composition, à la production, au sujet ou à l’un des trois. En même temps, nos sélections doivent être liées à leur époque, c'est-à-dire qu'elles ne pourraient pas/ne seraient pas vraiment faites en dehors de l'époque où elles ont été faites. Et puisque nous parlons de chansons, nous devons laisser de côté les morceaux uniquement instrumentaux comme ceux de Miles Davis.

Bien que de très nombreuses chansons doivent être omises de notre liste, nous conservons le charmant et intemporel « Yesterday » des Beatles et la chanson la plus OG des heavy metal, « War Pigs », de Black Sabbath. Nous avons également des extraits de Stevie Wonder et Marvin Gaye, ainsi qu'une sélection finale de Pink Floyd qui raconte le thème de cet article dans le titre de sa chanson.

Vraiment, une chanson des Beatles ne pourrait-elle pas figurer sur cette liste ? Nous n’allons pas faire la moitié du chemin et dire que les Beatles sont « l’un des » groupes les plus influents de tous les temps. C’est le groupe le plus influent, point final. Qu'il s'agisse d'employer des techniques de production sonore inédites, d'être pionniers dans le domaine du clip vidéo, de définir le terme « rock star » dans un sens commercial global, ou simplement d'évidence – en écrivant certaines des chansons les plus mémorables et les plus magnifiquement architecturées du 20e siècle – les Beatles ont définitivement remanié notre paysage sonore musical. Pour les besoins de cet article, pratiquement n’importe quelle chanson des Beatles pourrait suffire. Mais nous allons choisir « Yesterday » de « Help » de 1965.

Pas sorti trop tôt dans les jours les plus élémentaires des Beatles, ni dans des travaux plus loufoques plus tard, « Yesterday » contient une partie du pincement folk de « Blackbird », la section de cordes « Eleanor Rigby », et est essentiellement une sortie solo de Paul McCartney. C'est bien, car nous savons tous de quoi les Fab Four étaient capables. Pour parler simplement, « Yesterday » est une chanson parfaite. Poignant mais pas mièvre, assez long pour faire valoir son point de vue mais sans exagérer son accueil, « Yesterday » est structuré autour d'une mélodie si serrée et de lignes instrumentales magnifiquement superposées que, comme le disait Antonio Salieri dans le film « Amadeus » de 1984, «  » Déplacez une note et il y aurait une diminution. Déplacez une phrase et la structure tomberait. « 

Juste pour faire comprendre le point, même les autres Beatles ont déclaré que « Yesterday » n'avait pas besoin d'autres instruments que la voix et la guitare de McCartney. En fait, la mélodie et la progression des accords de la chanson lui semblaient si familières que McCartney, qui s'est réveillé un jour avec elles en tête, a pensé qu'il s'agissait d'un vieux morceau folk ou de quelque chose dont il ne se souvenait pas. Existe-t-il une tradition plus légendaire qui sous-tend une chanson aussi magnifique d’un groupe aussi mythique ?

Si nous ne pouvons pas parler des origines de la soul, du R&B ou de leurs ramifications modernes comme le hip-hop ou le rap, sans parler de Stevie Wonder, alors nous ne pouvons certainement pas laisser Wonder de notre liste. Le mot « génie » est souvent utilisé lorsqu’il s’agit de musiciens, mais il a été à la hauteur de son titre. Signé chez Motown Records à seulement 11 ans, Wonder, à 22 ans, avait déjà commencé ce qu'on appelle sa « période classique » de 1972 à 1976. Sa série d'albums magistraux — « Talking Book », « Music of My Mind », « Innervisions », « Fulfillingness' First Finale » et « Songs in the Key of Life » — sont tous issus de cette époque. Nous devons citer « Superstition » du « Talking Book » de 1972, non seulement pour sa composition intelligente et accrocheuse, mais aussi pour son innovation technique.

Il n’y a personne en vie qui ne reconnaîtrait pas la première ligne de piano de « Superstition » – et oui, c’est un piano. Il s'agit en fait d'un clavinet, un type de piano électrique inspiré du clavicorde qui sonne plus comme une basse slap qu'autre chose. Le clavinet est funky, groovy et parfaitement adapté aux accents rythmiques de « Superstition », qui parsèment le panorama de la chanson dans des endroits inhabituels qui renforcent son rebond et sa texture. C'était également la première fois que le clavinet jouait sur le devant de la scène dans une chanson pop de premier plan. Et oui, la prestation vocale de Wonder et la ligne clé « Very superstitious » sont inoubliables et humables même après une seule écoute.

Comme « Yesterday » des Beatles, « Superstition » est doté d’une trame de fond remarquable. Wonder a en fait écrit la chanson pour le guitariste Jeff Beck en échange de ce que Beck joue sur « Lookin' for Another Pure Love » de « Talking Book ». Mais le directeur du disque, Berry Gordy, savait que ce serait un succès et voulait que Wonder le garde. Bon appel, Gordy.

Même si Steppenwolf a utilisé pour la première fois le terme « heavy metal » dans un contexte musical dans « Born to Be Wild » de 1968, c’est Black Sabbath qui a jeté les bases de toute la musique heavy à venir. Il est tout à fait vrai de dire que sans Sabbath, nous perdons toute la lignée musicale qui s'est divisée jusqu'aux nombreux sous-genres du metal moderne, en particulier le doom metal et des groupes comme Electric Wizard, qui sont fondamentalement Sabbath 2.0. Nous perdons particulièrement cette lignée sans le pacte de sang involontaire du guitariste Tony Iommi via le bout des doigts coupés qui a conduit à son style de jeu particulier. Maintenant, c'est du métal.

Mais ce n'est pas seulement Iommi présent dans le morceau qui a cimenté l'héritage et l'influence de Sabbath, « War Pigs », le premier morceau du deuxième album de Sabbath, « Paranoid » des années 1970. Les côtelettes de jazz du batteur Bill Ward, le rythme férocement dans la poche et les rythmes de batterie meurtriers fusionnés avec les cordes syncopées du bassiste Geezer Butler et la voix passionnée du prince des ténèbres, le regretté et grand Ozzy Osbourne, lui-même. Le résultat est un morceau maladivement groovy, digne d'un headbang, bourré de riffs, au son de jam session, qui dit la vérité au pouvoir, qui était si avant-gardiste à sa sortie qu'il dépasse encore les efforts d'innombrables groupes aujourd'hui.

Bien sûr, l’éclectisme et les styles musicaux uniques de Sabbath ne se sont pas formés en vase clos. La fin des années 60 au Royaume-Uni était un foyer pour des groupes underground et proto-metal comme High Tide et Gun qui coïncidaient avec la montée en puissance de Sabbath. Mais cela aussi est une plume dans le chapeau de tout baby-boomer, car ces groupes appartiennent également à la génération qui nous a offert Sabbath et tous les T-shirts noirs modernes que vous pourriez demander. Cornes en l'air.

L'album de 1971 de Marvin Gaye, « What's Going On », est un chef-d'œuvre soul impeccable, absolument émouvant, richement instrumental et magiquement composé. Du début à la fin, Gaye ne se contente pas d'égaler ses efforts précédents, mais les dépasse, et pas seulement en raison de thèmes de chansons à caractère social. Chaque chanson de « What's Going On » déborde d'autant de perfection syncopée et rythmique que de combinaisons mélodiques/harmoniques raffinées, et est tout aussi avant-gardiste que fondée. Alors pourquoi choisir « Mercy Mercy Me (The Ecology) » comme chanson qui accorde aux baby-boomers le droit de se vanter musicalement ? Allez l'écouter. Si vous pouvez rester immobile, vous n’aurez peut-être jamais eu d’âme.

Assurez-vous d'écouter « Mercy Mercy Me » avec des écouteurs, car la toile de fond sonore et fluide de la chanson illumine les oreilles autant que l'esprit. Les accords de guitare chatoyants et staccato dansent avec goût contre la progression principale du piano et la ligne de basse de la chanson, tandis que Gaye chante à la fois la mélodie et l'harmonie. Bon sang, il y a même un solo de sax. Vous pouvez écouter cette chanson et vous balader en cuisinant aussi facilement que vous pouvez fermer les yeux et vous balancer paisiblement.

Mais « Mercy Mercy Me » est tout aussi triste et doux-amer que musicalement édifiant et apaisant. Gaye commence par ces lignes : « Oh, les choses ne sont plus ce qu'elles étaient, non, non / Où sont passés tous les cieux bleus ? / Le poison est le vent qui souffle du nord, du sud et de l'est. » Oui, c'est une chanson écologiste – d'où « The Ecology » qui fait partie du titre. Gaye ne donne jamais l’impression d’être prêcheur ou prétentieux, mais 100 % sincère. C'est un autre cran dans la ceinture des réalisations de « Mercy Mercy Me ».

Pour vous donner une idée de la popularité et de l'impact des progsters de rock les plus à succès, Pink Floyd, leur album phare de 1973, « The Dark Side of the Moon », s'est vendu à lui seul à 50 millions d'exemplaires – c'est le chiffre le plus élevé de toute la décennie des années 70. Il est resté dans le Billboard Top 200 pendant 14 ans, et pas plus tard que le 2 mai 2024, Forbes a rapporté qu'il avait vendu 10 671 exemplaires de vinyle en édition limitée sortis pour le Record Store Day aux États-Unis la semaine précédente. Même ainsi, les chiffres et les chiffres ne peuvent pas rendre justice à la profondeur et à l'importance du travail de Pink Floyd, qui découle directement de la musicalité suivie de la production. Et même si tous leurs albums sont conçus pour des écoutes complètes, nous choisissons « Time » de « The Dark Side of the Moon » comme l'un de nos meilleurs choix générationnels.

Lorsque « Time » commence, c'est une œuvre flottante et rêveuse décorée de touches ambiantes comme des carillons, des bizarreries percussives, des accords de fond soutenus et ce riff de guitare au son de cow-boy. Mais au-delà de 2 minutes et 30 secondes, la transition se transforme en une chanson rock purement funky, remplie de guitares et aux accents psychédéliques.

C’est cette fusion d’accessible et d’inventif qui ne définit pas seulement « Time », mais Pink Floyd dans son ensemble. Ceci, plus une portée massive condensée en une forme humaine universelle dans des paroles comme « Vous gaspillez et gaspillez les heures / D'une manière désinvolte » et « Le soleil est le même d'une manière relative / Mais vous êtes plus âgé / Plus court de souffle / Et un jour plus proche de la mort. » Ensuite, il y a la production de « Time », qui, comme tout « The Dark Side of the Moon », est si nette et claire qu'on dirait pratiquement que les instruments sont à portée de main. En effet, « Time » est tout aussi infiniment excellent que l’éternité que son nom l’indique.