Chansons rock des années 60 surfaites

S'il vous plaît, retirez vos torches et vos fourches et écoutez-nous. Nous savons tous que les années 1960 – en particulier la fin des années 60 – ont produit une superbe musique de groupes légendaires comme les Beatles, les Rolling Stones, les Doors, etc. Cela a également ouvert la voie à l’apogée du rock classique des années 70 et à des chansons que nous répéterons jusqu’à la fin des temps. Mais tout le rock des années 60 était-il fantastique, même s'il provenait de groupes légendaires ? Il serait malhonnête de dire « oui », car personne ne peut chanter mille chansons après chansons, album après album. En plus de ses magnifiques chefs-d'œuvre, les années 60 ont également produit des chansons douloureusement surfaites.

Premièrement, nous savons qu’il est difficile de séparer le sentiment du passé des évaluations plus objectives de la qualité musicale. Mais c’est ce dernier qui est notre objectif ici. Nous ne voulons pas agresser les vaches sacrées sans raison, mais apprendre à mieux écouter. Les chansons rock des années 60 les plus appréciées ont, à juste titre, résisté à l’épreuve du temps. Nous n'allons pas nous attaquer à un morceau comme « Come Together » des Beatles, aussi à la mode soit-il, ni à une chanson bizarre et inédite comme « Ob-La-Di, Ob-La-Da » simplement parce que c'est une cible facile. Mais pour qu’une chanson soit « surfaite », il faut qu’elle soit généralement bien considérée. Sur cette note, nous ne considérons pas nos choix comme de mauvaises chansons, mais simplement comme meilleurs qu'ils ne le sont. Dans l’ensemble, ils ont généralement une qualité intrinsèquement sous-développée ou irritante, du point de vue de la composition, des paroles ou de la production.

Sur cette note, nous choisissons l'une des chansons les plus écoutées du Velvet Underground, « Sunday Morning », « Sweet Thing » du deuxième album de Van Morrison en 1968, et oui, des sélections des Doors, des Beatles et des Moody Blues.

Nous allons commencer par le début avec celui-ci, c'est-à-dire la première chanson du premier album studio produit par le Velvet Underground : « Sunday Morning » de leur premier album éponyme de 1967, mieux connu sous le nom de « l'album banane ». La banane sur la couverture de l'album vient de l'artiste Andy Warhol, dont le nom comprend également la plus grande série de mots sur la couverture. Oui, c'est Andy Warhol, le gars de Campbell's Soup. Warhol a également fourni le chanteur allemand Nico pour l'album, c'est pourquoi l'album est techniquement crédité à « The Velvet Underground & Nico ». En fait, l'album tout entier était plus un projet artistique guidé par Warhol qu'autre chose.

« Sunday Morning » n'est pas rêveur de la même manière que « Something » des Beatles de « Abbey Road » de 1969 est rêveur. C'est d'une manière ferme et faussement rêveuse. Il a une ligne vocale principale fine et irritante qui vacille sur le bémol, des notes carillonnées qui appartiennent à un célesta (un choix de composition nouveau mais inutile), et répète simplement sa structure couplet-refrain deux fois avant une petite pause instrumentale, un autre refrain et une brève outro qui répète les mots « Sunday Morning ». Ses phrases mélodiques ne sont pas assez longues ou complexes pour ne pas paraître répétitives, surtout jouées dos à dos et compte tenu du ton identique et de la dynamique minimale de l'ensemble du morceau.

Alors, « Sunday Morning » semble-t-il musicalement superficiel et dépourvu d'émotion parce qu'il vient de l'ego d'Andy Warhol ? Nous ne pouvons pas le dire avec certitude, mais cela a du sens. Quoi qu’il en soit, c’est surfait.

La biographie sur le site officiel de Van Morrison indique que l'album « Astral Weeks » du musicien irlandais de 1968 a été « enregistré sur 3 jours avec des musiciens de jazz légendaires… combinant poésie de rue, improvisation jazz, invocation celtique et lamentations Afro Celtic Blues ». Cela a l'air plutôt cool, non ? En gardant cette description à l’esprit, allez-y et écoutez le troisième morceau de l’album, « Sweet Thing ». Malheureusement, vous n’entendrez rien de cette fraîcheur. Ou comme Van Morrison aurait pu le formuler dans « Sweet Thing », « Et je n'entendrai aucune de cette fraîcheur là-bas avec mes oreilles. »

En un mot, « Sweet Thing » présente un grattage acoustique super répétitif, une basse qui sonne comme si le bassiste essayait de comprendre son rôle au milieu de la chanson, des voix qui rappellent Cartman de « South Park » et d'éventuelles parties de cordes et de flûte à usage limité qui n'ajoutent rien au morceau. Les paroles dégoulinent également d'une profondeur à toute épreuve et d'un schmaltz sophomorique, comme : « Et je boirai de l'eau claire et propre pour étancher ma soif », « Et je conduirai mon char dans vos rues et pleurerai » et « Et je marcherai et parlerai dans les jardins tout mouillés de pluie. » Cela ressemble à un cosplayer de la Foire de la Renaissance servant « ton hydromel, mon seigneur » dans une mauvaise imitation d'une taverne médiévale.

C'est également dommage, car avec une approche lyrique plus ancrée et un arrangement musical plus serré, « Sweet Thing » pourrait être beaucoup moins stochastique, beaucoup moins encombré dans le mix et bien plus intentionnel dans son écriture. Mais rappelez-vous que « enregistré sur 3 jours » était censé complimenter le génie spontané de l’album ou quelque chose comme ça ? Nous ne le pensons pas.

Nous arrivons maintenant à une chanson étrange d'un groupe pas vraiment connu pour ne pas faire de chansons étranges : « Touch Me » des Doors sur « The Soft Parade » de 1969. « Touch Me » est un excellent exemple de musiciens talentueux faisant des choix intéressants et créatifs qui ne se concrétisent pas toujours à la fin, surtout lorsqu'ils sont vus sans le recul et la renommée des Doors à la fin des années 60.

En gros, c'est comme ça : chaque partie individuelle de « Touch Me » sonne fantastiquement (à l'exception de la voix de Jim Morrison, à laquelle nous reviendrons – à la fourche, s'il vous plaît). Les cors et leurs harmonies pendant le couplet, les courses d'orgue, le solo de saxophone, les changements de batterie : tout cela est génial — individuellement. Mais lorsqu'il est combiné, « Touch Me » n'a pas vraiment de cohérence, surtout le passage au mi bémol pendant le couplet. La chanson sonne comme un air de carnaval confus avec des voix de Vegas, pleine de choix inventifs, bien sûr, mais qui semblent discordants et sans fondement. De plus, même si Morrison était un chanteur unique en son genre qui occupe à juste titre sa place dans le panthéon vocal du rock, son rythme et son ton vocal tout au long de « Touch Me » sont grinçants.

Fait intéressant, la version finale de « Touch Me » a été créée parce que Morrison n'aimait pas les paroles originales de « Hit Me », écrites par Robby Krieger (qui s'est tourné vers la peinture et d'autres projets musicaux après la mort de Morrison en 1971). Morrison ne voulait pas encourager les gens à le frapper, alors il a suggéré de remplacer le « coup » par « toucher ». Les autres choix musicaux orchestraux mentionnés ci-dessus sont issus de collaborations entre Krieger, le producteur de Doors Paul A. Rothchild et l'arrangeur musical Paul Harris, bien que ce soit Rothchild qui souhaitait commencer par les parties orchestrales. Tout ce travail a donné naissance à une chanson considérée comme un classique, mais aussi surfaite.

Beatles Bros : Admettez-le, « With a Little Help From My Friends » n'est pas le meilleur travail des Fab Four. Oui, Joe Cocker l'a amélioré, avec des chanteurs de fond de type gospel et tout, pour ses débuts en 1969. La version originale des Beatles de 1967 de « Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band », cependant, est minable, beaucoup trop simple, répétitive, fatigante à entendre et complètement prévisible même dès la première écoute. C'est vraiment étrange de penser que cette chanson est sortie de la plume de Sir Paul McCartney et de John Lennon.

Musicalement, « With a Little Help From My Friends » est plus une piste de démonstration qu’autre chose. Oui, la chanson a des harmonies vocales intermittentes, des licks de guitare épars et des fioritures de basse, mais son rythme 2-4 ne dévie pas une seule fois au cours de la chanson. Son refrain se répète également quatre fois en moins de trois minutes. Il n'y a pas de pont, pas de chemin s'éloignant de la boucle mélodique principale et de la progression d'accords, et rien pour le mélanger à part une outro légèrement différente. Il est également complètement énervé, comme si Ringo Starr (le chanteur dans ce cas) et la bande étaient à moitié endormis lors de l'enregistrement. Du côté des paroles, des phrases comme « Avez-vous besoin de quelqu'un ? / J'ai besoin de quelqu'un à aimer / Pourrait-il s'agir de quelqu'un ? / Je veux que quelqu'un aime » sont ridiculement sans effort.

Peut-être que les Beatles auraient dû passer moins de temps à habiller les vitrines du « Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band », y compris les costumes de la couverture de l'album, et plus de temps à peaufiner leur musique. Et oui, peut-être que les Beatles auraient dû aussi passer un peu moins de temps à planer avec l'aide de leurs amis.

C'était peut-être intentionnel que « Ride My See-Saw » des Moody Blues sonne aussi continuellement sans imagination et musicalement en boucle que ses paroles cycliques le disent : « J'ai travaillé comme un esclave pendant des années / Sueur si fort juste pour mettre fin à mes peurs », … « Mon monde tourne autour / Tout ce que j'ai trouvé est perdu. » Mais la deuxième chanson de leur album de 1968, « In Search of the Lost Chord », représente toujours une déviation étrange et ennuyeuse pour un groupe qui, l'année précédente, en 1967, avait sorti un album concept extrêmement ambitieux, bien que surmené, « Days of Future Passed ».

Dès le départ, le rythme lyrique des lignes du refrain central de « Ride My See-Saw » – « Ride, ride my See-saw », « Ride, make a free ride », « Run, run my last race », etc. – semble idiot et stupide. Pendant ce temps, les harmonies vocales luxuriantes de la chanson sonnent étrangement en retrait et émotionnellement détachées. En plus de cela, la chanson frappe sur deux accords, d'avant en arrière, sur la majeure partie de sa longueur, et finit par se sentir musicalement non résolue. Si vous n’y prêtez pas attention, vous ne réaliserez même pas que la chanson s’est terminée, car elle n’a abouti à rien. C'est peut-être une version intelligente du sujet de « Ride My See-Saw », mais cela ne veut pas dire que c'est agréable à écouter. De plus, l'intro dramatique et parlée de la chanson est bien trop difficile pour le manque de profondeur musicale de la chanson.

Malheureusement, nous ne pouvons pas demander l'avis de l'auteur-compositeur et bassiste de Moody Blues, John Lodge, sur « Ride My See-Saw ». Il est décédé en octobre 2025 à l'âge de 82 ans.