Les 5 chansons les plus addictives de 1970

La musique des années 1970 était comme un magasin de bonbons pour les oreilles, rempli d’un bout à l’autre de chansons super douces saturant les ondes. L’année a été comme un carrefour entre le mouvement Free Love, la génération Folk et l’avenir de la pop et du rock, avec une multitude de styles et de sons tourbillonnant dans une playlist multi-genres. C'était comme un repas-partage musical, avec chacun apportant un plat à emporter et des chansons assez bonnes pour quelques secondes.

Les chansons les plus addictives de 1970 comportaient des mélodies chantables qui nous sont restées même après la fin de la chanson. Nous les fredonnons encore sous la douche ou dansons lorsque nous les entendons comme musique de fond à l’épicerie. Il leur faut aussi un bon rythme, ce qui semble un peu cliché, mais si le rythme a captivé notre âme et nous a fait bouger, la chanson nous a tenus dans ses griffes pour de bon. Et parce que ces morceaux mémorables ont été si captivants pendant tant d’années, ils prouvent leur dépendance en devenant des plats réconfortants que nous pouvons écouter – des chansons que nous reprenons toutes ces années plus tard lorsque nous avons besoin de quelque chose qui nous fait du bien.

Cinq films remarquables nous ont divertis sans faute, même après plus de 55 ans de rediffusion. Le R&B brillant de « Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours) » de Stevie Wonder, la pop chantante de « My Sweet Lord » de George Harrison et le charme du groupe de filles de « Band of Gold » de Frieda Payne font partie des chansons de 1970 qui nous incitent à revenir pour en savoir plus.

Ce classique de l'une des reines de la musique présente l'un des refrains les plus accrocheurs jamais enregistrés sur support enregistré. Du cri d'ouverture ravissant de Stevie Wonder à la ligne de basse en marche d'escalier en passant par la section de cuivres capturant le soleil à chaque douce explosion de cuivres, c'est une alchimie musicale maximaliste. Vous ne voudriez peut-être pas que vos épaules rebondissent en public lorsque cette chanson apparaît sur votre liste de lecture, mais vos épaules s'en moquent ; ils vont rebondir et vous ne pouvez rien faire pour les arrêter.

Une partie des astuces sournoises d’écriture de chansons qui incitent tout le monde à se lever pour cette joyeuse occasion est la montée des marches de la mélodie. Les couplets commencent bas et grimpent jusqu'au sommet de la portée musicale, dirigeant votre oreille vers ce cri joyeux : « Me voici, bébé — signé, scellé, délivré, je suis à toi ! Cette structure ascendante donne à votre oreille quelque chose à suivre. Et quand vous trouvez ce qui vous attend en haut des escaliers, c'est comme une soirée dansante qui s'enflamme avec tous les confettis sonores et les banderoles qui volent.

Cette confession musicale festive d'amour a atteint la troisième place du Hot 100 et est allée jusqu'à la première place du palmarès R&B de Billboard à l'été 1970 et y est restée six semaines. Il a également été repris ou échantillonné plus de 60 fois, avec des artistes comme Michael McDonald et Elton John ravivant son énergie optimiste pour le plaisir d'un nouveau public.

« Band of Gold » a donné à Freida Payne un morceau inoubliable d'enchantement musical triste et joyeux qui a capturé la douceur du mur sonore d'un groupe de filles dans ses affres finales. La mélodie ne perd pas de temps à passer aux bonnes choses, menant avec le refrain « Maintenant que tu es parti / tout ce qui reste est une bande d'or », une ligne d'ouverture qui va droit au but et vous invite à ajouter vos propres chœurs « sha-la-la ». Curieusement, cette chanson de rupture qui rend toujours fous les baby-boomers s'accompagne d'une prestation plus joyeuse que le sujet ne le mérite.

Le riff de basse qui donne le coup d'envoi est une intro intemporelle à une chanson dont on ne se lasse pas. Payne décrit plaintivement avoir passé sa nuit de lune de miel dans une chambre séparée de celle de son mari, créant ainsi un mystère : le marié l'a-t-il abandonnée avant même que leur mariage ne commence, ou est-il sorti pour tricher et prouver qu'il n'était pas digne d'un mariage ? On ne sait jamais ce qu'est devenu le couple, mais cela n'a pas d'importance. Avec une mélodie aussi envoûtante et des accroches qui ne lâchent pas, nous sommes tous dedans, même si le marié ne l'est pas.

Une mariée abandonnée n’est peut-être pas un fourrage pour une mélodie aussi ensoleillée, mais elle fonctionne à merveille. La chanteuse elle-même pensait que la chanson décrivait une jeune mariée qui n'était pas prête pour le mariage et estimait qu'à 27 ans, elle était trop vieille pour vendre le concept. Heureusement, elle l'a quand même enregistré, et la chanson s'est classée n°3 dans les charts américains et n°1 dans les charts britanniques, où elle est restée six semaines, mais « Band of Gold » est également un morceau durable et addictif de 1970 sur lequel nous pouvons revenir jusqu'à ce que la mort nous sépare.

Les Jackson 5 ont envoyé « I Want You Back » jusqu'au n°1 en janvier 1970, dirigés par Michael Jackson, alors âgé de 10 ans, montrant au monde un aperçu du génie à venir. C'était une décision judicieuse de donner à Jackson et à ses frères cette pièce ludique avec laquelle travailler. La chanson était à l'origine destinée au groupe de Motown Gladys Knight & the Pips, mais l'équipe derrière la chanson l'a reconfigurée pour en faire l'un des succès les plus accrocheurs des années 20.^ème siècle – et un début de bon augure pour les Jacksons historiques.

Cet éclat de bonheur musical démarre avec cet accord de guitare funky et volumineux qui résonne fort et fièrement, faisant savoir à tout le monde que de bonnes choses suivront sûrement. Et suivez, ils le font – la basse et le piano restent au même rythme sur un groove désormais célèbre ; des harmonies qui se mélangent comme le sucre et la crème ; et une énergie vive qui rend impossible de ne pas danser. Le petit Michael Jackson projette une précocité maximale dans chaque ligne, chantant le chagrin d'amour qu'il est trop jeune pour comprendre avec l'âme sérieuse de quelqu'un de beaucoup plus âgé. Et bien sûr, le refrain qui résonne « Oh bébé, donne-moi une chance de plus » est un moment clé des premières années du roi de la pop.

Ce n’est pas un mystère pourquoi « I Want You Back » a retenu notre intérêt pendant toutes ces décennies. Il suscite plus de joie qu’un feu d’artifice et met en valeur le travail vocal et la musicalité qui donnent le ton à tant de musiques étonnantes à venir.

Mark Lindsay a sorti un hommage saturé de sucre à la culture hippie avec « Arizona ». Il s’agit de l’une des célébrations musicales les plus brillantes des années 1970, une histoire groovy d’amour libre rencontrant l’Amérique centrale à une époque où les deux cultures étaient soumises à un bilan majeur. Le chanteur de Paul Revere and the Raiders avait propulsé son groupe vers les sommets de la musique pop-rock des années 60 lorsque cette pépite lui a donné un avant-goût d'une carrière solo.

Il y a un jam frémissant au début de la chanson, un va-et-vient funky de guitare et de basse alors que Lindsay souligne doucement qu ' »elle doit appartenir à San Francisco » grâce à ses tendances bohèmes. Il l'accuse de « se comporter comme une petite fugueuse » et l'implore de revenir à la réalité. La chanson prend du jus – et une section de cuivres contagieuse – comme le refrain « Ari-ZO-na, enlève tes lunettes arc-en-ciel… » et tout à coup, nous chantons tous. Près du pont avant le refrain final, Lindsay est sous son charme, lui disant qu'il fera « tout pour que tu restes ».

La chanson est sortie en 1969 mais n'a atteint le Billboard Top 10 qu'en février 1970, ce qui en fait un membre du hit-parade de cette année-là. Même dans les années 2020, on ne peut résister à la capacité de chanter en accompagnement de ce jam optimiste. C'est un mélange intelligent de terreur d'amour libre hippie et de musique pop commerciale avec suffisamment d'esprit d'époque pour paraître vintage.

George Harrison a lancé une carrière solo fracassante avec une première chanson pleine d’accroches. « My Sweet Lord » était une introduction pétillante à ce dont le guitariste discret était capable tout seul, en plus de devenir un hit n°1. La chanson a pris ses contributions remarquables après la rupture des Beatles et les a transformées en un doux morceau de bonbons pour les oreilles d'inspiration spirituelle qui résonne encore. Le grattage acoustique, le travail de guitare slide caractéristique d'Harrison, la mélodie imbibée de miel – c'est un régal aussi savoureux que tout ce qu'Harrison a jamais concocté avec son ancien groupe.

Mais la mélodie sonnait un peu trop familière lorsqu’elle est apparue pour la première fois à l’horizon. Les similitudes ont donné lieu à un procès en 1976 de la part de la succession de l'auteur-compositeur décédé Ronnie Mack, qui estimait qu'il s'agissait d'une arnaque de la chanson n°1 « He's So Fine » qu'il avait écrite pour The Chiffons en 1963. Harrison lui-même affirmait avoir été stimulé par « Oh Happy Day », un autre morceau optimiste d'Edwin Hawkin Singers. Un jugement pour « violation inconsciente du droit d'auteur » et un paiement de 587 000 $ ont clôturé le procès en 1981. À cette époque, la chanson était pratiquement un standard.

Après que l'histoire tragique de George Harrison ait culminé avec sa mort en 2001, « My Sweet Lord » est remonté au premier rang, établissant un record pour les 31 années écoulées entre les premières places des charts. Mis à part les poursuites judiciaires, les sanctions et le plagiat involontaire proclamé, c'est l'un des albums les plus doux des années 1970, celui qui colle toujours à nos dents musicales comme du sucre mélodique.