Chansons Shoegaze des années 90 qui ont rendu ces 5 scènes de film surnaturelles

En tant que genre, on a l’impression que le shoegaze a été conçu spécifiquement pour les bandes originales de films. Les caractéristiques déterminantes du genre – guitares chargées d'effets, voix noyées, arrangements oniriques et murs sonores luxuriants – permettent à ses chansons de s'asseoir parfaitement en arrière-plan de scènes plus actives et parlantes et, à l'inverse, de mettre également en valeur l'énergie ambiante d'une scène et de l'amener à son paroxysme. Bien que n'importe quel film puisse potentiellement bénéficier de chansons plus shoegaze des années 90 comme My Bloody Valentine et autres, ce sont les films qui s'aventurent dans le surréaliste et le fantastique qui les utilisent le mieux.

Les films avec des séquences de rêve ou des explorations de l'éthéré se sont depuis longtemps tournés vers le shoegaze et autre rock ambiant pour capturer ce sentiment étrange et inexplicable d'être entre les mondes. Plus que la plupart (et peut-être tous) les autres types de rock, le shoegaze est une bande-son de rêves et d'expériences liminales, et des réalisateurs comme Peter Jackson et Sofia Coppola ont utilisé pleinement ce fait sur grand écran. Nous avons rassemblé ici cinq exemples de films, dont ceux de Jackson et Coppola, qui ont utilisé le shoegaze pour transformer des scènes de film sur un autre monde.

Quiconque a vu « The Lovely Bones » sait à quel point ce film peut être profondément bouleversant. Certes, cela est dû à son sujet sombre et à sa résolution peu soignée, mais aussi à cause des coupures répétées du personnage de Saoirse Ronan, Susie, alors qu'elle navigue dans son au-delà en tant qu'esprit sur Terre puis dans (un) paradis. Pour la musique du film, le réalisateur Peter Jackson a judicieusement choisi le roi de la musique ambiante Brian Eno, dont les tons atmosphériques se prêtent bien aux séquences qui sautent dans les domaines comme celle de Susie. Il n'y a pas beaucoup de chansons dans le film en dehors de la musique d'Eno, mais l'une des rares est « Alice » des parrains et marraines shoegaze Cocteau Twins, utilisée pour l'une des séquences les plus psychédéliques et littéralement surnaturelles du film.

« Alice » est apparue à l'origine dans la bande originale d'un autre film, en fait, « Stealing Beauty » de 1996, et elle a été intelligemment réutilisée 13 ans plus tard pour « The Lovely Bones ». La voix angélique d'Elizabeth Fraser est divisée en deux mélodies entrelacées, ce qui donnerait à la chanson une sensation paradisiaque dans le vide. Dans le cadre des séquences du film dans l’au-delà, elles le ressentent de manière exponentielle. La séquence commence avec Susie réalisant que sa connexion avec son père est toujours intacte d'une manière qui transcende la vie et la mort, ce qui la pousse, elle et son compagnon Holly, à célébrer comme seuls les esprits liminaires peuvent le faire.

Susie et Holly dansent et rient à travers des mondes qui leur sont propres, une série de magnifiques pâturages verts, des merveilles topiaires impossibles, des pistes de danse faites de tourne-disques géants et des édens enneigés. Pendant ce temps, « Alice », et en particulier la voix soyeuse de Fraser, transforment la scène d'une simple fantaisie en un art doux-amer.

« Lost in Translation », le chouchou indépendant de Sofia Coppola de 2003, est une méditation non conventionnelle et à la limite d'un film de forme libre. Son style présente un contraste frappant avec le tarif de cause à effet typique sur rails que l'on trouve dans la plupart des films grand public. D'une manière majeure, cela en fait une analogie avec le shoegaze et sa relation avec le rock mainstream plus conventionnel, ce qui explique en partie pourquoi la bande originale est si complètement shoegaze et si parfaitement adaptée.

Le plan d'ouverture du film laisse entendre que le film pourrait peut-être être un rêve du personnage de Charlotte de Scarlett Johansson ou peut-être un fantasme masculin du personnage de Bob de Bill Murray. À partir de là, toute la présentation du film ressemble à un fantasme étendu et éveillé, et elle a une bande sonore qui correspond. La toute prochaine scène après la première est celle du groupe shoegaze Death in Vegas, avec une voix aérienne et transe qui donne l'impression que la promenade en limousine de Bob dans les rues lumineuses de Tokyo semble presque imaginée.

Cela devient un motif du film, car pratiquement chaque fois que Bob et Charlotte traversent Tokyo la nuit, admirant ses rues aux multiples splendeurs et ses expositions surstimulantes, une chanson de shoegaze ou une autre pièce de théâtre. La part du lion de ces morceaux revient au messie du genre, Kevin Shields, mieux connu comme le leader de My Bloody Valentine. La chanson du groupe « Parfois », l'une des plus reconnaissables, joue à la fin de la séquence de la soirée karaoké du film. Encore une fois, le couple navigue dans les rues de la métropole, et encore une fois, nous nous demandons dans quelle mesure l'expérience des personnages, et donc de nous, téléspectateurs, est réellement réelle.

Ceux qui connaissent le réalisateur Gregg Araki sauront qu'il stocke régulièrement ses films avec shoegaze, projet après projet. Son drame de 2004 « Mysterious Skin » ne fait pas exception, avec des chansons de Ride, Curve, Cocteau Twins et plusieurs de Slowdive. La première chanson du film est celle de Slowdive, et elle entre immédiatement en jeu lorsque le premier générique traverse la scène, donnant rapidement un ton étrange, presque inquiétant.

Cette première chanson, « Golden Hair », dure deux minutes et demie complètes, la majeure partie de sa durée et aussi plus que suffisamment pour atteindre son premier mur de sons sous forme de synthés et de guitare chargée de fuzz. Tout au long, de petites taches de détritus flous pleuvent sur l'écran, devenant progressivement nettes pour révéler des morceaux de céréales arc-en-ciel versés sur le visage d'un jeune Neil, dont le personnage plus âgé est joué par Joseph Gordon-Levitt. Bien que le film explique plus tard la scène comme un souvenir formateur pour Neil (des céréales lui sont vraiment tombées sur la tête juste avant qu'il ne subisse des abus), pendant la scène « Golden Hair », elle ne peut être ressentie que comme un rêve ou un demi-souvenir flou.

Le moment céréalier prépare le terrain pour le reste de « Mysterious Skin », dans lequel les traumatismes de l'enfance se manifestent tout au long de la vie des personnages principaux sous forme de dissociation et de souvenirs déformés. L'autre personnage principal, Brian, se souvient de son propre traumatisme comme d'un possible enlèvement extraterrestre. À de nombreux moments où leurs souvenirs et leur avenir possible sont discutés, une chanson shoegaze ou une autre est là pour souligner le surréalisme du moment.

À bien des égards, le drame psychologique de 2024 « I Saw the TV Glow » donne l’impression que le shoegaze lui-même a été distillé et alchimisé sous forme de film. De l'ouverture à la fin, le film maintient délibérément les spectateurs dans l'ignorance (souvent littérale) de la mesure dans laquelle les expériences des personnages sont réelles ou imaginaires. Leurs vies oscillent entre des moments de bizarreries statiques et surréalistes, tous richement colorés et mettant l’accent autant sur la texture que sur la substance – un peu comme le shoegaze. L'une des incursions directes du film dans le genre survient lors de l'un des brefs moments de bonheur du personnage d'Owen/Isabel alors qu'ils se promènent dans leurs couloirs au son de « Starburned and Unkissed » de Caroline Polachek.

Les puristes pourraient à juste titre souligner que le film lui-même est nouveau, tout comme sa bande originale – « Starburned and Unkissed » est un original du film. Mais le film se déroule initialement dans les années 90 et, comme l'a dit la réalisatrice Jane Schoenbrun elle-même, l'histoire et sa bande originale sont destinées à recréer la décennie et sa musique. En tant que tels, ils ont compilé une bande originale pleine de dream et de synthpop inspirés des années 90, ainsi que Starburned et Unkissed de Polachek, que Pitchfork a qualifié de « shoegaze anthémique ».

La scène en question suit Owen/Isabel alors qu'ils naviguent dans des couloirs de plus en plus vides et sombres, reflet de leur réalité déprimante et monotone. Cependant, tout s'illumine grâce aux gribouillages au néon sur leur émission de télévision préférée qui défilent dans leur tête et sur l'écran. Tout cela est réglé sur l'alternance arachnéenne et grunge qui est « Starburned and Unkissed ».

Grâce à sa bande-son merveilleusement diversifiée, qui comprend quelques groupes shoegaze et adjacents au shoegaze, ainsi qu'au ton onirique (ou peut-être cauchemardesque) général du film, « The Crow » a en fait quelques scènes dans lesquelles shoegaze donne sa sensation surnaturelle. Il y a « Snakedriver » de Jesus and Mary Chain, qui joue le rôle de la jeune Sarah surprend sa mère avec le trafiquant de drogue et autrement salaud Funboy. Et quelques minutes avant cela, les LA shoegazers Medicine ont fait une apparition en interprétant leur chanson « Time Baby II ».

La scène se déroule dans une boîte de nuit, qui autrement serait banale sans les lumières clignotantes, les étincelles inexplicables qui volent partout. Et, bien sûr, les guitares tourbillonnantes et déformées et la voix bourdonnante de Medicine. Le ton de la scène est juste à gauche de la réalité, qui est cohérent tout au long de « The Crow », et le bruit hypnotique de Medicine se sent chez lui dans le monde Tim Burton-rencontre-hardboiled-noir que le film établit.

Il existe en fait trois versions de « Time Baby ». La première était une première démo du groupe, la seconde était la version qu'ils apparaissaient dans « The Crow » et la troisième, bien sûr intitulée « Time Baby III », était une version remixée pour la bande originale du film. Fait intéressant mais sans surprise, étant donné à quel point les Cocteau Twins semblent omniprésents dans le monde des bandes sonores, la chanteuse principale Elizabeth Fraser a contribué au chant de « Time Baby III », ce qui rend la version de l'album encore plus surnaturelle que le montage du film lui-même.

Si vous ou quelqu'un que vous connaissez pourriez être victime de maltraitance d'enfants, veuillez contacter la hotline nationale Childhelp contre la maltraitance des enfants au 1-800-4-A-Child (1-800-422-4453) ou contacter leurs services de chat en direct.