5 musiciens solos qui ont perdu l’intrigue à la recherche d’un nouveau son

Libérés des membres du groupe et des collaborateurs, les musiciens solistes disposent de suffisamment d’espace pour réinventer leur son et leur vision. Lorsque cela porte ses fruits, les résultats sont excellents ; pensez aux looks les plus célèbres de David Bowie ou à Beyoncé qui remodèle essentiellement la musique country à son image. Mais ces expériences échouent tout aussi souvent. Même certains de nos artistes solos les plus appréciés se sont complètement égarés à la recherche d’inspiration et de nouvelles orientations créatives. Il en résulte certains des albums les plus erronés, les plus malheureux, mais aussi les plus fascinants de la carrière d'artistes légendaires.

Sting est retourné à l'ère élisabéthaine, canalisant sa passion pour la chanson traditionnelle et le luth pour produire son déroutant album « Songs from the Labyrinth ». À un moment de transition dans sa carrière, Stevie Wonder a produit un disque de plage charmant mais bizarre, inspiré du surf. « Half Breed », la tentative de Cher d'honorer la culture amérindienne, était destinée à mal vieillir, tandis que l'épopée noise abstraite de Lou Reed « Metal Machine Music » est depuis devenue légendaire. Et sur « Trans », Neil Young a peut-être été un peu trop zélé avec les synthétiseurs et les boîtes à rythmes.

Ces albums ont raté leur cible en grande partie à cause des normes élevées auxquelles ils devaient se conformer. Le voyage créatif peut vous emmener bien plus loin que ce qui vous a mis sur la carte. Pourtant, si ces musiciens n’avaient pas accepté de prendre des risques, nous n’aurions peut-être jamais entendu parler d’eux. Et parfois, la partie la plus intéressante de l’histoire était celle où l’artiste perdait l’intrigue.

Catapulté par le succès de Police, le parcours solo de Sting a été éclectique et de haut vol. Sur des albums comme « The Dream of Blue the Turtles » ou « Ten Summoner's Tales », sa musique a évolué, mêlant influences jazz et musique du monde pour créer une pop chatoyante. Avec des rôles à l'écran et sur scène, une comédie musicale (« The Last Ship ») et des tournées à succès, il a remporté le prix ultime pour un musicien : l'autonomie qui vient du fait d'être un artiste emblématique.

Cependant, la liberté peut vous conduire vers des pâturages inattendus. Il a guidé l'homme de la Renaissance Sting vers la Renaissance actuelle par l'intermédiaire du luthiste et compositeur anglais du XVIe siècle John Dowland. Loin de sa timonerie, son album de 2006 « Songs from the Labyrinth » interprète ses chansons telles qu'elles ont dû émerger : avec juste de la voix et du luth. C'est de la musique pour les soirées à la cour, les brasseries et les places animées de la ville, avec des paroles dignes d'un cours d'anglais au lycée. « Où l'oiseau noir de la nuit ses tristes péchés d'infamie / Là, laissez-moi vivre désespéré », dit le maudlin, proto-gothique « Flow, My Tears (Lachrimae). »

L'album faisait partie du voyage, a déclaré Sting à BBC Music Magazine, « Et vous vous améliorez en vous mettant en danger sur le plan créatif ou en entrant dans un milieu qui peut sembler inconfortable au début » (via Sting.com). Sa passion pour la matière s’est certes manifestée, mais les résultats ont été polarisants. « S'il est vrai que cet album ne plaira probablement pas entièrement aux fans de Sting ou à ceux d'Early Music », a écrit le critique musical Chris Jones pour la BBC, « il est également vrai qu'une musique aussi bonne est presque impossible à gâcher. »

L'album « Stevie at the Beach » de Stevie Wonder de 1964 est la preuve que même un talent générationnel et un chanteur, auteur-compositeur et producteur emblématique peuvent faire des faux pas. Pour être honnête, il venait d'avoir 14 ans quand le film est sorti, et en tant qu'artiste Motown à l'époque, il n'était pas en charge de sa direction créative. Mais dans la foulée des premiers succès de « Little Stevie » comme « Fingertips » et avant de définir des disques comme « Innervisions » et « Songs in the Key of Life », un album sur le thème de la plage, piloté par l'harmonica, était tout un détour. Avec le recul, Wonder a déclaré qu’il en était profondément embarrassé.

En grande partie, « Stevie at the Beach » était la tentative de Motown de capter la marée montante de la culture surf à l'époque et de capitaliser sur les apparitions de Wonder dans les films « Muscle Beach Party » et « Bikini Beach ». Enregistré avec le Wrecking Crew, le groupe de studio légendaire qui a soutenu les Beach Boys, il présente des arrangements kitsch, des thèmes océaniques et des fioritures orchestrales pop. Cela n’a pas vraiment capté la vague. Le deuxième single, « Hey Harmonica Man », qui a réussi à atteindre la 29e place du Billboard Hot 100 en 1964, est l'un des moins préférés de Wonder.

Et même si le surf rock n’a pas fonctionné, l’album est une écoute amusante, bien qu’étrange. « Castles in the Sand », l'ouverture, a un groove pop entraînant, des chants plaintifs et des effets sonores de mouettes et de vagues déferlantes. S'il avait été réalisé par un autre artiste, « Stevie at the Beach » ne serait pas considéré comme un échec ou un échec. Mais c'est de Stevie dont nous parlons.

La musique peut être un moyen d’explorer vos racines et votre héritage. Il peut tracer une ligne entre les rythmes, les harmonies et les traditions de vos ancêtres jusqu'à votre vie d'aujourd'hui, montrant comment la culture évolue et façonne l'identité. La chanson titre de l'album « Half Breed » de Cher en 1973, un succès n°1 pour le chanteur, donne la voix à une fille d'une mère amérindienne et d'un père blanc, qui fait face à la stigmatisation des deux communautés. Sur la couverture de l'album, elle est à cheval, vêtue de ce que l'on peut généreusement appeler une robe « amérindienne » digne d'un costume d'Halloween. C'est douloureusement daté et culturellement insensible, bien sûr, mais au moins l'album est un hommage au parcours du chanteur, n'est-ce pas ?

Eh bien, cela ne fait pas vraiment partie de son histoire réelle, ce qui ne fait qu'empirer les choses. Née Cherilyn Sarkisian, son père était arménien-américain, et il y a peu ou pas de preuves qu'elle soit en partie Cherokee du côté de sa mère, comme elle l'a prétendu un jour. Mais ce qui est encore plus étrange, c'est le manque de continuité de l'album. Les reprises de « Long and Winding Road » des Beatles et de « How Can You Mend a Broken Heart ? » des Bee Gees ? sont adorables, mais ils sapent le concept et semblent appartenir à un disque complètement différent.

Même si « Half Breed » a été certifié Or en 1974, les critiques de l'époque l'ont critiqué. « La voix incroyablement puissante de Cher n'est pas utilisée efficacement », a écrit Paul Gambaccini dans Rolling Stone, « et il est frustrant de l'entendre dilapidée dans des bêtises. » C’est une définition classique de l’appropriation culturelle bâclée, et les années qui ont suivi ne l’ont pas améliorée.

Pendant son séjour au sein du Velvet Underground et pendant les décennies qui ont suivi la séparation du groupe en 1970, Lou Reed a laissé sa marque sur le rock'n'roll. Mais sa longue carrière ne s’est pas déroulée sans faux pas. Le plus polarisant et le plus célèbre d’entre eux est « Metal Machine Music » de 1975, un double album de cris de guitare atonaux et de distorsion. Pour certains, c'est désagréable et trop indulgent, mais pour d'autres, comme Thurston Moore de Sonic Youth, c'est de l'art. Et pour les mélomanes, c’est l’un des textes fondateurs du noise rock, qui connaîtra son apogée en 1984.

On peut dire sans se tromper que « Metal Machine Music » a suscité plus de controverses que d’écoutes réelles. Une histoire souvent racontée à ce sujet est que Reed a réussi à convaincre son label RCA de le laisser tomber. Mais dans une interview en 2013, il l'a nié, déclarant à The Quietus : « C'est presque dommage de dire que ce n'est pas vrai. Mais en fait, ce n'est pas vrai. Je l'ai fait parce que j'aimais ça, pas pour résilier un contrat. » En fait, le label était favorable et prévoyait de le sortir en tant que disque classique sur leur label Red Seal. « Mais ensuite, ils l'ont sorti sous forme d'album rock'n'roll », a déclaré Reed. « … Eh bien, il a été retiré du marché en trois semaines, il a eu les niveaux de retours les plus élevés de tous les disques jamais sortis. »

Les critiques contemporains voulaient également récupérer leur argent. Qualifiant son « indifférence bourdonnante et informe… désespérément démodée » dans Rolling Stone, James Wolcott a plaisanté : « Lou Reed dévoile avec dédain le trou noir de son univers personnel, mais la question est : qui est censé tressaillir ? Écoutez le disque aujourd'hui et vous pourriez bien le faire.

Le début des années 80 a vu de nombreux artistes légendaires des décennies précédentes adopter les sons électroniques. Les résultats ont été mitigés. Sur l'album « Trans » de 1982, Neil Young fait un câlin à ces nouvelles technologies, abandonnant l'acoustique et l'harmonica au profit des synthétiseurs, des séquenceurs, des boîtes à rythmes et des effets de vocodeur. Ce qui a émergé est un album qui est incroyablement en décalage avec son arc créatif global. Que vous le trouviez plutôt génial ou qu'il s'agisse d'un exemple de folk rocker se perdant dans la sauce, il semble conçu en laboratoire pour provoquer les fans de la vieille école. Rien sur l'album ne se rapproche des chansons phares comme « Heart of Gold » ou « Cinnamon Girl ».

Neil Young n'a jamais hésité à expérimenter. Dans les années 70 et au début des années 80, les collaborations avec Devo ont conduit à une reprise frénétique de « Hey Hey, My My » et au film de science-fiction décalé de série B « Human Highway ». Le morceau d'ouverture de « Trans », « Little Thing Called Love », est clairement Neil, mais à partir de là, c'est comme si Depeche Mode était entré en studio. Les résultats sont amusants mais glauques, avec des chansons comme « Computer Age » et « Computer Cowboy », comportant des grooves post-disco et des voix vocodées. Ils sont résolument new wave et super bizarres venant de Young.

L'album n'était pas « Harvest », ce qui a déçu son label, et il ne s'est pas vraiment vendu. Mais en affrontant l’aliénation de la vie à l’ère de la technologie moderne, il a depuis trouvé son public. Comme le critique Sam Sodomsky l’a dit dans Pitchfork en 2017, « « Trans » n’a fait que devenir plus triomphant et singulier à mesure qu’il vieillit. » Cela valait peut-être la peine pour Young de se perdre dans son ordinateur.