Chansons de rock classique qui méritaient d'être numéro un, mais ne l'ont jamais fait

La première place du Billboard Hot 100 n'est pas un indicateur de la qualité d'une chanson – toute personne familière avec l'horrible succès de 1976 de Rick Dees et His Cast of Idiots, « Disco Duck », peut en témoigner. Néanmoins, de nombreuses chansons sont devenues à juste titre – au moins pour un temps – l’enregistrement le plus populaire de tous les États-Unis, marquant un événement culturel qui en dit long sur le paysage musical de ce moment particulier. Mais tout au long de l’histoire de la musique rock, de nombreux morceaux sont devenus des classiques intemporels même s’ils n’ont jamais atteint la première place du Billboard Hot 100.

Lorsque nous avons fait nos choix, nous sommes restés dans le jardin vaguement délimité du rock classique du milieu des années 50 au début des années 80, et tous sont sortis en singles, en face A ou B. Ils doivent également être considérés par les historiens de la musique comme des sorties révolutionnaires pour le genre rock, ou avoir été relativement négligés dans la discographie d'un artiste et grandis avec le temps pour devenir des chansons emblématiques appréciées des fans et des critiques. Quoi qu’il en soit, nous pensons que vous serez certainement surpris par certaines des chansons qui figurent sur cette liste, qui n’ont toutes pas atteint le sommet qu’elles méritaient absolument.

Les Beach Boys sont considérés comme l'un des plus grands groupes pop-rock américains de tous les temps, avec une composition ambitieuse, des performances impeccables et une production chatoyante qui ont élevé le groupe bien au-delà de ses racines surf-rock, les Beach Boys rivalisant avec les Beatles pour le titre de plus grand groupe des années 1960. Le chef-d'œuvre du groupe est sans aucun doute « Pet Sounds », l'album de 1966 qui a placé la barre plus haut en matière d'utilisation imaginative du studio d'enregistrement et de la gamme d'instruments la plus large possible. Étonnamment, aucun des singles issus de ce qui a été décrit comme l’un des meilleurs albums de tous les temps n’a atteint la première place, mais la plus grande injustice commerciale appartient sûrement à « God Only Knows ».

Une ballade magnifique et riche en harmonies écrite par les auteurs-compositeurs légendaires Brian Wilson et Tony Asher, « God Only Knows » a été reléguée au rang de face B de « Wouldn't It Be Nice », ce qui signifie qu'elle n'a atteint sa 39e place dans les charts que grâce à sa diffusion. Cela a également été affecté par le fait que la chanson a été interdite dans certaines régions en raison de l'utilisation du « Dieu » dans le titre, que certains considéraient comme blasphématoire. Mais au fil du temps, de nombreux artistes et critiques ont salué « God Only Knows » comme la plus grande chanson des Beach Boys.

L'expert de l'industrie et musicien Rick Beato l'a décrit comme la « chanson parfaite » de Brian Wilson tout en décomposant sa complexité. D'autres critiques ont souligné les harmoniques ambiguës qui sous-tendent la chanson, qui reflètent efficacement l'incertitude de celui qui parle et procurent une incroyable résonance émotionnelle. Paul McCartney a un jour décrit « God Only Knows » comme « la plus grande chanson jamais écrite » (via NME), admettant apparemment sa défaite dans sa grande rivalité d’écriture de chansons avec le cerveau des Beach Boys.

Chuck Berry est considéré comme l'un des grands pionniers du rock'n'roll, dont l'influence s'étend sur sept décennies de musique rock et ses innombrables sous-genres. La plus durable de ses chansons est « Johnny B. Goode », le classique de 1958 qui raconte l'histoire d'un pauvre garçon de Louisiane qui échappe à la pauvreté en devenant une star du rock'n'roll – une histoire basée sur la propre vie de Berry – bien qu'avec un certain nombre de différences biographiques.

La chanson est célèbre pour son rythme galopant, son utilisation innovante de l'overdubbing et le refrain entraînant « Go, Johnny, go, go » qui en a fait un plaisir constant pour le public lors d'événements live. La chanson a été reprise d'innombrables fois par des groupes légendaires tels que les Beatles, Jimi Hendrix et les Sex Pistols, démontrant ainsi son large attrait. Il a même joué un rôle principal dans « Retour vers le futur », comme la chanson que Marty McFly joue à la stupéfaction du public d'une salle de danse des années 1950, un clin d'œil à sa fraîcheur dès sa sortie.

Cependant, bien qu'elle soit l'une des chansons les plus légendaires du rock, elle n'a pas réussi à figurer en tête des charts en 1958, languissant à un numéro 80 étonnamment bas et restant sur le Billboard Hot 100 pendant seulement une semaine. Berry devra attendre 1972 pour atteindre un succès n°1, lorsque sa chanson « My Ding-A-Ling » prend la première place pendant deux semaines. Malheureusement, cette chanson n’a pas vieilli aussi bien que « Johnny B. Goode ».

« Kick Out The Jams » est la chanson signature des rockers déchaînés de Détroit MC5, et la chanson titre de ses débuts enregistrés en live en 1969. Le groupe est souvent éclipsé dans l'histoire du rock par son voisin de Motor City, The Stooges, mais même si MC5 n'est peut-être pas aussi connu que l'ancien groupe d'Iggy Pop aujourd'hui, sa musique est considérée par les historiens de la musique comme ayant été tout aussi influente pour les générations d'artistes punk et hard rock qui suivraient son sillage. De plus, MC5 a la particularité d'apparaître sur le Billboard Hot 100 avec « Kick Out The Jams », bien que le morceau n'ait culminé qu'à la 82e place.

Le morceau enregistré en live, qui a été censuré par le label du groupe Electra, a immédiatement semé la discorde, mais il a été rétrospectivement crédité d'avoir donné le ton de rébellion et de révolte qui allait devenir la posture essentielle de la musique rock à partir du milieu des années 1970. La chanson était un appel à l'action : « Que voulons-nous dire quand nous disons 'Kick out the jams' ? Si vous voulez faire quelque chose, faites-le pleinement, n'hésitez pas, allez jusqu'au bout », a expliqué le guitariste Wayne Kramer (via Louder), bien que le titre puisse également être compris comme un commandement d'en finir avec les jam sessions complaisantes qui étaient alors le pain et le beurre de nombreux groupes de rock psychédélique et de rock progressif, pointant encore une fois vers le punk. approche pragmatique.

Sans aucun doute en avance sur son temps, le statut de classique de la chanson n'a fait que croître au fil des années, avec des reprises d'artistes tels que Rage Against the Machine, Blue Öyster Cult et Jeff Buckley, parmi d'innombrables autres.

Le hit emblématique de Journey, « Don't Stop Believin' », est sans doute la chanson rock d'arène ultime, un succès indéniable pour le public qui jouit d'une popularité soutenue depuis sa sortie en 1981. Ses premières mesures présentent une ligne de basse immédiatement reconnaissable, des textures de synthé distinctives et des parties de guitare principales spatiales qui donnent à la chanson une sensation futuriste malgré la nostalgie inhérente aux paroles de « small-town girl ». Cependant, même si les auditeurs modernes peuvent supposer que « Don't Stop Believin' » était le plus gros succès du groupe à son apogée, c'était loin d'être le cas.

« Don't Stop Believin' » a atteint la 9e place en décembre 1981, ce qui a été, rétrospectivement, étonnamment égalé et battu par une série d'autres chansons de Journey, telles que « Who's Crying Now », qui est passée à la 4e place en octobre 1981, et « Open Arms », qui a atteint la 2e place en février 1982 – le classement le plus élevé de la carrière du groupe. Au cours des années qui ont suivi, cependant, il est devenu clair que « Don't Stop Believin' » se démarque des autres albums de Journey comme l'une des chansons de rock classique les plus réussies de tous les temps, devenant multi-platine des deux côtés de l'Atlantique.

Elle a également connu un succès remarquable à l’ère du streaming, étant l’une des chansons rock du XXe siècle les plus jouées au monde. Au moment de la rédaction de cet article, « Don't Stop Believin' » a été diffusé près de 3 milliards de fois sur Spotify, tandis que « Open Arms » en compte un peu plus de 300 millions. Il a figuré en bonne place dans d'autres médias, comme la finale de l'émission HBO « The Sopranos », et reste un favori du karaoké.

Bob Dylan, qui a reçu le prix Nobel de littérature pour ses paroles, a complètement transformé le paysage musical des années 1960. Six décennies plus tard, ses plus grands succès, comme le classique « Like A Rolling Stone », sont uniques dans leur capacité à évoquer l'esprit de rébellion qui a défini l'époque. « Like A Rolling Stone » raconte l'histoire d'un personnage appelé « Miss Lonely », mais il est impossible d'ignorer les détails biographiques qui l'imprègnent.

Le morceau de 1965 a été écrit à l’époque où Dylan était « devenu électrique », démontrant qu’il était prêt à sortir du sillon qu’il avait creusé jusqu’à présent et à s’épanouir en tant qu’artiste – une décision qui a rendu exaspérant une grande partie de ses anciens fans. Les paroles reflètent le désir de Dylan de ne pas s'enraciner dans un seul endroit créatif, la chanson démontrant la fusion de tout ce qu'il avait accompli dans le folk et les nouvelles influences rock qu'il commençait à insuffler dans son travail.

Des artistes célèbres tels que Bruce Springsteen, Frank Zappa et Elvis Costello ont salué le morceau comme étant un élément révolutionnaire qui a modifié l'orientation de la musique rock. Mais étonnamment, bien qu’elle soit l’une des chansons de rock classique les plus acclamées par la critique de tous les temps et qu’elle ait eu un énorme impact culturel, elle n’a pas réussi à atteindre le sommet des charts, atteignant la deuxième place.