Des chansons des années 70 qui ont échoué mais méritaient tellement mieux

Si une chanson est finalement considérée comme un classique, peut-elle vraiment être qualifiée de flop ? Sans doute pas, mais même certaines des meilleures chansons jamais sorties ont connu des sorties difficiles, échouant pour une raison ou une autre à recevoir le succès commercial ou les éloges critiques qu'elles méritaient à l'époque. En regardant avec le recul d'un demi-siècle jusqu'aux années 1970, nous pouvons constater que bon nombre des chansons déterminantes de l'époque méritaient bien mieux.

Les palmarès Billboard des années 1970 étaient extrêmement éclectiques. C’était aussi une époque où l’industrie musicale se développait plus que jamais. Une exposition accrue à la télévision, une couverture médiatique et une diffusion radiophonique d'un plus large éventail de styles musicaux auraient dû signifier que des artistes méritants de tous bords pourraient percer le Hot 100 après avoir trouvé leur auditoire. Mais malheureusement, cela n’a pas toujours été le cas ; en effet, même certains des artistes les plus acclamés de la décennie ont eu du mal à faire sensation dans les charts pour les meilleurs morceaux de leur carrière.

Choisir les plus gros échecs immérités d’une période n’est pas simple, et juger de la valeur d’une sortie musicale est évidemment subjectif. Mais ces cinq enregistrements se ressemblent tous en ce sens qu'ils n'ont pas réussi à attirer l'attention du grand public à l'époque, avant d'être acclamés par la critique en tant que classiques des années 70, tout en comptant parmi les plus belles chansons de la discographie de l'artiste.

On se souvient aujourd'hui de Gil Scott-Heron comme l'un des proto-rappeurs les plus importants des années 1970, dont les chansons politiquement chargées comme « The Revolution Will Not Be Televised » ont inspiré des générations d'artistes hip-hop, dont Public Enemy, Q-Tip et Kendrick Lamar. Cependant, la production de Scott-Heron n'a souvent pas réussi à générer le succès commercial que son impact méritait. Ce fut certainement le cas avec « The Bottle », un morceau soul contagieux de 1974 écrit en collaboration avec le musicien Brian Jackson.

La chanson est typique du travail de Scott-Heron en se concentrant sur les problèmes sociétaux affectant la communauté noire, en l'occurrence l'impact de l'alcoolisme, avec les paroles puissantes de Scott-Heron suggérant métaphoriquement que les personnes concernées sont elles-mêmes piégées dans une bouteille. Scott-Heron était ouvert sur ses propres problèmes de dépendance, et la chanson est remarquable car l'orateur a finalement admis qu'eux aussi étaient dépendants de l'alcool.

Malgré la lourdeur de son thème, « The Bottle » s'est imposé comme un morceau de fête fiable au cours des années qui ont suivi sa sortie et a été largement salué comme un classique du dancefloor. Cependant, il n'a pas du tout réussi à figurer dans les charts en tant que single à l'époque et a été éclipsé par la version de couverture de Brother to Brother, qui est sortie la même année et a atteint la 46e place du Billboard Hot 100. On se souvient peu de cette couverture maintenant, et avec le recul, il semble évident que l'original chargé d'émotion de Scott-Heron méritait bien plus de succès qu'il n'en a reçu.

Si vous ou quelqu’un que vous connaissez avez besoin d’aide pour résoudre des problèmes de dépendance, de l’aide est disponible. Visitez le Site Web de l'Administration des services de toxicomanie et de santé mentale ou contactez la ligne d'assistance nationale de SAMHSA au 1-800-662-HELP (4357).

« Move On Up » est un hymne de la fierté noire édifiant et épique qui compte parmi les 500 plus grandes chansons de tous les temps par Rolling Stone. Pour une chanson qui traverse autant de mouvements, elle présente une perfection qui témoigne de la qualité de l'arrangement de Curtis Mayfield. Tout, des congas entraînantes de la chanson à la ligne de guitare funky de Mayfield et à la voix parfaite sur le refrain, est un pur régal pour les oreilles, et en l'écoutant aujourd'hui, l'estime dans laquelle elle a été tenue au fil des ans est tout à fait justifiable. On ne peut pas en dire autant de sa sortie, du moins en ce qui concerne les charts.

La version originale de la chanson trouvée sur le premier album de Mayfield « Curtis » dure près de neuf minutes, traversant plusieurs passages instrumentaux prolongés. Étonnamment, c'est cette version que les États-Unis ont également reçue en single, et elle n'a absolument pas réussi à figurer dans les charts, probablement en raison de sa longueur, la rendant illisible pour de nombreuses stations de radio à l'époque. Une version allégée est sortie au Royaume-Uni, où elle est devenue un succès, culminant à la 12e place du classement des singles.

Rétrospectivement, il semble que la sortie américaine du single ait été mal gérée. « (Ne vous inquiétez pas) S'il y a l'enfer en dessous, nous allons tous y aller », l'ouverture sombre et funky de Mayfield pour son album éponyme, a atteint la 29e place et a passé 12 semaines sur le Billboard Hot 100, prouvant qu'il y avait un appétit grand public pour l'étonnante marque de funk et de soul de Mayfield. Au fil des années, cette chanson a été complètement éclipsée par « Move On Up », le classique exaltant de Mayfield avec une instrumentation épique et sans doute sa plus grande performance vocale, rivalisée seulement par « Super Fly » dans sa vaste discographie.

L'artiste culte de la soul Shuggie Otis a connu le plus gros succès de sa carrière en 1974, lorsque le morceau « Inspiration Information » a grimpé dans le classement des singles R&B, mais c'est un morceau d'album autrefois négligé de 1971 qui perpétue à lui seul son héritage : « Strawberry Letter 23 ». Un numéro soul décontracté et hypnotique écrit pour la petite amie d'Otis, qui lui envoyait des lettres d'amour sur du papier parfumé, le morceau démontre les compétences de guitare de premier ordre d'Otis – il était assez talentueux dans sa jeunesse pour jouer de la guitare sur les disques de son père Johnny Otis avant sa propre carrière d'enregistrement – et son style d'écriture de chansons idiosyncrasique. Il y a même un aspect méta dans la chanson ; son refrain fait référence à « Strawberry Letter 22 » plutôt qu'à « 23 », suggérant que la chanson elle-même sert de réponse à Otis à la dernière lettre d'amour de sa petite amie.

Le morceau n’est pas sorti en single, mais a tout de même retenu l’attention de plusieurs artistes de l’époque. Il s'agit notamment de The Brothers Johnson, qui a connu un succès majeur avec une version du morceau produite par Quincy Jones en 1977, qui s'est classée n ° 5 sur le palmarès Billboard Hot 100. Mais il est dommage que l'original interprété avec amour d'Otis n'ait pas atteint de tels sommets – bien qu'il ne soit pas aussi brillant que le numéro de The Brothers Johnson, il est traversé par une émotion authentique et la douce performance vocale d'Otis.

Otis est l'un des nombreux artistes dont l'immense talent n'a jamais reçu l'attention qu'il méritait lors de son apogée créative dans les années 1970, mais une réévaluation critique ultérieure l'a vu souligner comme un artiste essentiel dans le développement de l'âme tout au long de cette décennie, même si son travail a été à peine entendu par le grand public. Heureusement, les rééditions du 21e siècle l'ont vu redécouvert par les générations ultérieures de fans de soul.

Le magnifique « Fallin' Rain » figure sur l'album éponyme de Link Wray de 1971, qui est tombé comme une pierre à sa sortie. Pour ceux qui connaissent l’œuvre la plus connue de Wray, « Fallin’ Rain » est un incontournable, montrant un côté particulièrement sombre et poétique de l’artiste dans l’une des chansons de protestation les plus efficaces de l’époque.

Écrite au plus fort des manifestations contre la guerre du Vietnam, la chanson fait référence à la fusillade mortelle d'étudiants manifestants à la Kent State University. Dans son mélange d'images poétiques simples – la pluie qui tombe du titre – et son évocation d'événements du monde réel, elle est comparable aux meilleures chansons de protestation de Bob Dylan et a rassemblé de nombreux admirateurs, dont la légende indépendante Father John Misty et la star country Karl Blau, qui ont tous deux puisé dans la tendresse au cœur de la chanson dans de récentes reprises.

Wray était l'un des guitaristes les plus importants des années 1950, le plus célèbre pour son tube « Rumble » de 1958, un morceau instrumental au tempo lent qui hérisse de menace et a été interdit dans certaines régions en raison de la conviction qu'il était susceptible de déclencher des émeutes. Cela a fait de lui une figure bien-aimée, mais au début des années 1970, il s'était retiré dans sa ferme du Maryland, où il a créé un studio à trois pistes basique dans une ancienne cabane à poulets. C'est là que Wray a finalement enregistré des morceaux pour son album éponyme, dont « Fallin' Rain ». Ce changement explique le son plus bucolique et folk de l'album, qui a aliéné de nombreux fans de ses premiers travaux et explique pourquoi « Fallin' Rain » est resté si longtemps en sommeil. Au fil des années, l'album est devenu considéré comme un disque essentiel de Wray, contenant certaines de ses meilleures œuvres.

Funkadelic de George Clinton était l'un des groupes phares du mouvement funk psychédélique de la fin des années 1960 et du début des années 1970, un genre qui mélangeait des influences rock inspirées de la drogue avec la musicalité des groupes soul et des images trippantes de l'ère spatiale avec des commentaires sociaux mordants. Cependant, ses performances commerciales à l'époque étaient étonnamment médiocres, en particulier en ce qui concerne « Maggot Brain », dont la chanson titre a énormément gagné en stature critique depuis sa sortie.

Le morceau comprend une intro orale suivie d'un solo exploratoire et expressif du guitariste Eddie Hazel, à qui Clinton a demandé de jouer comme si sa mère venait de mourir. Désormais considéré comme l'un des plus grands solos de guitare de tous les temps, le morceau n'aurait probablement jamais été adapté à une sortie en single, mais il est frappant de constater le peu de fanfare qu'il a reçu lors de sa sortie. « Maggot Brain » était le troisième album studio du groupe, ce qui signifie que les critiques étaient déjà habitués au mélange des genres et à la prise de risque qui définissaient les méthodes de travail de Funkadelic. Mais ils ne semblaient pas préparés à la sortie de « Maggot Brain », qui a suscité une réponse sourde dans la presse musicale ; en effet, certains journalistes notables ont qualifié la piste d’exagérée et de complaisante. Vraiment, Funkadelic était en avance sur son temps.