Si vous connaissez ces 5 chansons sous le radar, vous êtes un vrai fan de rock classique

L’ère du rock classique est toujours extrêmement populaire, même si une grande partie de sa meilleure musique a été réalisée il y a plus d’un demi-siècle. Lorsque les magazines musicaux classent les plus grandes chansons et albums de tous les temps, les morceaux créés à l’époque dominent toujours les listes. Ils ont maintenu un auditoire fidèle parmi les baby-boomers et d'autres générations qui ont eu la chance de vivre l'histoire du rock, tout en continuant de trouver un écho auprès des jeunes auditeurs qui souhaitent connaître les morceaux fondateurs qui ont façonné la musique rock qu'ils connaissent aujourd'hui.

Mais alors que de nombreux groupes de rock classique continuent de jouir d’un statut légendaire, même les plus grands artistes de l’époque ont dans leur discographie de superbes morceaux qui sont injustement négligés par les auditeurs occasionnels d’aujourd’hui. Dans cet esprit, voici cinq morceaux d’énormes artistes de rock classique qui méritent un peu plus d’amour. Chacun a été choisi parmi l'un des albums les plus obscurs de l'artiste, et ils ont généralement été éclipsés par d'autres morceaux de ce disque, tels que les titres principaux et les chansons choisies comme singles. Si vous les connaissez déjà, cela signifie que, quel que soit votre âge, vous êtes un véritable fan de rock classique.

La discographie de Led Zeppelin est considérée comme l'un des sommets du rock classique, mais même le groupe britannique légendaire possède des éléments stellaires que de nombreux fans négligent. « Royal Orleans », par exemple, reçoit peu de l'éloge accordé à l'œuvre la plus célèbre du groupe, bien qu'il présente bon nombre des caractéristiques qui ont fait la grandeur du groupe. Nommé d'après un hôtel de la Nouvelle-Orléans où Zeppelin séjournait pendant sa tournée, « Royal Orleans » est un morceau court et précis qui rappelle le groupe dans sa forme la plus dansante grâce aux parties de guitare funky de Jimmy Page et à la section rythmique entraînante du morceau. Avec beaucoup de temps d'arrêt dans l'instrumental, la chanson semble légère et aérée mais s'intègre néanmoins parfaitement dans sa durée de trois minutes. Pour les fans de Zeppelin qui apprécient les morceaux les plus légers du groupe comme « D'yer Mak'er » et « The Crunge », c'est un morceau à ajouter à la playlist.

Le morceau figure sur l’album « Presence » de Zeppelin en 1976, ce qui explique en grande partie pourquoi il a été négligé. Les disques les plus célèbres de la discographie de Zeppelin sont ses quatre albums éponymes. « Presence » était le septième album studio de Zeppelin, après les albums acclamés « Houses of the Holy » et « Physical Graffiti », et c'était le disque où la domination rock du groupe commençait à vaciller. Le chanteur Robert Plant se remettait d'un accident de voiture pendant une grande partie du cycle de l'album, ce qui limitait la capacité du groupe à tourner et à le promouvoir, et il n'a pas réussi à prendre sa place parmi les classiques du Zeppelin. Les critiques rétrospectives ont été plus favorables, même si « Royal Orleans » reste négligé au profit de l'ouverture épique de l'album, « Achilles Last Stand ».

Aujourd'hui, la plupart des morceaux les plus connus des Rolling Stones montrent le groupe dans sa forme la plus fanfaronne et la plus subversive : pensez au blues bratty de « Satisfaction » ou au joyeusement satanique « Sympathy for the Devil ». Mais Mick, Keith et co. sont également adeptes de l'écriture de chansons qui livrent des moments de tendresse surprenante qui démentent leur réputation de rebelle, comme le très endormi « Coming Down Again ».

Le morceau est une ballade au piano magnifiquement mélancolique qui reflète apparemment l'angoisse ressentie par le guitariste et co-compositeur Keith Richards lors de sa création en 1973. Richards a tenté de préciser que les personnages de la chanson ne sont pas autobiographiques. Pourtant, de nombreux fans pensent que « Coming Down Again » parle de sa liaison troublée, initialement alimentée par la drogue, avec Anita Pallenberg, la petite amie de son coéquipier Brian Jones. Il a nié cela dans son autobiographie, « Life », affirmant qu'il s'agissait « juste d'une chanson triste ». Quelle que soit la vérité, Richards est ici sous une forme expressive, offrant une rare performance vocale principale et une partie de guitare principale émouvante qui ajoute un éclat velouté au morceau infusé de gospel.

Cependant, « Coming Down Again » a été largement éclipsé par les plus grands succès du groupe. Non seulement cela, mais sa position en tant que coupure profonde sur l'album relativement inessentiel « Goats Head Soup » signifie qu'il reçoit beaucoup moins d'attention de la part des auditeurs modernes qu'il ne le mérite. Située quelque part entre « Wild Horses » et « Angie » – qui est le point culminant le plus célèbre de l'album – c'est l'une des chansons les plus émouvantes et révélatrices des Rolling Stones.

« Red Money » est un morceau caché à la fin de la deuxième face de « Lodger », le troisième morceau de la trilogie berlinoise de David Bowie. Il a produit le trio alors qu'il vivait à Berlin et a été pendant une courte période colocataire aux côtés de son collaborateur musical Iggy Pop dans la capitale allemande. Mais en vérité, une grande partie du matériel des albums reste relativement négligée par rapport aux époques Ziggy Stardust et Thin White Duke qui les ont précédées et au succès phénoménal de « Let's Dance » qui allait suivre (bien que le premier chapitre de la trilogie berlinoise, « Low » de 1977, soit maintenant considéré comme l'un de ses meilleurs disques).

Sorti en 1979, « Lodger » est sans doute la moins acclamée de la trilogie berlinoise et de l’ensemble de sa production des années 70, tandis que « Red Money » est l’une des compositions les plus controversées de l’album. Le morceau est une refonte du morceau d'accompagnement de « Sister Midnight » d'Iggy Pop, que Bowie a produit pour l'album d'Iggy « The Idiot » au début de leur séjour à Berlin, avec de nouvelles parties de guitare, chant et paroles.

La chanson est généralement rejetée par les fans qui estiment qu'il s'agit d'une réplique trop flagrante de « Sister Midnight », mais on pourrait plutôt affirmer que la chanson est une démonstration de la proximité du travail des deux artistes à ce stade. Les deux chansons servent de serre-livres appropriés à leur période créative fertile à Berlin. Prise isolément, elle reste divertissante selon ses propres termes, même si Bowie lui-même a affirmé que les paroles faisaient référence à son intérêt croissant pour les arts visuels au cours de cette période : « Cette chanson, je pense, parle de responsabilité. Des cases rouges continuent d'apparaître dans mes peintures, et elles y représentent la responsabilité », a-t-il déclaré à Melody Maker en 1979 (via « The Complete David Bowie »).

« Danger Bird » est le deuxième morceau de l'album « Zuma » de Neil Young de 1975, un disque qui lui est attribué ainsi qu'à Crazy Horse, qui s'est reformé après une période de quelques années. La chanson jouit d'une certaine importance sur l'album grâce à son séquençage et a attiré une certaine attention grâce au succès commercial relatif de « Zuma » – qui a culminé à la 25e place du Billboard 200, une place raisonnable dans la discographie de Young – et ses apparitions répétées dans les listes de concerts live de Young. Mais la vérité est que « Danger Bird » a généralement été éclipsé par « Cortez the Killer », l'épopée lyrique de la seconde moitié de l'album que beaucoup considèrent comme la meilleure composition de Young.

Dans la chanson, Young utilise l'image d'un oiseau fossilisé pour décrire une relation brisée et adultère, qui, selon les critiques, pourrait avoir été inspirée par sa relation avec l'actrice Carrie Snodgress. Les paroles « Parce que tu as été avec un autre homme / Te voilà et me voici » sont particulièrement frappantes, même si malgré l'agitation qui sous-tend la chanson, Young évite le lyrisme dense. Au lieu de cela, la chanson regorge de solos de guitare émotifs et déformés, qui sont sans aucun doute parmi les meilleurs de sa carrière.

Bien qu'il soit relativement inconnu de nombreux fans de rock classique, « Danger Bird » a eu des admirateurs notables au fil des ans. Lou Reed du Velvet Underground, par exemple – l'homme qui a décrit le fait de jouer de la guitare comme la partie la plus importante de sa religion – a affirmé que le jeu de Young sur « Danger Bird » était le meilleur qu'il ait entendu. Cet applaudissement à lui seul signifie que tout fan de guitare devrait se sentir obligé d’y jeter un œil.

Peu de chansons des Beatles descendent dans les Fab Four échangeant une volée d'aboiements et de hurlements de chiens excitables, ce qui explique peut-être pourquoi « Hey Bulldog » n'a pas été sélectionné comme single lors de son enregistrement en 1968. Mais ce morceau relativement peu connu est un joyau qui montre le groupe dans sa forme la plus libre et la plus ludique, et il fera sourire tout fan des Beatles. La chanson est construite autour d'une partie de piano groovy qui ressemble à la musique principale d'une comédie d'espionnage des années 60. John Lennon livre des paroles typiquement surréalistes mettant en vedette des chiens de berger et des bouledogues, ainsi qu'un « tu peux me parler » chanté avec aigreur dans le refrain. Il y a quelque chose d'agréablement maniaque dans la chanson, mais juste pour prouver l'apogée de l'écriture des Beatles à ce stade de la carrière du groupe, elle est également accrocheuse et accessible.

La chanson a été écrite principalement par John Lennon et enregistrée en 10 prises sur 10 heures comme ajout de dernière minute au film « Yellow Submarine » du groupe de 1969. Il figure sur l'album de la bande originale, qui est loin d'être considérée comme l'un des disques incontournables du groupe. Par conséquent, « Hey Bulldog » ne figure généralement pas sur de nombreuses listes de lecture des plus grands succès des Beatles, mais il est aussi amusant et attachant que tout ce qu'ils ont publié au cours des dernières années d'existence du groupe.