5 albums rock qui ont défini les années 90

D’un point de vue musical, les années 1990 ont été une décennie de transformation alors que la culture évoluait dans diverses directions. Il y a eu l'explosion du grunge, qui a popularisé plusieurs groupes de Seattle, dont Pearl Jam, Alice in Chains, Soundgarden et, surtout, Nirvana. Puis il y a eu le boom de la Britpop, avec Oasis en tête, suivi par Blur, Pulp, Suede et d'autres groupes. Pendant ce temps, alors que le hip-hop évoluait grâce à la créativité de Snoop Dogg, Dr. Dre, Jay-Z et Tupac, les charts pop regorgeaient de succès de Britney Spears, Backstreet Boys, Mariah Carey et Spice Girls.

Pendant ce temps, des divisions se formaient à mesure que de nouveaux genres, sous-genres et sous-sous-genres émergeaient, du rock alternatif à la country pop en passant par le ska punk, chacun trouvant ses fans comme le punk et la new wave l'avaient fait au cours de la décennie précédente. Parmi les milliers d'albums sortis au cours des années 90, en choisir une poignée du genre rock qui illustre cette période de 10 ans serait apparemment la tâche ultime du fou. Pourtant, si l’on considère l’immensité de ces sorties, certaines refont inévitablement surface, que ce soit à cause des éloges de la critique, de leur popularité durable ou de la pure nostalgie. Dans cet esprit, voici un aperçu de cinq albums rock qui ont défini les années 90.

Dès sa sortie en 1991, « Nevermind » de Nirvana a explosé comme une grenade musicale, envoyant des éclats d’obus de Seattle à travers le monde tout en posant les bases de ce qui allait devenir le grunge. Grâce à des tubes comme « Smells Like Teen Spirit », l’une des chansons qui définissent le grunge des années 90, l’album est rapidement devenu une sensation. Il a passé 700 semaines dans le Billboard Top 200 et s'est vendu à 30 millions d'exemplaires, propulsant le genre vers le grand public.

Comparé à la production soignée et riche en synthés qui caractérisait une grande partie de la musique des années 80, « Nevermind » était une fureur brute, avec des guitares fortes et déformées propulsées par la batterie puissante de Dave Grohl et les gémissements évocateurs du leader Kurt Cobain. « Teen Spirit » a établi le modèle des succès ultérieurs de Nirvana, démarrant avec un son de guitare calme et clair qui progresse vers une explosion de riffs aux tons fuzz. La rendant plus agréable au goût que le punk brut qui a influencé Cobain et ses contemporains, la production de Butch Vig est venue forger le son grunge des années 1990, axé sur la guitare. « Cela a défini cette époque particulière », a déclaré Vig à Billboard à propos de « Nevermind ». « Cela a évidemment profondément changé ma vie et j'en suis toujours très fier. »

Il ne fait aucun doute que « Nevermind » a créé un changement, non seulement dans la musique mais dans la culture populaire et même dans la mode. Alors que les fans adoptaient le son plus dur de Nirvana, les jeans déchirés et la flanelle à carreaux sont entrés dans le domaine de la haute couture. « C'était un timing parfait lorsqu'il y a eu un changement dans la musique et cela a semblé être une révolution », se souvient Vig dans une interview avec NME.

Alanis Morissette avait environ 12 ans lorsqu'elle a commencé à apparaître dans la série de sketchs comiques pour enfants de Nickelodeon « Vous ne pouvez pas faire ça à la télévision ». Quelques années plus tard, elle s'est lancée comme chanteuse pop adolescente dans son Canada natal, et son premier album, « Alanis » de 1991, n'était pas ce que vous pensez : des chansons pop insipides dans la veine Debbie Gibson/Tiffany. Elle est restée dans cette voie pour son suivi de 1992, « Now Is the Time », mais a été abandonnée par son label après l'échec de cet album. Morissette a ensuite eu du mal à retrouver sa voix. Le résultat fut « Jagged Little Pill », sa percée en 1995 avec un son de guitare brut, très éloigné de la teen-pop moelleuse de ses albums précédents. Pourtant, il conservait suffisamment de crochets pour que ses chansons ressemblant à des hymnes soient suffisamment entraînantes pour être fredonnées.

La chanson phare de l'album, « You Shoulda Know », est quatre minutes et neuf secondes de pure rage dirigée contre un ex infidèle. Alors que la voix de Morissette vacille au début tandis qu'un groove funky axé sur les basses émerge, elle monte en un crescendo semblable à celui d'une banshee alors que les guitares et la batterie déformées entrent en jeu. « Je veux dire, j'écrivais juste sur ce à quoi je pensais, je réfléchissais et je ruminais, ce par quoi j'étais torturé ou ce à quoi j'aspirais à l'époque », a déclaré Morissette au New York Times. Même si le succès de « Jagged Little Pill » semble inévitable avec le recul, l’album a effrayé de nombreuses maisons de disques potentielles. « Ils avaient juste peur de l'intensité de la situation, pour être honnête », a déclaré Morissette à CBC.

Alors que le grunge était un phénomène majoritairement américain, une toute autre évolution rock se déroulait de l’autre côté de l’Atlantique. Surnommé Britpop, l'accent était mis sur un son de guitare, doté de crochets accrocheurs et d'une production lumineuse. À la pointe de la lance se trouvait Oasis, le groupe de Manchester formé par les frères Liam et Noel Gallagher.

En explorant la vérité indescriptible d’Oasis, il est clair que le son du groupe était en place avec son premier album en 1994, « Definitely Maybe ». L'album présentait une production chatoyante et un son de guitare rock qui incorporait la sensation fanfaronne des groupes de « Madchester » comme The Stone Roses et Happy Mondays aux côtés de la bravoure du punk tout en rendant un sérieux hommage aux Beatles de la fin de l'époque. Mais c'était la suite de 1995 : « (Quelle est l'histoire) Morning Glory ? » – qui a vraiment propulsé le groupe dans la stratosphère. Avec des succès tels que « Wonderwall », « Don't Look Back in Anger » et « Champagne Supernova », l'album s'est vendu à 22 millions d'exemplaires. Il est devenu l’un des albums les plus vendus de la décennie tout en ouvrant la voie au drame en cours entre les frères en guerre.

Selon l'artiste Brian Cannon, qui travaillait avec le groupe depuis le début, le succès massif de cet album a transformé Oasis d'un nouveau groupe indépendant en vogue en superstars internationales. « C'est à ce moment-là que vous entrez dans le domaine des femmes au foyer qui n'achètent jamais de disques et qui achètent votre disque », a déclaré Cannon à Sky News. « Pour devenir aussi massif qu'ils l'ont fait, vous devez atteindre ce niveau où les gens qui n'achètent tout simplement pas de disques achètent vos disques. Et c'est ce qui s'est passé. »

Les Smashing Pumpkins ont surfé sur la vague grunge lorsqu'ils ont émergé en 1991 avec leur premier album, « Gish ». Mené par le chanteur/compositeur/guitariste Billy Corgan, le son du groupe a continué d'évoluer dans son deuxième album, « Siamese Dream » de 1993. Mais c'est le double album de 1995, « Mellon Collie and the Infinite Sadness », qui a propulsé les Pumpkins au niveau supérieur, se vendant à plus de 10 millions d'exemplaires grâce à des succès comme « 1979 », « Tonight, Tonight » et « Bullet with Butterfly Wings ». Un album tentaculaire, éclectique et magnifique, « Mellon Collie » mélange des éléments de grunge, de glam, de pop, de métal, de rock alternatif et à peu près tout le reste, regorgeant d'hymnes rock qui ont servi de bande originale à la génération X angoissée par les adolescents.

Cependant, le label du groupe a estimé que sortir un double album rempli de matériel diversifié sur le plan sonore serait un désastre, surtout à un moment aussi crucial dans l'évolution du groupe. « Une fois que j'en ai parlé à la maison de disques (Virgin) et que je me suis battu pour faire de l'album un double album, la maison de disques a pensé que c'était la décision de carrière la plus suicidaire que l'on puisse faire », a déclaré Corgan à Guitar Player en 2025. « Ils pensaient que c'était la chose la plus stupide au monde », a-t-il ajouté plus tard.

Comme Corgan l'a rappelé, il a écrit plus de 50 chansons en vue d'une éventuelle inclusion et il a ressenti une énorme pression pour livrer des succès. En repensant à cette expérience, il ne sait toujours pas pourquoi l'album a aussi bien fonctionné. « C'est encore un mystère pour moi », a-t-il ajouté. « À l'époque, c'était comme une sorte de désordre fou. »

Rétrospectivement, le consensus général est que la mort en 1994 du leader de Nirvana, Kurt Cobain, a marqué le début de la fin du grunge. Ironiquement, c'est le batteur du groupe, Dave Grohl, qui a ouvert la voie à la musique rock en dévoilant le premier album éponyme des DIY Foo Fighters, sur lequel il a joué de tous les instruments. Pour le deuxième album studio des Foo Fighters, Grohl avait constitué un groupe – composé du guitariste Pat Smear, du bassiste Nate Mendel et du batteur William Goldsmith (qui a démissionné peu de temps après et a été remplacé par Taylor Hawkins) – et l'énergie de ce groupe était palpable dans « The Color and the Shape » de 1997. Grohl considérait l'album comme le premier véritable album des Foo Fighters. « Nous avons fait un disque que je considère comme un grand pas en avant pour le groupe », a déclaré Grohl à Melody Maker (par FooArchive). « Pour un premier album, c'est plutôt bien. »

D'un point de vue sonore, Grohl était allé au-delà du grunge, recherchant un son plus expansif, faisant référence au hard rock des années 70 tout en prenant ce son dans une toute nouvelle direction. « J'ai fait des disques punk, et ils sont amusants et géniaux, c'est rapide et il y a de la passion », a déclaré Grohl à Louder à propos de ce qui différenciait « The Color and the Shape » de son prédécesseur. « Mais c'est ce que j'ai fait avec le premier disque. Je n'ai jamais fait de gros disque de rock avant, alors pourquoi pas ? Les gens ne semblent plus le faire, alors autant tenter le coup. »