5 chansons classiques dont vous ignoriez qu'elles ont été écrites pour d'autres légendes de la musique

Les musiciens qui n'écrivent pas leur propre musique sont-ils en réalité des musiciens, ou sont-ils de simples marionnettes de maisons de disques, dansant pour les dirigeants aussi sûrement qu'ils dansent pour le public ? Nous n’en sommes pas tout à fait sûrs. Mais nous savons que de nombreux musiciens célèbres sont sur le point de devenir des artistes de reprises. Pour chaque auteur-compositeur-interprète respecté comme Tracy Chapman, pour un groupe historique comme les Beatles ou pour un superbe groupe moderne comme le groupe doom italien mêlé de blues et de psychédélisme Messa (c'est un deep cut, les gens), il existe toute une industrie au sein de l'industrie musicale d'artistes interprétant de la musique écrite par d'autres personnes. Cela comprend certains des plus grands classiques du siècle dernier.

Beaucoup d’entre nous savent désormais que certains artistes, comme Lady Gaga et Sia, ont autrefois écrit de la musique pour d’autres avant de se lancer seuls. Dans leur cas, cela inclut l’écriture de chansons pour Britney Spears et Beyoncé, respectivement. D'autres chansons ont été écrites à l'origine pour un artiste avant d'être revendiquées par un autre. « Holiday » n'a pas été écrit pour Madonna, par exemple, mais pour Mary Wilson des Supremes. « Qu'est-ce que l'amour a à voir avec ça » a été proposé à Cliff Richard, Donna Summer et d'autres avant Tina Turner. « I Don't Want to Miss a Thing » n'a pas été écrit pour Aerosmith mais pour Céline Dion (c'est logique). « Shape of You » n'a pas été écrit pour Ed Sheeran mais pour Rihanna. Cela continue encore et encore, tous aussi surprenants les uns que les autres.

Mais ce qui pourrait être encore plus surprenant, c’est qu’il ne s’agit pas d’une pratique rare ou nouvelle, loin s’en faut. En remontant à « Happy Together » des Turtles en 1967, en passant par « Hungry Heart » de Bruce Springsteen, voici quelques chansons classiques initialement destinées à différents artistes.

Disons que vous faites partie d'un groupe qui échoue et dont l'avenir est incertain. En d’autres termes, la plupart des groupes. Et comme EverTune n'a pas encore été inventé, vous devez constamment jouer avec vos cordes. Un jour, votre batteur entend quelque chose pendant que vous jouez du violon, une mélodie involontaire que vous avez pincée en accordant. C'est fort, serré et accrocheur, alors le batteur vient vers vous, le guitariste, et vous dit que votre groupe devrait en faire une chanson. Toi qui es un idiot, dis non. Ensuite, vous entendez les Tortues jouer cette chanson à la radio et l'appeler « Happy Together ». Il atteint la première place du Billboard Hot 100 en mars 1967, juste avant le célèbre Summer of Love.

C'est précisément ce qui s'est passé lorsque le batteur Alan Gordon des Magicians a contacté le guitariste Allan Jacobs. Jacobs, pour une raison quelconque, ne voulait pas utiliser cette chanson courageuse, alors Gordon l'a développée avec le chanteur Garry Bonner. Les deux en ont fait une démo et ont essayé de la vendre à un groupe de groupes, dont The Happenings, The Tokens et The Vogues. Ils ont tous dit non, mais les tortues en difficulté ont dit oui. Après cinq singles ratés d'affilée, le groupe a entendu le potentiel du morceau abandonné des Magicians. « C'était assez basique, mais on pouvait dire à la ligne mélodique que ça allait être fort », a déclaré le batteur des Turtles, John Barbata, à Uncut.

Non seulement « Happy Together » est resté n°1 pendant trois semaines, mais c’est aussi le plus gros succès des Turtles. De plus, le succès de la chanson nous a valu le clip avec le chanteur du groupe, Mark Volman, cet étrange corniste gambadant qui ressemblait à Jonah Hill de « Superbad ». Pas trop mal.

Est-ce tout à fait bizarre de penser qu’Elvis et David Bowie étaient contemporains ? Non seulement c’est le cas, mais David Bowie a écrit une chanson à Elvis. En 1975, juste à la fin de la guerre du Vietnam et deux ans avant qu'Elvis ne meure à l'âge de 42 ans, Bowie a écrit « Golden Years » spécialement pour lui.

De l'ouverture – « Ne me laisse pas t'entendre dire que la vie / Ne t'emmène nulle part » – aux trois notes sur « bien » dans la ligne, « J'ai eu de la chance et tu as regardé dans le temps / Ne regarde jamais en arrière, marche droit, agis bien », Bowie a fabriqué à la main « Golden Years » pour le registre vocal d'Elvis. Vous pouvez l'entendre aussi et imaginer facilement la voix chantante et musclée du roi du rock'n'roll qui martèle les lignes. Même le sujet correspond à Elvis à la fin de sa carrière en déclin, qui coïncide avec l'ascension de Bowie vers la gloire et sa forte consommation de drogue au milieu des années 70. Cette époque a commencé avec l'adoption par Bowie de son personnage de Thin White Duke – l'un de ses looks les plus célèbres – dans « Station to Station » de 1976. Tel que rapporté par Far Out Magazine, Bowie a déclaré au Daily Express que le personnage était censé être un clown triste « essayant de peindre la vérité de notre époque ». « Golden Years » a fini par être le deuxième morceau de « Station to Station ».

À l'époque, Elvis et Bowie étaient signés sur le même label, RCA, et le manager d'Elvis, le colonel Tom Parker, pensait que le duc et le roi formeraient un bon couple d'auteurs-compositeurs. De toute évidence, Elvis a effectivement entendu une démo de « Golden Years », mais soit il l'a transmise, soit la collaboration ne s'est jamais concrétisée pour une raison quelconque. Et c’est ainsi que « Golden Years » n’est pas devenu une rétrospective d’Elvis sur la décadence et l’illusion inhérentes à la célébrité, mais une vision de Bowie alors présent.

Peu d'artistes pourraient être aussi liés à une chanson que John Denver l'est à « Take Me Home, Country Roads » (appelé ici « Country Roads »). Pratiquement chaque ligne respire les stéréotypes des Appalaches – pays, routes, montagnes, maman, maison, rivières, arbres, mines, clair de lune, etc. – qui semblent parfaitement adaptés à John Denver. Sauf qu'il était destiné à convenir au plus sombre des auteurs-compositeurs-interprètes à la voix grave : The Man in Black lui-même, Johnny Cash.

« Country Roads » nous vient du duo folk mari et femme Fat City (Bill Danoff et Taffy Nivert), qui a sorti quelques disques à la fin des années 60 et au début des années 70. Cependant, l'inspiration originale de Danoff en matière de routes de campagne ne se trouvait pas en Virginie occidentale, mais à Gaithersburg, dans le Maryland. De plus, il allait utiliser « Massachusetts » dans la première ligne après « Presque paradis » au lieu de Virginie-Occidentale, c'est-à-dire le mot le plus disgracieux et le moins lyrique qui soit. Quant à Denver, il n'avait pas encore mis les pieds en Virginie-Occidentale au moment où la chanson a été écrite, mais il a demandé à Fat City de faire la première partie pour lui un soir de 1970.

Denver a contacté Fat City pour le soutenir au Cellar Door à Washington, DC, où Danoff a également travaillé comme portier. Après que Denver ait terminé son set la nuit suivante, Fat City l'a rejoint sur scène pour un rappel, « Country Roads ». Le public l'a adoré et Denver l'a enregistré et sorti en 1971. Il n'est même pas clair si Cash savait que la chanson lui était destinée, mais Danoff savait que la chanson était un succès potentiel. « Les paroles étaient jolies, le refrain était sympa, ça faisait du bien de chanter », le cite Country Living, tout aussi simplement que « Country Roads ».

Vous savez ce que Peter Wolf aurait dû dire à Tom Petty lorsque Petty a enregistré la chanson qu'il voulait pour Wolf ? « Ne me fais pas comme ça! » S'il y avait une goutte de mésentente entre eux, ce n'était pas le cas. C'est parce que Petty, à un moment donné à la fin des années 70, a écrit « Don't Do Me Like That » pour que Wolf l'utilise avec le J. Geils Band.

Le J. Geils Band faisait partie de ces groupes des années 70 attachés à une figure centrale, comme Tom Petty and the Heartbreakers, Bruce Springsteen and the E Street Band, Bob Seger & the Silver Bullet Band, etc. Le J. Geils Band doit son nom à son guitariste, bien que ce soit le chanteur Peter Wolf, qui était ami avec Petty. En 1977, Petty et son groupe ont fait la première partie du J. Geils Band, même si le groupe a finalement dépassé la tête d'affiche de l'époque en termes de popularité. Wolf et Petty sont devenus de si bons amis lors de cette tournée que Petty a écrit « Don't Do Me Like That » et l'a envoyé à Wolf sur une cassette. « Hé, je pense que ce serait une chanson sympa pour toi », a écrit Petty sur la note ci-jointe, comme Wolf l'a raconté à Rolling Stone. « Je pense que vous et le groupe (Geils) pouvez vraiment faire quelque chose avec ça. »

Pour faire court, Wolf a dit qu'il aimait la chanson mais qu'il n'en voulait pas. Petty n'en était pas sûr, mais son équipe l'a convaincu de l'enregistrer. Petty a ensuite remercié Wolf de ne pas avoir pris la chanson, car elle est devenue le premier hit du Billboard Top 10 des Heartbreakers.

Quand les gens pensent à Bruce Springsteen, ils pensent sans aucun doute au rock terre-à-terre, familial et ouvrier. En écoutant « Born to Run » de 1975 – la chanson éponyme étant son premier hit dans le Top 40 – vous pouvez entendre comment sa musique allait dans cette direction. La même direction qui l'a conduit à « Nebraska » de 1982 et à « Born in the USA » de 1984. Mais entre ces époques, le Boss (un surnom emblématique qu'il déteste, d'ailleurs) a failli dévoiler un morceau critique de sa discographie, qu'il n'a jamais écrit pour lui-même mais pour les Ramones : « Hungry Heart ».

S'il n'est pas possible d'entendre comment « Hungry Heart » a été écrit pour être une chanson punk pour les Ramones, il est au moins possible d'entendre comment le morceau pop rebondissant et enjoué – dans lequel Springsteen n'a même pas besoin de jouer de la guitare – est une anomalie dans le catalogue du Boss. Springsteen a rencontré les Ramones en 1979 dans une salle où le groupe se produisait, a aimé les gars et a décidé d'écrire une chanson pour eux. Comme il l'a dit à Howard Stern fin 2024, il est rentré chez lui le soir même, a griffonné une chanson en 20 minutes environ et l'a présentée à son manager, Jon Landau, qui a dit non. Landau, assez intelligemment, a entendu son potentiel et a reconnu que les chansons plus pop de Springsteen gagnaient en popularité. Les Ramones ne l'ont même jamais entendu.

Mais le public de Springsteen l’a définitivement entendu. Comme Springsteen le dit dans cette même interview, son public était en grande partie confiné aux jeunes hommes jusqu'à ce qu'il sorte « Hungry Heart » sur « The River » des années 1980. Non seulement c'était le premier succès du groupe dans le Top 5 du Billboard Hot 100, mais lui et son groupe sont soudainement devenus un groupe de « rendez-vous en amoureux », avec des femmes réparties dans la foule.