5 chansons de rock moderne que nous allons répéter jusqu'au jour de notre mort

Essayez de dire à un jeune de 20 ans que Soundgarden est du « rock moderne » et vous obtiendrez probablement un regard « ok, boomer », s'il a même entendu parler de Soundgarden. Mais aussi étrange que cela puisse paraître, le « rock moderne » ne signifie pas seulement le rock sorti mardi dernier. Cela signifie un rock différencié de tous les chefs-d’œuvre sans précédent du « rock classique » du milieu des années 60 au début des années 80. Le rock moderne couvre la fin des années 80 jusqu'à nos jours – une époque d'éclectisme musical, d'évolution itérative et de croisements de genres. Environ deux fois plus longtemps que la période du rock classique, cela représente beaucoup de temps pour rechercher seulement cinq sélections stellaires que nous diffuserons jusqu'à notre mort.

Nous avions besoin de règles de base pour cette entreprise. Malheureusement, cela signifiait éliminer le métal de tous types de notre radar, peu importe à quel point il était tentant de tirer du « Black Album » de Metallica, des groupes de nu-metal grand public comme Korn, et du métal avec un attrait plus large, comme Pantera. Nous avons également dû faire l'impasse sur les groupes les plus contemporains qui méritent amplement notre attention et qui pourraient accéder à un statut panthéonique à l'avenir, comme The Warning, un superbe trio de sœurs mexicaines. De plus, nous n'avons ni évolué vers une liste stupide des plus grands succès surjoués comme « Smells Like Teen Spirit », ni vers une diatribe sur des chefs-d'œuvre obscurs et personnellement appréciés, aussi bons soient-ils.

Finalement, tous ces morceaux étaient dans l'air du temps à leur sortie (difficile de qualifier, on le sait), mais ont aussi une tenue dans le temps. Cela signifie qu'ils conservent quelque chose d'universel lié à l'âme et à l'histoire du rock, tout en étant excellents en eux-mêmes. Et par souci de brièveté, nous n’avons eu d’autre choix que d’omettre un grand nombre de chansons incroyablement dignes.

Oui, oui, oui, fans de Radiohead : on se connaît et on s'installe. Vous pensez probablement que « Pyramid Song », « Everything In Its Right Place », « Weird Fishes/Arpeggi », « Street Spirit (Fade Out) » ou une douzaine d’autres chansons sont les meilleures, les plus spéciales et les plus étonnantes chansons de Radiohead de tous les temps. Mais nous ne parlons pas de préférence personnelle. Si vous vous arrêtez et pensez à Radiohead, un groupe improbable de l'ère Grunge qui a commencé comme de simples mecs avec des guitares, mais s'est transformé en ce qui est essentiellement le groupe de rock fusion avant-gardiste, étrangement inventif et profondément émouvant au monde le plus aimé et le plus écouté (45 millions d'auditeurs mensuels de Spotify), alors vous verrez que c'est « Ok, Computer » de 1997 qui doit nous accorder une sélection dans notre petite liste de cinq chansons.

« Ok, Computer » est l'album qui, au tournant du millénaire, a marqué non seulement une séparation de Radiohead de lui-même, mais aussi une séparation de la lignée post-post-punk-meets-metal des années 90 qui remontait aux années 70 et s'est effondrée après la mort de Kurt Cobain. En d’autres termes, « Paranoid Android » n’est pas seulement une superbe sortie musicale à part entière, réécoutable de manière imminente et pleine de mouvements distincts et mémorables et de mini-vers d’oreille, mais nous pouvons le considérer comme représentant et encapsulant tout un morceau de temps musical. Ce n'est pas non plus si loin dans la voie du prog que les fans plus occasionnels de Radiohead (si une telle chose existe) ou les fans de rock en général ne peuvent pas le comprendre.

Non seulement « Paranoid Android » a été inspiré par « Bohemian Rhapsody » de Queen, mais il a également fait des comparaisons avec le morceau lors de sa sortie, tant de la part des critiques que des fans. Peu importe sa précision ou sa portée, même la simple suggestion selon laquelle « Paranoid Android » a résisté à un tel chef-d'œuvre mérite d'être pris en considération pour notre liste.

Avec de gros éléments symphoniques grandiloquents, plus qu'un jeu de piano extrêmement talentueux mélangé à des sections pilotées par des synthés, d'énormes hymnes de stade, des coups de guitare de haut niveau et même une composition acoustique étrange, magnifiquement émouvante et plaintive comme « Unintended » de « Showbiz » de 1999, Muse est un groupe de musiciens rock vraiment inhabituels et exceptionnels. Peu importe à quel point les purs et durs peuvent se plaindre de l'écriture de plus en plus tiède du groupe et de ses paroles toujours vagues et contestataires, tout le monde se tait lorsque vous mentionnez « Origin of Symmetry » de 2001 ou « Absolution » de 2003. Mais en réalité, il y a une chanson, et une seule, qui se situe non seulement au sommet de la liste des morceaux de Muse, des morceaux de rock des années 2000, mais aussi du rock du 21e siècle en général : le spectacle permanent de Muse plus proche, « Knights of Cydonia » de « Black Holes and Revelations » de 2006.

Par où commencer avec celui-ci ? Aussi complexe et nuancé que percutant et irrégulier, débordant de l'énergie implacable des tambours au galop et des riffs serrés, un crescendo dans l'un des outros les plus explosifs des dernières décennies, « Knights of Cydonia » est une chanson rock dingue et unique en son genre avec une valeur de relecture presque illimitée. De plus, nous devons faire référence à son clip vidéo, qui a acquis un statut légendaire à part entière.

Vous voulez des robots tirant des lasers et une valkyrie du désert chevauchant une licorne, à côté d'écrans holographiques dans des salons occidentaux remplis de confrontations d'arts martiaux ? Cette vidéo vous couvre. Mais même sans son clip, « Knights of Cydonia » est un rock de premier plan, irrépressible, qui plie les genres, débordant de choix de composition et de créativité gonzo. Que veux-tu d'autre ?

Anciens auditeurs, faites-nous confiance sur ce point. Dès la première phrase sur laquelle Josh Kiszka, le chanteur de Greta Van Fleet, chante, eh bien, n'importe quelle chanson, vous jurerez que vous écoutiez une vaste archive déterrée de morceaux perdus de Led Zeppelin (avec des valeurs de production modernes). Il ne s'agit pas seulement de la voix de Kiszka, mais aussi de la composition de Van Fleet, qui se concentre sur l'écriture de chansons bien développées et contenues, d'une longueur adaptée à la radio, suffisamment transparentes pour être comprises par un public plus large, tout en étant suffisamment denses pour être engageantes. Tout cela d'un groupe qui est le groupe le plus récent et le plus jeune de notre liste, dont chaque membre a moins de 30 ans au moment de la rédaction. Mais en 2017, lorsque « From the Fires » est sorti, les quatre membres de Van Fleet – dont trois sont des frères et sœurs Kiszka et deux d'entre eux sont des jumeaux, Josh et Jake – étaient d'autant plus jeunes.

Nous allons nous contenter de « Safari Song » de « From the Fires » parce que c'est un rocker festif si simple et contagieux qui déborde d'énergie juvénile, propulsé par des riffs époustouflants que l'oreille profane peut suivre mais qui ne sont pas non plus amateurs. En bref, cette chanson spécifique de cet album spécifique et de ce groupe spécifique est un rock du meilleur attrait intergénérationnel qui comble le fossé entre le classique et le moderne, peut attirer des foules de tous horizons et gratte la même démangeaison bluesy et groovy que celle des groupes comme The Black Keys et The White Stripes.

Il y a lieu de faire valoir que c’est cela le rock. Comme Kiszka l'a dit à American Songwriter : « J'aime le fait que (la musique soit) le langage universel… Les gens se rassemblent dans de grands espaces, côte à côte, pour… en retirer quelque chose qui, encore une fois, transforme les espaces et les gens qui s'y trouvent.

Alors que le rock moderne a de nombreux visages – créatif, cérébral ou fêtard – il existe un autre visage du rock moderne qui reflète son époque contre-culturelle du milieu des années 60 : le mécontentement rebelle. La rébellion de la contre-culture du milieu des années 60 aurait pu prendre la forme d’amour libre, de fleurs et de guitares acoustiques, mais ce n’est qu’une façon d’aller à l’encontre des pouvoirs bellicistes en place, et une façon qui convenait à l’époque. Parfois, le défi ressemble à ça, et d’autres fois, il ressemble vraiment, vraiment à la colère. Et pourrait-il y avoir une meilleure incarnation de tels sentiments que le toujours pertinent, bouillonnant et courroucé Rage Against the Machine ?

Plus dur que beaucoup d'autres groupes de rock, mêlant rap des années 90, biaisant parfois le métal et contournant les règles musicales jusqu'au travail de guitare de Tom Morello, nous pourrions presque exclusivement choisir des chansons de Rage pour remplir leur rôle unique dans cette liste. « Killing In the Name », « Wake Up », « Guerilla Radio » ont tous leur place, mais en réalité, « Bulls on Parade » remporte le gâteau – ou plutôt les cartouches de fusil de chasse.

« Bulls on Parade » a un flow si scandaleux, mêlé à un son de guitare brutal et à la voix grinçante des dents de Zach de la Rocha, qu'il représente non seulement le meilleur de la soul indomptée du rock moderne, mais peut être écouté encore et encore. De plus, même si l'esthétique du groupe ne correspond peut-être pas, nous pouvons prendre « Bulls on Parade » pour adopter la même attitude de « vous ne pouvez pas me dire-quoi-faire » en tant que cousin plus sale et aux cheveux plus hérissés du rock, le punk.

En grande partie grâce à la voix de la regrettée et bien-aimée chanteuse Dolores O'Riordan, le tube ultra-smash des Cranberries de 1994, « Zombie », émeut les gens aussi puissamment aujourd'hui qu'à sa sortie. C'est une chose de chanter la guerre et la violence en tant que sujets de discussion conceptuels dans un sens éloigné et abstrait, et c'en est une autre de rendre leurs réalités de terrain saillantes et visibles. C'est la grande réussite de « Zombie », mis à part sa mélodie incroyablement accrocheuse, sa structure de chanson d'une simplicité trompeuse et ses parties de guitare grattées. Bon sang, même la reprise de « Zombie » de Bad Wolves en 2018 – à l'origine une collaboration avec O'Riordan avant sa mort – a dépassé les 500 millions d'écoutes et de vues, respectivement sur Spotify et YouTube.

En effet, « Zombie » fait partie de ces chansons si riches en profondeur émotionnelle et en valeur sociale, outre ses qualités musicales, qu'elle mériterait cette liste même si elle comptait 10 000 écoutes Spotify et non 1,6 milliard. C'est du rock dans sa forme la plus sincère, écrit pour exprimer « beaucoup d'expériences de vie différentes : naissances, décès, guerre, douleur, dépression, colère, tristesse », comme l'a déclaré O'Riordan à Songwriting Magazine. Et bien sûr, O'Riordan a écrit « Zombie » vers la fin de The Troubles, un enchevêtrement de 30 ans d'effusion de sang sectaire (1968 à 1998) en Irlande, d'où O'Riordan était originaire.

O'Riordan a d'abord été poussé à écrire « Zombie » après qu'une bombe liée au conflit dans une poubelle ait explosé et tué deux enfants, dont l'un avait 3 ans. D'où les enfants du clip de la chanson qui courent dans un paysage déchiré par la guerre, tandis qu'un O'Riordan peint en or se dresse comme une idole parmi eux. Point bien fait et retenu.