Le monde de la musique rock atteignait son apogée en 1969. Plus d’une demi-décennie après la Beatlemania, la contre-culture, le flower power et le psychédélisme des années 1960 avaient complètement transformé le genre, qui était désormais ouvert à un plus grand expérimental sonore et à une palette tonale plus large.
Mais la fin des années 1960 voit aussi le mouvement hippie se replier sur lui-même. Le légendaire festival de Woodstock a été gâché à bien des égards, et des désastres comme celui d'Altamont et la prise de conscience que certains coins de la contre-culture, comme le club de motards Hells Angels et la secte de la famille Manson, étaient habités par des criminels vraiment dangereux, se sont reflétés dans la musique de l'époque, qui est devenue de plus en plus aigre au cours des années qui ont suivi. La guerre du Vietnam a continué à coûter la vie à des milliers de jeunes Américains et a donné lieu à plusieurs déclarations artistiques notables, telles que la performance légendaire et subversive de Jimi Hendrix de « The Star-Spangled Banner », qui est devenue un élément régulier de ses spectacles sur scène vers la fin de la décennie.
Mais s’il est tentant de replacer la musique de 1969 dans son contexte immédiat, la vérité est que bon nombre des chansons enregistrées cette année-là se sont révélées intemporelles et sont devenues encore plus cool au fil du temps. Voici cinq chansons de 1969 qui ont gardé leur sang-froid, choisies pour leur écoute continue et leur attrait pour les auditeurs modernes.
Les Stooges – Je veux être ton chien
Les Stooges sont aujourd'hui salués comme l'un des groupes les plus influents de leur génération, avec un son brut qui bouleverse une grande partie de ce qui sortait à la fin des années 1960. Sans doute comparable uniquement au Velvet Underground en termes de leur impact lent sur les artistes qui les ont suivis, le groupe du Michigan dirigé par la future star Iggy Pop n'a sorti que trois albums studio entre 1969 et 1972, avant de se séparer dans un contexte de toxicomanie et de troubles croissants.
Les Stooges représentaient un culte fidèle mais n'ont jamais remporté de succès commercial lors de leurs premiers débuts en tant que groupe de travail. Au lieu de cela, il faudra des décennies au public pour rattraper son retard et faire des Stooges une icône, date à laquelle le son lourd et entraînant du groupe et la voix hargneuse et jappante d'Iggy étaient devenus des phares pour le mouvement punk.
La plupart des fans vous diront que la courte discographie des Stooges mérite d'être explorée dans son intégralité, mais qu'une chanson se démarque de toutes les autres comme le couronnement du groupe : « I Wanna Be Your Dog » de 1969. Construite autour d'un riff descendant de 3 accords et du lyrisme soumis et autoflagellant d'Iggy, la chanson était l'antithèse d'une grande partie de la musique qui avait émergé au cours de la décennie précédente, un proto-punk déformé qui annonçait le ton plus nihiliste que de nombreux artistes adopteraient dans les années 1970.
Les Beatles – Rassemblez-vous
Avec le recul, il peut sembler inconcevable qu'à l'époque où le proto-punk faisait un bond en avant, grâce à l'arrivée de groupes comme The Stooges, les Fab Four exerçaient encore leur métier de plus grand groupe que le monde ait jamais vu. Bien sûr, les Beatles n’étaient pas le même groupe qui a émergé en 1962 avec « Love Me Do ». Après avoir adopté le psychédélisme, les influences avant-gardistes et les nouvelles possibilités musicales offertes par les nouvelles technologies de studio, le groupe a sorti une série de sorties marquantes, telles que « Revolver » de 1964 et « Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band » de 1967, » qui placent les Beatles fermement à l'avant-garde de la musique populaire innovante. Le dernier album que les Beatles enregistreraient ensemble, « Abbey Road » – « Let It Be » est sorti plus tard, mais enregistré plus tôt – est arrivé en 1969, et pour de nombreux fans modernes, c'est sans doute l'album le plus intemporel du groupe grâce à sa production impeccable et à ses compositions avant-gardistes. L'ouverture écrite par John Lennon, « Come Together », est peut-être la chanson la plus cool que les Fab Four aient jamais enregistrée.
Apparemment influencée par un slogan utilisé par Timothy Leary, défenseur du LSD – et ayant sans doute un sous-texte sexuel – la chanson est propulsée par un groove de basse accrocheur qui entraîne l'auditeur dans les paroles typiquement absurdes de Lennon avant le refrain fanfaron de la chanson. « Come Together » parvient à être à la fois sexy et menaçant, préfigurant une grande partie de la posture glam rock du début des années 1970.
Les Rolling Stones – Donne-moi un abri
Les Rolling Stones traversaient de sérieux changements en 1969. Au cours de l'été de la même année, les Stones perdirent leur membre fondateur Brian Jones, qui quitta le groupe dans un contexte de toxicomanie croissante. Son départ a eu lieu en juin et en juillet, il a été retrouvé mort dans sa piscine, une évolution choquante qui a secoué le groupe et ses fans. L'année s'est terminée avec la catastrophe de l'Altamont Speedway, un événement caractérisé par la violence entre la foule et les gardes du corps du groupe, les Hells Angels, qui a entraîné la mort de la fan de musique noire Meredith Hunter. Pour beaucoup, cet incident tragique a été le moment où le rêve de la contre-culture des années 1960 est mort, et a sans aucun doute été le point bas du début de la carrière des Stones.
Cependant, malgré ces tragédies, le groupe a conservé son flair créatif. L'album « Let It Bleed », sorti en novembre et quelques mois seulement après la mort de Jones, a été accueilli avec des sentiments mitigés par les auditeurs du groupe à l'époque en raison de son contenu lyrique inquiétant, bien qu'il soit désormais compté parmi les sorties classiques des Stones. Le point culminant est « Gimme Shelter », un rocker infusé de soul chargé de doom qui sonne aussi Stones que possible, tout en étant totalement différent de tout ce qui se passe dans le catalogue du groupe. Avec des paroles anxieuses et elliptiques et un chœur envolé fourni par le chanteur Merry Clayton, c'est toujours un truc qui provoque l'adrénaline aujourd'hui.
Credence Clearwater Revival – Fils chanceux
La colère de la jeunesse dans les années 1960 était alimentée par plusieurs problèmes majeurs, notamment le mouvement des droits civiques, les conflits intergénérationnels et, bien sûr, la guerre du Vietnam. Vers la fin de la décennie, il était de plus en plus clair pour l’opinion publique que les tentatives de l’armée américaine pour éradiquer le communisme en Asie étaient vouées à l’échec, et que des jeunes étaient envoyés être mutilés ou mourir en nombre impensable au nom d’une politique étrangère malavisée. De telles frustrations étaient abondamment exprimées dans la musique de cette époque, mais peu aussi amplement que « Fortunate Son » de Creedence Clearwater Revival, sorti vers la fin de l'année.
Courte et enflammée lancée par le principal parolier du groupe, John Fogerty, la chanson critique les quelques privilégiés qui ont utilisé leur richesse et leur influence pour empêcher leurs enfants d'être enrôlés dans cette guerre brutale. Mais la chanson aborde également des problèmes plus larges d’inégalité des richesses. « La chanson parle plus de l'injustice de classe que de la guerre elle-même », a expliqué Fogerty (via Udiscovermusic). « C'est le vieil adage selon lequel les hommes riches font la guerre et les pauvres doivent les combattre. » Sa colère résonne toujours et, comme l'attestent les centaines de millions de vues recueillies par le nouveau clip de la chanson en 2018, celle-ci continue de trouver un public dévoué.
Led Zeppelin – Tout un amour
On dit que Led Zeppelin était aux années 1970 ce que les Beatles étaient aux années 1960 : un groupe britannique sismique qui a conquis le monde de la musique rock, le changeant à jamais. Mais l'histoire de Zeppelin a en réalité commencé dans les années 1960, avec le groupe constitué des restes du défunt groupe de blues rock The Yardbirds. Led Zeppelin est célèbre pour ses quatre albums studio éponymes, et pour de nombreux auditeurs, le groupe a vraiment atteint son apogée avec « Led Zeppelin IV », qui reste le disque le plus célèbre de Zeppelin. Cependant, le groupe a sorti son premier et son deuxième album en 1969, ce dernier contenant l'un de leurs meilleurs morceaux : « Whole Lotta Love ».
Indéniablement basée sur le classique « You Need Love » de Willie Dixon, la chanson est l’un des morceaux les plus ouvertement sexuels de Zeppelin, qui passe d’un groove rock et headbangant à un point culminant étrange et non structuré avant de se verrouiller à nouveau dans le groove. Ce fut un énorme succès aux États-Unis, il est devenu la chanson thème de « Top of the Pops » au Royaume-Uni et a été fréquemment repris par des artistes qui le voient pour ce qu'il est : un simple numéro de blues-rock qui a toujours le pouvoir de faire bouger le public.
