5 chansons rock de 1970 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

L’année 1970 constitue un moment charnière dans l’histoire du rock’n’roll. Cette année-là, Jimi Hendrix et Janis Joplin moururent tragiquement des suites de problèmes de toxicomanie. Les Beatles se séparèrent et sortirent leur dernier album studio, « Let It Be ». Le heavy metal est né avec le premier album éponyme de Black Sabbath et le suivant, « Paranoid », sorti la même année, la chanson titre aidant à solidifier leur son. Le groupe révolutionnaire entièrement féminin, Fanny, a sorti son premier disque, qui comprenait le brûleur de grange « Seven Roads », et l'album « Greatest Hits » de Sly and the Family Stone a produit plusieurs succès, dont « Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin). »

Santana a sorti son deuxième album, « Abraxas », qui comprenait leur énorme succès « Black Magic Woman » et marquait une rupture avec leurs débuts hippies. Bien que ces différentes chansons aient pu être d'époque, elles ont également résisté à l'épreuve du temps et semblent tout aussi cool, sinon plus cool, aujourd'hui qu'elles ne l'étaient lors de leur sortie il y a plus de 50 ans.

Au moment de la sortie de « Let It Be » en mai 1970, les Beatles s'étaient déjà séparés pour diverses raisons, notamment la mort inattendue de leur manager Brian Epstein, leurs finances et les luttes intestines entre les membres du groupe. John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr étaient peut-être exclus, mais l'album qu'ils ont réussi à produire comprenait une série de classiques, y compris la chanson titre déchirant de McCartney qui offrait de l'espoir dans une période turbulente à la fois dans sa vie personnelle et dans le monde en général.

L'origine de la chanson vient d'un rêve que McCartney a fait dans lequel sa mère, Mary McCartney, décédée quand il avait 14 ans, lui rendait visite. Elle l'a réconforté avec les mots « tout ira bien ». La simple ballade dans laquelle McCartney chante et joue du piano est devenue un hit n°1 en 1970, offrant de l'espoir dans une période de turbulences. En l'écoutant aujourd'hui, vous pourriez également acquérir un sentiment de paix, peu importe ce qui se passe dans votre vie.

Black Sabbath a connu une bonne année en 1970. Le groupe basé à Birmingham, en Angleterre, composé du chanteur Ozzy Osbourne, du guitariste Tony Iommi, du bassiste Terence « Geezer » Butler et du batteur Bill Ward, a sorti deux albums – leur premier album éponyme et un deuxième album, « Paranoid », plus tard la même année. « Paranoid » a donné naissance à des classiques tels que « Iron Man », « War Pigs » et la chanson titre. L'album et la chanson « Paranoid » ont non seulement tracé la voie à suivre pour les groupes de metal dans les décennies suivantes, mais sont aussi pertinents aujourd'hui que lors de leur sortie il y a 55 ans.

La chanson, qui a grimpé dans les charts en 1970, présente une ligne de basse saccadée, une guitare entraînante et la voix plaintive d'Osbourne. En plus d’être une chanson à succès, les paroles sur une crise de santé mentale sont encore plus pertinentes aujourd’hui, à une époque où le problème a atteint des niveaux sans précédent. De plus, avec la mort dévastatrice d'Osbourne en juillet 2025, cela vaut la peine de revisiter l'une des chansons qui l'ont contribué à devenir une célébrité. Vous devriez écouter l’album en entier pendant que vous y êtes.

Fanny a été le premier groupe de rock entièrement féminin à sortir un album sur un label majeur, et même s'ils ont disparu de l'histoire pendant un certain temps, ils obtiennent enfin la reconnaissance qu'ils méritent. Il y a eu un documentaire sur PBS, un album de retrouvailles et divers honneurs et récompenses pour le groupe qui s'est séparé en 1975 après avoir sorti quatre albums pour Reprise. David Bowie les a qualifiés de « l’un des meilleurs groupes de rock de leur époque » (via Rolling Stone).

En 1970, le groupe, dirigé par les sœurs philippino-américaines Jean (basse) et June Millington (guitare), présentait également Nickey Barclay aux claviers et la batteuse Alice de Buhr, lors de la sortie de leur premier album. Tous les quatre ont également chanté. La musique du groupe comportait souvent des riffs de guitare lourds et des claviers tourbillonnants, qui occupent une place centrale dans leur chanson « Seven Roads », qui a commencé comme un jam et finira comme le morceau de clôture de leur premier album. Il comporte également un solo de guitare bluesy et sauvage qui a contribué à solidifier la réputation du groupe en tant que véritables rockers. « Nous voulions que la chanson nous représente et montre que nous avions la capacité de marteler le rock », a rappelé Jean Millington sur le podcast Get Behind Fanny.

Sly and the Family Stone était un groupe intégré révolutionnaire de San Francisco qui combinait rock psychédélique, jazz, funk et pop pour produire certaines des musiques les plus inoubliables du moment. Le groupe a influencé tout le monde, de la légende du jazz Miles Davis aux Red Hot Chili Peppers. Sly Stone, le chef du groupe, chanteur et auteur-compositeur principal, est décédé en juin 2025, donc si vous n'êtes pas familier avec la musique du groupe, c'est une excellente occasion de l'écouter. Un bon point de départ est la chanson « Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) ». La chanson est apparue sur l'album des plus grands succès du groupe en 1970 (bien qu'elle soit sortie en single à la fin de 1969) et a atteint la première place des charts pop et R&B.

Musicalement, il comprend des cors poignardés et des voix des six autres membres du groupe – la sœur de Sly, Rose Stone et son frère Freddie Stone, Cynthia Robinson, Jerry Martini, Greg Errico et Larry Graham. Il a également introduit la technique révolutionnaire de slapping et de popping de la basse de Graham qui a eu une énorme influence. Au niveau des paroles, « Thank You » parle des luttes de Sly avec la célébrité et un merci pour ceux qui l'ont laissé être lui-même. « Je voulais remercier les gens en général, les gens ordinaires, s'ils me laissaient être moi, s'ils laissaient les autres être les autres, si les autres les laissaient être eux », écrit-il dans son autobiographie du même nom que la chanson. « Nous existons pour coexister. » Un message nécessaire dans le monde divisé d’aujourd’hui.

Le deuxième album de Santana, « Abraxas », de 1970, a poussé le son brut du groupe dans une fusion magistrale de rock, de funk, de jazz et de blues aux influences latines pour créer un album cohérent. L'année précédente, le guitariste fondateur Carlos Santana, le chanteur et claviériste Gregg Rolie, David Brown à la basse et les percussionnistes Michael Carabello, José « Chepito » Areas et Michael Shrieve avaient fait sensation à Woodstock. Mais « Abraxas » était quelque chose de complètement différent, se hissant au sommet des charts au dos de la reprise du groupe « Black Magic Woman ».

La chanson a été écrite par le guitariste et chanteur fondateur de Fleetwood Mac, Peter Green, à propos d'une ancienne petite amie. La version de Santana a un rythme entraînant aux influences latines avec les claviers de Rolie entrelacés avec le travail de guitare complexe de Santana. La chanson passe ensuite directement à « Gypsy Queen », écrit par le guitariste rom Gábor Szabó. Lorsque Santana a entendu pour la première fois l'original de Green, il a commencé à réfléchir à la façon dont il pourrait se l'approprier en introduisant différents éléments.

« C'est un peu comme un chef, apportez un peu d'origan, de jalapenos, d'ail et d'oignons », a déclaré Santana à Rolling Stone en 2019. Leur version de « Black Magic Woman » est devenue un énorme succès et l'interprétation définitive. Aujourd’hui, cela résonne encore. Près de 25 % des lecteurs de Grunge estiment que la version de Santana de « Black Magic Woman » est la chanson rock la plus sous-estimée des années 1970. Cette chanson et les quatre autres chansons de 1970 semblaient peut-être cool il y a 55 ans, mais elles le sont encore plus aujourd'hui.

Nous avons utilisé plusieurs critères différents pour créer cette collection de chansons rock des années 1970 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui. Chacune des chansons était non seulement un succès au moment de leur sortie, mais depuis lors, elles ont été reconnues pour leur caractère révolutionnaire. Par exemple, « Paranoid » a contribué à définir le heavy metal. « Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin) » combinait des genres disparates, introduisait un son de basse souvent imité et serait plus tard échantillonné par Janet Jackson et repris par divers artistes, dont le Dave Matthews Band.

« Seven Roads » de Fanny était une chanson innovante qui est tombée dans l'obscurité avant de revenir sous les projecteurs des décennies plus tard avec une réédition attendue depuis longtemps du premier album du groupe et un documentaire. Les paroles et la musique de toutes ces chansons restent pertinentes pour l'auditeur d'aujourd'hui. Au niveau des paroles, « Let It Be » des Beatles est un message nécessaire pour notre monde en pleine mutation. Enfin, les chansons (et les artistes) représentent un son et une perspective uniques, comme c'est le cas de « Black Magic Woman », qui continuent de résonner plus de 50 ans après leur sortie.