5 chansons rock de 1975 qui sonnent encore plus cool aujourd'hui

Le milieu des années 1970 constitue une période de transition dans le monde de la musique populaire. La musique soul faisait son chemin, avec l'album « Innervisions » de Stevie Wonder annonçant sa transformation d'enfant star en artiste mature pionnier, établissant ainsi le modèle du son du genre pour les années à venir. Pendant ce temps, le funk était bel et bien arrivé et le disco devenait une tendance majeure dans le monde occidental, tandis que le jazz était de plus en plus utilisé pour ajouter de la complexité aux chansons grand public d'artistes tels que Quincy Jones et Lonnie Liston Smith.

Le rock a dominé les charts pop sous une forme ou une autre depuis les années 1950, culminant avec la Beatlemania du milieu des années 1960. Mais au milieu des années 1970, les Beatles s'étaient séparés depuis longtemps et suivaient des directions distinctes depuis 1970. Dans le même temps, la musique rock en général prenait de nouvelles formes, avec le rock progressif, le métal et une génération de groupes surnommés plus tard « proto-punk » jetant les bases d'autres innovations dans la dernière partie de la décennie, y compris l'explosion sismique du punk.

Et malgré 50 ans d’évolution musicale depuis lors, une quantité étonnante de musique de cette époque résiste encore à l’épreuve du temps et continue d’inspirer de nouvelles générations d’artistes. Voici seulement cinq chansons de 1975 qui sont encore plus cool aujourd’hui.

Patti Smith a atteint un statut légendaire au cours des années qui ont suivi la sortie de son premier album, « Horses », en 1975. En effet, elle est également devenue associée à une haute respectabilité culturelle, ayant publié des livres acclamés, chanté lors de la cérémonie du prix Nobel de littérature de Bob Dylan et reçu le prix Polar Music pour l'ensemble de sa vie dans ce genre.

Mais tout ce respect ne parviendra peut-être pas à convaincre les auditeurs potentiels à quel point Smith était véritablement perturbatrice lorsqu'elle est arrivée sur la scène musicale new-yorkaise au milieu des années 1970. Cependant, le morceau d'ouverture de « Horses », qui contient l'un des premiers poèmes de Smith mélangé à une reprise de « Gloria » de Them, frappe toujours fort aujourd'hui. S'ouvrant sur la phrase immortelle « Jésus est mort pour les péchés de quelqu'un, mais pas pour les miens », le morceau se transforme en une cacophonie qui préfigure l'explosion punk de la dernière partie de la décennie. Écoutez « Horses » dans son intégralité, et il est impossible de ne pas arriver à la conclusion qu'un grand nombre d'artistes new wave et punk faisaient de leur mieux pour paraître aussi uniques et révolutionnaires que Smith et ses musiciens sur son premier album, un groupe qui, un demi-siècle plus tard, reste difficile à suivre.

Le milieu des années 1970 constitue également une période de transition pour certains artistes de premier plan qui, avec le recul, en sont venus à définir l’époque. L'un d'eux était David Bowie, le rocker britannique qui, à peine dix ans après le début de sa carrière, avait déjà subi une série de changements radicaux de style en adoptant différents personnages et genres dans le plus grand exemple de transformation intentionnelle et artistiquement inspirée de la musique pop.

En 1975, Bowie avait déjà traversé son époque Ziggy Stardust – au cours de laquelle, sous les traits d’une rockstar venue de Mars, il avait bâti un important culte – et avait emmené Ziggy en Amérique sur l’album « Aladdin Sane » de 1973, avant de tuer sa plus grande création et de se tourner vers différents personnages. Son tour vers la théâtralité dystopique narrative sous la forme de Halloween Jack de l’ère des « Diamond Dogs » était également passé. Maintenant, sur « Young Americans », il se tournait une fois de plus vers les États-Unis, transformant la musique soul et gospel à ses propres fins – il a appelé sa version « plastic soul » – la chanson titre voyant Bowie adopter un style vocal plus complet mais en quelque sorte plus froid. Et à New York, il trouve un nouveau collaborateur : l'ex-Beatle John Lennon, qui va bientôt prendre une pause de cinq ans dans l'industrie musicale.

Avec l'aide de Lennon, Bowie a marqué son premier succès numéro un aux États-Unis avec le morceau « Fame », un morceau funk-rock pionnier sur le vide de la célébrité. Il est resté un pilier des concerts live tout au long de sa carrière et a montré la direction de son apogée commerciale dans les années 1980 avec « Let's Dance », avec lequel « Fame » partage de nombreuses similitudes stylistiques. En effet, la version live de 1987 de la tournée « Glass Spider » est considérée comme peut-être la plus grande performance unique de la chanson.

Aerosmith a peut-être enfin pris fin en raison des problèmes de santé qui ont régulièrement affligé le chanteur Steven Tyler ces dernières années – non pas qu'il ait complètement pris sa retraite, étant apparu sur scène avec Slash et Joe Perry en septembre 2025 – mais leur incroyable carrière de cinq décennies se démarque dans les annales de la musique rock. Durant cette période, ils ont connu plusieurs sommets commerciaux, y compris une résurgence étonnante dans les années 1990 grâce à des ballades telles que « I Don't Want to Miss a Thing », qui, bien qu'étant un énorme succès, n'a peut-être pas vieilli aussi gracieusement que la plupart des morceaux qui les ont aidés à se faire un nom en tant que groupe de rock américain de premier plan dans les années 1970.

Le concurrent le plus évident pour un classique d'Aerosmith qui semble encore frais et excitant aujourd'hui est « Walk This Way », leur smash de 1975 qui a atteint le Top 10 dès sa première sortie. Le riff principal irrésistible de la chanson, son refrain accrocheur et ses couplets proto-rap élastiques la rendent particulièrement mémorable. Et en effet, la chanson a été un tel succès sur le dancefloor qu'elle a suscité l'intérêt de l'un des plus grands noms des années 1980 : le trio hip-hop Run-DMC, qui, plutôt que de simplement sampler « Walk This Way », a invité Aerosmith à jouer sur une nouvelle version intégrant davantage d'éléments rap. Le résultat a été un colosse crossover qui a atteint la quatrième place du Billboard Hot 100 et a réussi pour la première fois à relier le rock et le hip-hop. Le fait que tant d’éléments de l’original restent dans la version des années 1980 – qui remplit encore aujourd’hui les pistes de danse – témoigne de l’attrait durable du matériel source.

Le chef-d'œuvre de Bruce Springsteen, « Born to Run » de 1975, est sans doute facile à ignorer aujourd'hui en tant qu'auditeur occasionnel, à la fois en raison de sa diffusion continue 50 ans plus tard, ainsi que du fait qu'à bien des égards, il ressemble à la définition du rock de stade. Mais si l'on replace la chanson dans son contexte, il devient vite clair que « Born to Run », tiré de l'album studio du même nom, est considéré depuis sa sortie comme l'un des grands morceaux de rock pour une bonne raison.

Springsteen figurait sur l'album numéro trois en 1975, dont les deux premiers l'avaient établi comme un auteur-compositeur de la rue préoccupé par la vie, les amours et les pertes des gens ordinaires, mais qui ne l'avaient pas vraiment fait comme la voix d'une génération. Tout a changé avec l'album « Born to Run », dont la chanson titre contient tous les éléments qui seront plus tard considérés comme des Springsteenisms : des paroles et des images finement aiguisées, des riffs qui font monter l'adrénaline et une orchestration exagérée qui contraste avec les drames à petite échelle de ses personnages. Le rock de stade tel que nous le connaissons dans toute sa splendeur n'existerait probablement pas sans le son dont Springsteen a été le pionnier avec « Born to Run », et il vous donne toujours envie de pomper votre poing autant que tout ce que vous avez jamais entendu.

Alors que le mouvement punk de la fin des années 1970 a vu de nombreux groupes ramener la musique rock à l'essentiel, en 1975, plusieurs groupes légendaires cherchaient encore à devenir grands. Et peu de groupes sont devenus aussi grands que Led Zeppelin, qui a sorti cette année-là l’une de leurs plus belles chansons : « Kashmir », tirée de leur sixième album studio « Physical Graffiti ».

C'est difficile à imaginer aujourd'hui, mais à leurs débuts, Led Zeppelin n'était pas aussi apprécié qu'aujourd'hui. Loin d'être le modèle du hard rock, ils ont fait face à des attaques constantes de la presse musicale qui ne voyait pas l'intérêt de leur approche extrêmement heavy du blues et du folk. « Physical Graffiti », et « Kashmir » en particulier, se voulaient une riposte aux critiques auxquelles ils faisaient face, large par leur portée d'ambition tant en termes de composition que d'interprétation. Et le groupe a tenu ses promesses, beaucoup estimant que « Kashmir » est la quintessence de l'enregistrement de Led Zeppelin.

Le leader Robert Plant pense la même chose. « J'aurais aimé qu'on se souvienne davantage de nous pour » Cachemire « que pour » Stairway to Heaven «  », a déclaré Plant dans une interview avec Louder longtemps après que la poussière soit retombée. « C'est tellement vrai ; il n'y a rien d'exagéré, pas d'hystérie vocale. Un Zeppelin parfait. »

Écoutez, il y a une chanson mondiale dont certains lecteurs crieront qu'elle ne figure pas sur cette liste : « Bohemian Rhapsody ». Le chef-d'œuvre de l'opéra de Queen est, semble-t-il, plus populaire que jamais, un standard que tout le monde adore. Mais peut-on vraiment considérer cela comme cool ? Sans doute pas.

« Coolness » est, bien sûr, incroyablement subjectif, et cette courte liste a été compilée en tenant compte d'autres facteurs qui rendent les chansons ci-dessus particulièrement remarquables. La première chose à dire est que ces chansons ont chacune la particularité d’avoir exercé une énorme influence sur ce qui leur a succédé, soit dans le travail d’autres artistes, soit dans celui de leurs créateurs eux-mêmes. Tracer une nouvelle voie que d'autres pourraient suivre est vraiment plutôt cool, et bien que Queen soit l'un des groupes de rock déterminants des années 1970, on ne peut pas vraiment dire que « Bohemian Rhapsody » soit un modèle pour les artistes modernes comme les autres chansons ci-dessus continuent de l'être.

Un autre aspect de la musique rock qui rend le genre cool au départ est son fanfaronnade, et les chansons au-dessus de chacune voient leurs interprètes livrer la marchandise de la manière la plus cool possible. Et en fin de compte, n’est-ce pas ça la musique rock ?