5 chansons rock des années 70 qui ont terriblement vieilli

Il est vraiment remarquable de constater à quel point la musique rock des années 1970 – une décennie qui a débuté il y a plus d’un demi-siècle – a encore le pouvoir de toucher le public moderne. « Born to Run » de Bruce Springsteen est toujours aussi riche en adrénaline que le rock d'arène. « Cachemire ? » de Led Zeppelin Cela ne devient pas beaucoup plus lourd, même des décennies plus tard. Et essayez de trouver une personne dans le monde occidental qui n'est pas prête à tout moment à se joindre à nous et à chanter « Bohemian Rhapsody » de Queen.

Mais cinq décennies, c’est une longue période, et les goûts, la culture et l’évolution politique peuvent beaucoup changer sur une si longue période, d’autant plus que la technologie a progressé. Il va sans dire qu’une grande partie de la musique populaire dans les années 1970 a perdu de son attrait auprès des auditeurs modernes, pour une raison ou une autre. Dans certains cas, les paroles peuvent devenir problématiques au point de paraître offensantes, ou bien d'autres éléments de la chanson peuvent sembler incroyablement dépassés. À l’autre extrémité du spectre, certaines chansons peuvent finir par être victimes de leur propre succès ; ayant été rejoués à mort au fil des années, ils ont complètement perdu leur avantage ou ont été réduits à un cliché rock. Voici cinq chansons rock des années 70 autrefois respectées qui ne tiennent plus vraiment la route aujourd'hui.

« Brown Sugar » des Rolling Stones, sorti pour la première fois en single en 1971, a longtemps été tenu en grande estime par les fans des Rolling Stones et les auditeurs de rock en général comme l'une des plus grandes chansons du groupe. Après avoir atteint la première place du Billboard Hot 100 en mai de la même année – leur sixième single à atteindre cet objectif – la chanson est devenue un pilier des spectacles sur scène des Rolling Stones pendant des décennies. Les riffs contagieux de la chanson ont continué à résonner auprès des foules jusqu'au 21e siècle.

Cependant, la chanson est également profondément problématique d’un point de vue moderne. Commençant par les paroles « Navire négrier de la Gold Coast à destination des champs de coton », la chanson continue en décrivant une femme noire, vraisemblablement une esclave afro-américaine, que le narrateur décrit comme étant aussi douce que du « sucre brun », notant qu'elle a le goût « comme une fille noire devrait le faire ». Les fouets, une arme courante des propriétaires d'esclaves, figurent également dans la phrase originale « entendez-le fouetter les femmes vers minuit ». La chanson fétichise ouvertement la noirceur ainsi que la relation entre un esclave et un esclavagiste d'un point de vue blanc, et décrit à quel point « le sang anglais froid devient chaud » en conséquence. Le chanteur et parolier des Rolling Stones, Mick Jagger, a fait des efforts pour changer la phrase sur le fouet, mais la chanson est restée profondément problématique même à ce moment-là. Après avoir été joué à presque tous les concerts au cours des 50 années qui ont suivi sa sortie, il a finalement été supprimé des sets live des Rolling Stones en 2021, mais sans aucune promesse qu'il ne sera plus ajouté.

Cette entrée est peut-être un sacrilège pour des générations de fans de rock, mais « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin, une ballade épique en trois mouvements de 1971, n'a sans doute pas bien vieilli. Le groupe britannique est généralement connu pour aller grand avec sa musique, mais « Stairway to Heaven », à bien des égards leur morceau déterminant, est particulièrement exagéré. Commençons cependant par noter ce qui est formidable. S'ouvrant sur une section acoustique atmosphérique, la chanson prend de l'élan et de la puissance vers un point culminant de hard rock qui culmine dans un solo de guitare emblématique avant de revenir dans une fin acoustique contrastée, qui semble particulièrement poignante après les rythmes entraînants de la section rythmique stellaire de Zeppelin. Comme beaucoup des meilleures chansons de Zeppelin, elle vous emmène dans un voyage et crée le sentiment dramatique d'avoir vécu quelque chose de vraiment mystique.

Mais même si la chanson est peut-être la composition la plus célèbre de Zeppelin et une chanson déterminante de l'ère du rock classique, elle a terriblement vieilli en raison de sa réputation d'être un peu prétentieuse – et du fait qu'elle a été surjouée à mort. En fait, la chanson serait interdite dans de nombreux magasins de guitares, le personnel en ayant assez d'entendre des musiciens en herbe tenter de maîtriser les célèbres riffs de Jimmy Page tout en testant des instruments en magasin (le phénomène pourrait avoir son origine dans une scène amusante de la comédie rock « Wayne's World », où Wayne a été empêché de jouer la chanson alors qu'il achetait une Fender Telecaster). Même si les performances des quatre membres de Led Zeppelin sont extraordinaires sur l'enregistrement, pour de nombreux auditeurs, des années de rediffusions à la radio et d'écoutes de groupes médiocres tentant de reproduire le morceau ont ruiné la chanson. Même les membres du groupe eux-mêmes ne semblent pas avoir une telle estime, le chanteur et parolier Robert Plant ayant exprimé son aversion pour « Stairway to Heaven » à plusieurs reprises.

Un autre énorme hit rock des années 1970 qui a perdu de son éclat est « Smoke on the Water » de Deep Purple, un classique de 1973 qu'aucun mélomane ne pourrait manquer de reconnaître. En fait, c’est peut-être là le principal problème. L'origine de « Smoke on the Water » fait désormais partie de la tradition du rock. En 1971, le groupe est en Suisse, prêt à enregistrer son prochain album au Mobile Studio des Rolling Stones, qui doit être installé dans un casino de Montreux. Cependant, la nuit précédant le début des séances, le casino a accueilli un concert de Frank Zappa et a été incendié après qu'un participant a lancé une fusée éclairante qui a mis le feu au bâtiment. Deep Purple a été contraint de déménager, mais a écrit « Smoke on the Water » à propos de l'incendie survenu sur les rives du lac Léman.

L'élément le plus célèbre de la chanson est sans aucun doute la partie de guitare emblématique de Ritchie Blackmore, un riff accrocheur et chromatique qui a également une valeur de chant dans les stades sportifs et ailleurs. C’est l’une des premières choses que les guitaristes débutants tentent de maîtriser car elle est relativement simple et universellement connue. Et cette omniprésence est sans doute sa chute ; la chanson est si visible dans le panthéon de la musique rock classique qu'elle est devenue un cliché qui peut être utilisé pour parodier le genre qu'elle illustre. Et encore une fois, le groupe lui-même ne prend même pas au sérieux sa création la plus célèbre. Comme l'a dit le bassiste Roger Glover à Louder : « Rétrospectivement, « Smoke On The Water » est assez hilarant. C'est comme écrire une chanson sur n'importe quelle activité quotidienne banale : « Je suis allé à l'épicerie / Pour acheter du fromage. » »

Passons maintenant au soft rock – un rock obscènement soft, selon les standards d'aujourd'hui. À partir de la fin des années 1950, Paul Anka s’impose comme auteur-compositeur et interprète au talent prodigieux. Parmi ses plus grandes compositions figurent « My Way », le tube de 1969 pour Frank Sinatra et d'innombrables autres depuis, et « She's a Lady » de Tom Jones, qui a atteint la deuxième place du Billboard Hot 100 en 1971. Ces morceaux sont sans aucun doute des classiques avec un grand attrait, mais « (You're) Ayant My Baby », le single d'Anka de 1974, qui présente à la fois un lyrisme exaspérant et sucré et l'utilisation exaspérante de entre parenthèses dans le titre lui-même, n'est tout simplement pas un gagnant, même s'il occupe la première place des charts anglais pendant trois semaines après sa sortie. Pour la plupart des oreilles modernes, la chanson sonne comme de la neige fondante sucrée, malgré l'interprétation et la production adéquates et professionnelles des personnes impliquées.

Mais ce qui irrite vraiment les nerfs – et cela a été le cas pour beaucoup, même dans les années 1970, malgré son succès commercial – est qu’il était insensible à l’évolution du paysage social en ce qui concerne les rôles de genre. L'activisme féministe prenait de l'ampleur dans les années 1970, et l'utilisation par Anka des mots « mon bébé » au lieu de « notre bébé » dans le refrain semblait signaler tout ce qui n'allait pas en termes de dynamique de genre. D’autres paroles encore semblent éloigner ceux qui prônent la planification familiale pro-choix. « (You're) Have My Baby » figure en bonne place dans de nombreuses « listes des pires chansons de tous les temps », mais même sans l'angle insensible, il mérite sûrement sa place dans celles-ci, sur la seule base de son son sucré.

Tout comme la mode ou les coiffures, ce qui est considéré comme « sexy » peut changer radicalement au fil des années. Et tandis que de nombreux objets autrefois à la mode des années 1970, tels que les jeans évasés et les colliers ras du cou, font peut-être leur retour dans les magasins de vêtements, le côté maladif et sexy et léger qui imprègne « Afternoon Delight » du Starland Vocal Band n'est plus aussi excitant dans le monde de la musique. Chanson country rock douce qui s'est classée n°1 pendant deux semaines en 1976, la chanson est un hymne effrayant au nookie de jour, avec des paroles qui demandent : « Ma devise a toujours été 'quand c'est bien, c'est bien'/Pourquoi attendre jusqu'au milieu d'une nuit froide et sombre ? »

L'instrumental est assez inoffensif, mais il est difficile d'imaginer à quel point cette chanson pourrait exciter quelqu'un de nos jours par rapport aux airs funk et soul de la même époque qui ont encore du punch. Inexplicablement, la chanson a également valu au Starland Vocal Band un Grammy du meilleur nouvel artiste, mais les deux couples du groupe avaient ironiquement divorcé au moment où la chanson était devenue un succès, et les merveilles à succès ont rapidement disparu après avoir gagné. Même pour ceux qui peuvent encore trouver un peu de plaisir dans les paroles ludiques et torrides de la chanson, la mélodie entraînante elle-même est un ver d'oreille qui peut se répéter sans cesse dans votre tête, transformant un « délice de l'après-midi » innocent en heures de musique mentale tortueuse.