5 chansons rock détestées par leurs propres artistes (mais nous les aimons quand même)

Les musiciens en herbe du monde entier rêvent de composer une chanson à succès, mais que se passe-t-il si votre plus grand succès est une chanson que vous détestez ? Étonnamment, cela arrive bien plus souvent qu’on ne le pense.

Alors que la plupart des artistes, même les plus remuants, se contentent de jouer leurs plus grands succès pour donner au public ce qu'il veut lors de concerts, d'autres se retrouvent avec des points noirs dans leur discographie sous la forme de morceaux qu'ils méprisent jouer, pour une raison quelconque. Peut-être qu'ils ont sorti la chanson en question sous la contrainte de leur label ou de leurs camarades du groupe, qu'ils en sont venus à penser que la chanson ne les représentait pas en tant qu'artiste, ou qu'ils en ont simplement eu assez de jouer la même chanson encore et encore. Quoi qu’il en soit, il existe de nombreuses chansons rock que le public adore mais qui sont détestées par leurs propres artistes.

Chacune de ces cinq chansons a été un succès indéniable pour le groupe qui l'a enregistré – soit elles ont grimpé dans les charts, soit sont devenues un favori des concerts live dont le public deviendrait toujours fou. Mais à chaque fois, l’artiste a publiquement admis qu’il avait commencé à détester la chanson – ou qu’il ne pouvait pas la supporter dès le début.

L'un des groupes irlandais les plus titrés de l'ère du hard rock, Thin Lizzy a enregistré un succès surprise en Irlande et au Royaume-Uni en 1972 avec « Whiskey in the Jar », un morceau qui n'a pas peur d'exposer les racines celtiques du groupe. « Whiskey in the Jar » est une version hard rock d'une chanson traditionnelle irlandaise que le leader de Thin Lizzy, Phil Lynott, connaissait sans aucun doute comme une chanson à boire dans un pub dans son Dublin natal, qui avait également été stimulée dans les années 1960 en tant que chanson interprétée par le groupe traditionnel The Dubliners.

La version de Thin Lizzy est sans aucun doute une réussite, et le traitement hard rock sert bien la chanson, ajoutant beaucoup de bravade rock à l'histoire d'un bandit de grand chemin qui vole un capitaine dans les montagnes de Cork et Kerry avant que celui-ci ne soit à son tour trahi par son amant. Mais, en vérité, malgré sa volonté d'adopter la chanson sur cire, Lynott était loin d'être satisfait de « Whiskey in the Jar », qu'ils ont sorti en single, étant la chanson pour laquelle ils étaient le plus connus au début de leur carrière.

Le groupe avait lutté pour une percée commerciale et, en 1972, Lynott avait travaillé sur une chanson inspirée de Jimi Hendrix, « Black Boys On the Corner », qui, pensait-il, constituerait une solide face A pour un single. Lui et son groupe ont rapidement créé « Whiskey » en tant que face B, mais quand il s'agissait de la sortie, leur label a échangé les faces. « Whiskey » est devenu un succès, tandis que « Black Boys », en comparaison, a été oublié, à la fureur de Lynott. Le groupe en a eu assez d'être défini par une chanson traditionnelle plutôt que par du matériel original et l'a supprimé de ses setlists à la première occasion.

Le groupe de rock alternatif britannique Radiohead est mieux connu pour ses albums acclamés par la critique que pour ses singles en tête des charts. Néanmoins, à l'époque où Radiohead commençait à trouver ses marques, la société a sorti « Creep », son premier single qui est devenu un énorme succès aux États-Unis en 1994.

Écrite par le leader Thom Yorke alors qu'il était encore à l'université, la chanson est empreinte d'angoisse adolescente et de dégoût de soi né d'une obsession romantique. Mais contrairement à l'œuvre ultérieure plus célèbre du groupe, la chanson est étonnamment simple dans son exécution, Yorke fournissant des images simples sur un arrangement conventionnel. Le seul aspect de la chanson qui repousse les limites est sans doute la partie de guitare pointue et déformée du guitariste Johnny Greenwood qui annonce l'arrivée du refrain.

Mais la colère dans la performance de Greenwood n’a pas émergé au service de la chanson. Au lieu de cela, le guitariste tentait de saboter « Creep », une chanson qu'il a admis ne pas aimer. Comme l'a déclaré le guitariste Ed O'Brien à Rolling Stone : « C'est le son de Jonny essayant de foutre en l'air la chanson… Il ne l'a vraiment pas aimé la première fois que nous l'avons jouée, alors il a essayé de la gâcher. Et ça fait la chanson. » En effet, tout à fait involontairement, le guitariste avait donné à « Creep » l'avantage dont il avait besoin pour trouver un public parmi les auditeurs de rock alternatif de l'époque tout en restant une sortie conviviale dans les charts. Yorke lui-même s'est également vite lassé de la chanson, et Radiohead est resté pendant de longues périodes sans « Creep » dans ses setlists.

Le single « Smells Like Teen Spirit » de Nirvana en 1991 a lancé le groupe d'Aberdeen, dans l'État de Washington, sur le devant de la scène et a fait du mouvement grunge rock, qui couvait dans des villes comme Seattle depuis plusieurs années, un courant dominant. En réalité, le rock n'a plus jamais été le même après que la chanson soit devenue un incontournable de MTV, ce qui a entraîné de nombreux groupes de rock qui ont radicalement changé leur look et leur son.

Mais le leader Kurt Cobain, qui a écrit « Smells Like Teen Spirit », a fini par détester la chanson à succès qui a fait de lui une mégastar. Cobain a eu du mal à devenir célèbre en général, mais il en voulait à « Teen Spirit » pour la façon dont il éclipsait les autres chansons de sa discographie. « Tout le monde s'est tellement concentré sur cette chanson. La raison pour laquelle elle suscite une grande réaction est que les gens l'ont vue sur MTV un million de fois. Elle leur a été gravée dans la tête. Mais je pense qu'il y a tellement d'autres chansons que j'ai écrites qui sont aussi bonnes », a-t-il déclaré, désignant la chanson « Drain You » comme une composition qui rivalise avec son plus grand succès (selon American Songwriter).

Cobain a affirmé être gêné par la chanson et par le grand public qu'elle attirait. Lorsque Nirvana gardait la chanson dans les setlists, Cobain sabotait parfois la performance ou taquinait le public en jouant l'intro de la chanson sans la jouer dans son intégralité. À certaines occasions, il refusait complètement de le jouer. Néanmoins, cela reste la chanson qui vient en premier à l’esprit lorsque les auditeurs pensent à Nirvana et à l’impact culturel du groupe.

Le succès révolutionnaire des Beastie Boys en 1986, « Fight for Your Right », est resté dans les mémoires comme l'un des plus grands singles de mélange de genres de la décennie, rivalisant uniquement avec « Walk This Way » de Run-DMC en attirant à la fois les fans de rock et de hip-hop. Bien qu'ils soient considérés comme un groupe hip-hop, les racines des Beastie Boys sont fermement ancrées dans la scène punk new-yorkaise des années 1980. En gardant cela à l’esprit, il est plus évident que « Fight for Your Right » était conçu comme une parodie du hard rock qui avait dominé la décennie précédente.

Mais de nombreux auditeurs à l'époque l'ignoraient, et le morceau a transformé le groupe en des icônes de fraternité sans ironie, au grand dam du trio. Comme l'a écrit le rappeur des Beastie Boys Mike D dans les notes de pochette de la compilation du groupe de 1999 « The Sounds of Science » : « La seule chose qui me dérange, c'est que nous aurions pu renforcer certaines valeurs de certaines personnes de notre public alors que nos propres valeurs étaient en réalité totalement différentes… Il y avait des tonnes de gars chantant « Fight for Your Right » qui n'étaient pas conscients du fait que c'était une gaffe totale de leur part » (via NME).

Bien que les Beastie Boys se soient d'abord penchés sur l'image de fêtard que le groupe avait créée par inadvertance, une transition intentionnelle du champ gauche vers un hip-hop plus expérimental avec l'album de 1988 « Paul's Boutique » aliénerait une partie importante du public attiré par « Fight for Your Right ». Les Beastie Boys ont supprimé la chanson des setlists dès 1987 et l'ont rarement interprétée en live par la suite, même si elle est toujours aussi rock et a ses admirateurs.

Le pianiste Billy Joel a été franc dans les interviews lorsqu'il a discuté de son travail, et brutalement honnête en identifiant les chansons de sa discographie qu'il considère comme médiocres. Il a été particulièrement critique à l'égard du morceau « We Didn't Start the Fire », qui était l'un des succès n°1 de l'auteur-compositeur en 1989.

Le morceau énumère une litanie de personnages célèbres et d'événements mondiaux du milieu du 20e siècle, livrés à un rythme rapide sur un instrument agité qui donne l'impression distincte d'un monde de chaos en constante évolution. Cependant, malgré l'efficacité de son concept, Joel l'a décrit comme « un morceau de musique terrible », expliquant dans le documentaire « Shades of Grey » de 1993 : « Cela a commencé comme une toute autre chanson. La chanson originale que j'avais était cette idée country que j'avais… Mais quand on prend la mélodie seule, terrible, c'est comme une fraise de dentiste » (via YouTube).

Mais dernièrement, sa position s’est adoucie sur la chanson qui divise. En 2021, il est apparu sur le podcast « We Didn't Start the Fire », qui plonge dans l'histoire de toutes les personnes et événements répertoriés dans ses paroles. Comme Joel l'a dit aux animateurs : « La seule chose que j'ai entendue à propos de cette chanson de la part des gens, c'est : 'Je déteste cette chanson !' … C'est l'une des choses les plus détestées que j'ai jamais écrites ! Et je ne comprends pas la haine. » Cependant, au cours de l'interview, Joel a également réitéré ses critiques antérieures sur la mélodie de la chanson, il semble donc toujours avoir des sentiments mitigés à propos du morceau. Néanmoins, il continue de jouer « We Didn't Start the Fire » en live pour ses fans.