5 films de 1974 qui sont encore meilleurs aujourd'hui

Les années 1970 ont été une décennie explosive pour le cinéma. Il a donné naissance au blockbuster d'action-aventure moderne sous la forme de « Star Wars » de 1977 et a produit certaines des œuvres de science-fiction les plus durables de l'histoire moderne grâce à « Alien » de 1979. Il a généré des films marquants comme « Le Parrain » de 1972, « L'Exorciste » de 1973 et « Apocalypse Now » de 1979. Cela a vu l'émergence de légendes du cinéma comme Martin Scorsese, Steven Spielberg et Francis Ford Coppola. Bien sûr, parmi tous les chefs-d'œuvre très connus et largement discutés, de nombreux films plus dignes d'intérêt se sont perdus dans le mélange (voici les meilleurs films des années 70 que vous n'avez jamais vus). Mais même au sein de la décennie, certaines années se démarquent, comme 1974.

De manière générale, les années 70 ont marqué la fin de ce qu’on appelle « l’âge d’or d’Hollywood », qui a plus ou moins duré des années 1930 aux années 1960. Cette époque a été marquée par l'essor de célébrités hollywoodiennes bancables et de studios de cinéma géants qui ont produit de nombreux classiques monumentaux comme « Le Magicien d'Oz » (1939), « Citizen Kane » (1941), « Chantons sous la pluie » (1952), « Les Dix Commandements » (1956), etc. Cependant, au début des années 70, les changements sociétaux et économiques ont favorisé de nouvelles priorités en matière de narration et une nouvelle génération de cinéastes axés sur l'inventivité, l'audace créative et les visions fortes et singulières. Entrez dans le « Nouvel Hollywood » – l’âge de l’auteur.

Les années 1970 à 1973 avaient déjà vu passer des films durables, comme « A Clockwork Orange » (1971), « Deliverance » (1972) et « American Graffiti » (1973). Mais en réalité, c'est 1974 qui a vu une multitude de films explosifs (dans un cas littéralement) sortir en salles – des films si bien réalisés qu'ils sont encore meilleurs de nos jours, bien que de manières très différentes. Plus précisément, nous entendons « Blazing Saddles », « Le Parrain II », « Alice ne vit plus ici », « The Towering Inferno » et « The Texas Chainsaw Massacre ».

Soyons clairs : ceux qui ont une faible tolérance pour certains vocabulaires auront probablement une réaction instinctive pas trop agréable à « Blazing Saddles ». Mais c’est exactement le but du film et exactement pourquoi il reste un trésor comique unique en son genre. « Blazing Saddles » incarne l'époque dont il est issu – 10 ans après l'adoption de la loi sur les droits civils de 1964 – et sert également de nettoyant suprême pour le palais des problèmes raciaux modernes et délicats. Autrement dit, si vous observez la manière particulière du créateur Mel Brooks de se moquer de quelque chose en l'exposant à la lumière. Alors que « Young Frankenstein » de Brooks est sorti la même année et mettait également en vedette Gene Wilder, c'est « Blazing Saddles » qui a consolidé Brooks en tant que satiriste de niveau divin armé d'une intelligence et d'une perspicacité acérées.

Structurellement, « Blazing Saddles » est une séquence de morceaux comiques collés bout à bout qui composent finalement une intrigue, à la manière des Monty Python. Les morceaux virent souvent vers un territoire absurde ou anachronique, comme des fusiliers portant des casques pointus de la Première Guerre mondiale (le Pickelhaube allemand) lors d'une représentation dans un saloon dans le décor du film d'après-guerre civile, dans le Far West. Narrativement, « Blazing Saddles » parle d'une ville de Johnson (le nom de famille, avec une allusion à l'autre chose) venant accepter leur nouveau shérif noir, Bart. Le personnage est superbement interprété par Cleavon Little et le film se termine en se déversant dans le monde réel. C'est absolument audacieux, ridicule et hystérique, et il a bien plus d'audace que tout ce qui est fait aujourd'hui – un mot que Brooks approuverait sans aucun doute comme description du film.

Il y a une bonne raison pour laquelle « Blazing Saddles » continue d'être mentionné dans les annales de l'histoire du cinéma comique et pourquoi une toute nouvelle génération de réacteurs YouTube s'est mise à le regarder. Son approche pour aborder les sujets tabous le rend encore meilleur aujourd'hui qu'à sa sortie.

Les gens qui ont vu « Le Parrain » (1972) se répartissent généralement dans l'un des deux camps suivants : 1) C'est le plus grand film jamais réalisé, ou 2) C'est l'un des plus grands films jamais réalisés. Ensuite, ils voient « Le Parrain II » (1974). Et dire que Francis Ford Coppola a failli supprimer Al Pacino de la franchise cinématographique. Nous parlons de Pacino à son meilleur, retenu, sur le point d'éclater, plutôt que du grandiloquent « Elle a un super cul ! » personnage d'un film comme « Heat » (1995). Et c'est la performance de Pacino dans le rôle de Michael Corleone, associée à celle de Robert De Niro dans le rôle du jeune Vito Corleone (Marlon Brando dans le premier film) et à une excellente écriture de scénario, qui élève « Le Parrain II » au rang de chef-d'œuvre. Il a remporté une flottille de récompenses, dont celle du meilleur film aux Oscars, marquant la première fois qu'une suite en remportait une.

L'intrigue de « Le Parrain II » est byzantine – il est difficile de s'en souvenir – mais c'est cette histoire précise qui fait briller « Le Parrain II ». Bref, rien dans le film ne semble accidentel ou forcé. Les suites sont souvent poussées à être produites et s'avèrent médiocres parce que les écrivains n'ont nulle part où aller pour une histoire. « Le Parrain II » approfondit brillamment l'histoire de Corleone du premier film en juxtaposant l'emprise de Michael sur le pouvoir dans le présent avec la chaîne d'événements qui ont conduit à l'accession au pouvoir du jeune Vito. Alors que d'autres films pourraient s'appuyer sur la double chronologie comme un gadget ou une béquille, cela est parfaitement logique pour l'histoire que « Le Parrain II » tente de raconter, une histoire sur le vide destructeur du pouvoir. La puissance de ces thèmes, la narration et les performances du film n'ont fait que s'améliorer avec le temps.

À ce stade, le nom « Martin Scorsese » est pratiquement synonyme de « films mafieux et/ou violents ». Avec des films comme « Taxi Driver » (1976), « Les Affranchis » (1990), « Casino » (1995) et « Gangs of New York » (2002) à son actif, Scorsese est le cinéaste incontournable lorsqu’on veut un drame lourd mêlé de violence brutale, jusqu’à son retour en forme, « The Irishman » (2019). Mais avant que tous ces films n'existent, nous avons eu un film de 1974 largement négligé que Scorsese réalise avec une telle expertise sans effort que personne ne se rendrait compte que c'était lui à la tête du film ou de sa romance à l'écran : « Alice ne vit plus ici ».

D'une certaine manière, le générique d'ouverture de « Alice ne vit plus ici » raconte toute son histoire. Sa police cursive sur fond de satin bleu et sa chanson d'amour des années 40 rappellent les romances de l'âge d'or qui étaient révolues même dans les années 70. Sa ferme aux teintes rouges et sa vision de l'enfance sont conçues pour ressembler à un décor de cinéma, un décor qui passe de manière saccadée à une vie d'adulte pleine de relations familiales tendues et de rêves tendus. C'est comme si « Alice ne vit plus ici » était la propre vision de Scorsese de ce qui s'est passé lorsque l'amour romancé à l'écran a heurté les réalités du milieu des années 70.

Avec l'estimable Ellen Burstyn dans le rôle d'Alice, elle prend la route avec son jeune fils pour commencer une nouvelle vie de chanteuse à la mort de son mari. Elle rencontre même le regretté auteur-compositeur-interprète Kris Kristofferson dans un restaurant après y avoir occupé un poste de serveuse. En fin de compte, « Alice ne vit plus ici » est exceptionnel car il ne recule pas plus devant ses sentiments sincères que devant le réalisme. Ces attributs sont des denrées rares dans une histoire qui ne pourrait tout simplement pas se réaliser aujourd’hui.

À l'ère du cinéma d'auteur, des classiques comiques instantanés et des drames interpersonnels parfaitement représentés, un film de 1974 a osé demander : « Aimez-vous les explosions ?!? Aussi, des gens qui tombent des ascenseurs, des gens en feu, des gens défenestrés, des gens défenestrés en feu, et une dernière solution pour éteindre les flammes d'un immeuble en feu : une autre explosion. Il y a aussi un drame relationnel idiot, un drame de carrière surmené, un gala de personne riche, un architecte et personnage principal ultra-riche (Paul Newman), OJ Simpson avant le gant, des trucs technologiques qui équivaut à un panneau lumineux géant avec des interrupteurs, et une thèse finale sur la conception et la sécurité des bâtiments servie par un pompier à la fin du film (Steve McQueen) : « Je vais continuer à manger de la fumée et à faire sortir des corps jusqu'à ce que quelqu'un nous demande comment construis-les.

D'une manière très réelle, « The Towering Inferno » peut être résumé par le titre de la revue du New York Times de 1974, « First-Rate Visual Spectacle ». Oui, il y a beaucoup d'explosions. Oui, la durée de près de trois heures du film a sérieusement besoin d'être recadrée. Oui, le film était une sorte de blockbuster pré-moderne plein d’effets pratiques et de cascades. Et oui, il a jeté les bases de tout un sous-genre de films catastrophe dans les années 70 et au-delà, ainsi que de films « piégés dans un bâtiment » comme « Die Hard ».

Mais aucune de ces raisons ne justifie d’éviter « The Towering Inferno » – loin de là. Le rythme stop-and-go du film, sa tentative de mêler enjeux personnels et périls physiques, son travail d'effets spéciaux et, plus important encore, son message final, soulignent un véritable cœur qui l'élève au-delà des gadgets de haut niveau. La dédicace d'ouverture du film aux pompiers dit tout : « À ceux qui donnent leur vie pour que d'autres puissent vivre ».

Même seul le titre « Texas Chainsaw Massacre » démontre le pouvoir du film à faire frémir les gens, même maintenant. De sa séquence d'ouverture avec un flash de caméra montrant un cadavre en décomposition jusqu'à sa poursuite finale avec Leatherface où le meurtrier fou et masqué court dans la rue en brandissant une tronçonneuse et en poursuivant Sally (jouée par Marilyn Burns) qui hurle perpétuellement, « Texas Chainsaw Massacre » est un film parfait, battement par battement, adjacent au slasher dans un moule de film B.

Les années 70 n'étaient pas étrangères aux films d'horreur de type choc et gore qui ont donné lieu à des sorties classiques des années 80 comme « Nightmare on Elm Street » et « Friday the 13th ». Mais s'il est facile pour de tels films de s'orienter vers le schticky et le campy, « Texas Chainsaw Massacre » est légitimement déchirant. Cela a également engendré tout un sous-genre cross-média d’horreur des « zones rurales terrifiantes ». Cela inclut « The Hills Have Eyes » de 1977, certaines entrées de la série de jeux « Resident Evil », comme « Resident Evil 4 » et « Resident Evil 7 », et, bien sûr, l'épisode le plus tristement célèbre et autrefois interdit de « The X-Files » : saison 4, épisode deux, « Home », avec une famille consanguine et une mère sans membres nichée sous le lit sur une palette.

L'intrigue de « Texas Chainsaw Massacre » n'est qu'une configuration pour des scènes dingues, comme le grand-père Sawyer en fauteuil roulant essayant de frapper Sally à la tête avec un marteau. Il y a un groupe de jeunes enfants en voyage qui rencontrent une famille meurtrière au milieu du Texas, et c'est tout. Mais c’est cette plausibilité précise qui rend le « Massacre à la tronçonneuse » si horrible. Le texte d'ouverture et la narration du film disent qu'il est basé sur une histoire vraie, mais ce n'est pas vrai. Il a cependant été inspiré par le tueur en série et porteur de peau Ed Gein, une personne bien plus horrible que n'importe quel méchant de cinéma.

Bien que la sélection des films dans cet article soit finalement subjective, nous avons choisi des films en fonction de plusieurs critères fondamentaux. Premièrement, les thèmes et l'intention derrière chaque histoire devaient être suffisamment universels pour non seulement parler du passé et du présent, mais aussi pour parler du présent d'une manière qu'un cinéphile moderne ne pourrait pas entendre autrement. « Blazing Saddles », « Alice Doesn't Live Here Anymore » et « The Towering Inferno » y parviennent tous, et ils sont rendus encore plus percutants qu'ils n'auraient pu l'être lors de leur première sortie. C’est également ainsi que nous pouvons éviter les problèmes liés aux effets spéciaux, à la production audio et au travail de caméra qui donneront automatiquement l’impression que les films plus anciens sont démodés et moins impressionnants.

Cela signifie également que la qualité d'écriture d'un film doit correspondre à son intention, voire être superbe en soi. Le savoir-faire d'un film comme « Le Parrain II » dépasse de nombreux films, anciens et nouveaux, point final. « Massacre à la tronçonneuse » est un type de film très différent avec des objectifs très différents, mais il s'est néanmoins révélé extrêmement impactant au fil du temps. « Alice ne vit plus ici » n'est ni très connu ni très percutant, mais se dresse sur ses deux pieds comme un superbe exemple de narration et d'acteur.

Enfin, nous ratissons un large éventail de types de films pour couvrir une variété de genres allant de la romance à la comédie, en passant par l'action, le drame et l'horreur. De cette façon, nous pouvons considérer chaque film selon ses propres mérites, car aucun des choix ne se concurrence directement.