5 hymnes rock tueur nés des chansons de Snoozy Flop

Alors que beaucoup de grandes chansons deviennent à juste titre des succès, tant d’autres échouent complètement parce qu’elles ont été mal interprétées, présentées au public de la mauvaise manière ou n’ont tout simplement pas réussi à toucher une corde sensible. Mais sous cette première prise décevante ou cette production terne, il y a au fond les os d'une bonne chanson. De telles chansons pourraient complètement échouer dans leurs premières formes, n’atteignant que les échelons inférieurs du palmarès pop Billboard ou les manquant complètement. Et ainsi, ces morceaux, qualifiés d’échecs, disparaissent dans les annales de la musique embarrassante et ennuyeuse – de toute façon, ils étaient ennuyeux et sans intérêt.

Ou l’étaient-ils ? Parce que des années plus tard, un artiste solo ou un groupe à forte sensibilité hard-rock pourrait surgir et découvrir ces échecs oubliés. Ensuite, ils les réinventent avec l’ajout de batteries tonitruantes, de basses lourdes et de superpositions de guitares. Le résultat : un rock classique anthémique, fort, lourd, à couper le souffle, avec un côté palpable qui est aussi une reprise inattendue et improbable d'une chanson autrefois considérée comme si fade que le public l'évitait activement. Voici cinq classiques du rock'n'roll qui ont amélioré des originaux mornes ou oubliables.

Bob Dylan est une voix lauréate du prix Nobel de la génération des baby-boomers, responsable de traits de génie poétiques tels que « Tangled up in Blue » et « Knockin' on Heaven's Door ». Mais il est issu du renouveau folk des années 1960 – en d’autres termes, Dylan n’a jamais vraiment été un rocker. « All Along the Watchtower », extrait de son album « John Wesley Harding » de 1967, trouve le musicien à son plus folk. Il gratte avec lui-même tout en se frayant un chemin nasillard à travers des paroles énigmatiques sur les farceurs, les voleurs et les chats sauvages. C'est une chanson stimulante avec une mélodie sinueuse, et elle ne décolle jamais vraiment. La chanson n'est jamais sortie en single aux États-Unis et n'a donc jamais été un succès pop.

Mais lorsque Jimi Hendrix, magicien de la guitare au talent surnaturel, a écouté « All Along the Watchtower », il a entendu autre chose. En 1968, la Jimi Hendrix Experience a lancé une reprise enflammée, inquiétante et agitée de « All Along the Watchtower ». Hendrix, déjà une légende pour ses prouesses instrumentales, donne une performance vocale tout aussi impeccable, hargneuse et dénudante, alors qu'il transforme la chanson en une odyssée psychédélique frénétique et implacable qui accélère le pouls et fait s'emballer les pensées. La version de Hendrix est dans l’ensemble considérée comme la version définitive de « All Along the Watchtower », associée au mouvement contre-culturel de la fin des années 60, au point qu’elle a été utilisée pour transmettre l’ambiance et le décor dans des dizaines de films et d’émissions de télévision. C'est aussi le seul single que Jimi Hendrix Experience placera jamais dans le Top 40.

Après un battement de batterie séduisant et puissant, le reste des instruments de « C** on Feel the Noize » de Quiet Riot se précipitent et construisent instantanément un mur de sons alors que le rock'n'roll furieux, énergique et déchirant fait rage pendant cinq minutes. Le leader Kevin DuBrow hurle avec force et mène des chants tandis que la batterie martèle sans relâche et que les guitares grincent et gémissent alternativement. C'est du très heavy metal dans sa forme la plus définitive des années 80 tout en restant mélodique et accessible – à tel point que « Metal Health », l'album de 1983 d'où est issue la chanson, est devenu la première sortie métal à atteindre la première place du palmarès Billboard Top 200 LP.

Un tel succès a été un moment marquant dans l’histoire bizarre de la musique heavy metal. La chanson la plus connue et le plus grand succès de Quiet Riot est une version survoltée et métallique d'une chanson glam-rock ringarde de 1973 du groupe britannique Slade, rejetée par les auditeurs américains lors de sa première sortie et bloquée à la 98e place du Hot 100. Les groupes glam aimaient les guitares soufflantes et les rythmes de batterie dansants pour créer une atmosphère de fête digne de leurs spectacles alors scandaleux. La musique des groupes glam, comme Slade, était pop-friendly, mais elle n'était certainement pas totalement rock comme l'avait fait un groupe comme Quiet Riot.

Dans les années 1970, les Arrows étaient une entité inconnue aux États-Unis et connaissaient un léger succès au Royaume-Uni, où ils ont inscrit deux chansons dans les charts pop en 1974 et 1975. Semblables à d'autres groupes destinés aux enfants de l'époque, tels que les Hudson Brothers et les Bay City Rollers, les Arrows avaient une émission de variétés télévisée, simplement intitulée « Arrows ». Les membres du groupe Alan Merrill et Jake Hooker ont écrit une chanson intitulée « I Love Rock 'n' Roll », dont leur producteur ne s'est pas suffisamment soucié pour la présenter commercialement, mais a quand même laissé les Arrows se produire à la télévision. Bizarrement, la version des Arrows de « I Love Rock 'n' Roll » ne rock pas tellement – la batterie est grêle et les guitares sobres avant de déboucher sur un solo décevant et sinueux.

Mais Joan Jett savait que « I Love Rock 'n' Roll » serait mieux interprété comme un morceau hard-rock dans lequel un ou deux guitaristes compétents pourraient absolument déchiqueter aux côtés d'un batteur autorisé à marteler les peaux aussi fort que possible. Alors que Jett était en tournée au Royaume-Uni à la fin des années 1970 avec son groupe The Runaways, elle a vu les Arrows interpréter « I Love Rock 'n' Roll » dans leur émission. Les Runaways n'avaient pas envie d'enregistrer une reprise, alors Jett a gardé l'idée pour sa carrière solo, en réenregistrant « I Love Rock 'n' Roll » avec son groupe les Blackhearts. Sorti pour la première fois en face B sur un single néerlandais, il est devenu un succès et a passé sept semaines au n ° 1 en 1982.

Ce n'est pas que la musique de Judy Collins soit mauvaise, mais elle est presque catégoriquement lente, somnolente et détendue. À la fois chanteuse folk, interprète de soft-rock et numéro de cabaret, elle est surtout connue pour des ballades comme « Send in the Clowns » et « Hello Hourra ». Ce dernier, créé par le musicien Rolf Kempf et raconté du point de vue d'un musicien extrêmement nerveux sur le point de donner un grand spectacle, est apparu sur le LP de Collins de 1968 « Who Knows Where the Time Goes ». La version de Collins de « Hello Hourra » n'a jamais atteint les charts, tandis que l'album « Who Knows Where the Time Goes » n'a pas non plus été largement adopté, culminant à la 29e place du palmarès LP de Billboard.

Et pourtant, « Hello Hourra » est devenu une chanson emblématique d'Alice Cooper en 1973, lorsque le groupe était connu pour son matériel provocateur et son spectacle horrifique et dégoûtant. Le producteur Bob Ezrin a présenté « Hello Hourra » à Cooper pour qu'il en fasse une reprise pour son album « Billion Dollar Babies ». Cooper a dit non, car il considérait « Hello Hourra » trop folk et hors de sa timonerie, mais Ezrin a ensuite souligné que le thème de la chanson correspondait au moment de la carrière de Cooper au cours duquel il devait suivre les percées commerciales de « School's Out » et « Elected ». Sous le contrôle d'Ezrin, « Hello Hourra » n'était définitivement pas folk. Il a ajouté des effets sonores de canon, de l'écho et des pistes multiples de riffs de guitare hurlants pour souligner la voix théâtrale de Cooper. L'expérience a fonctionné : « Hello Hourra » a atteint le Top 40.

L'histoire de George Harrison inclut la difficulté du musicien à convaincre les autres Beatles d'enregistrer les chansons qu'il a apportées au groupe, qu'il s'agisse de celles qu'il a écrites lui-même ou de celles qu'il souhaitait reprendre. Il n'a jamais enregistré « Got My Mind Set on You » avec les Beatles, attendant jusqu'en 1987 pour sortir sa version d'un disque R&B obscur et impopulaire de James Ray, écrit par Rudy Clark, qu'Harrison a découvert en 1963 alors qu'il faisait encore partie des Fab Four. Il a vu un joyau enfoui dans ce qu'il a trouvé être un album terne, une chanson intitulée « Got My Mind Set on You ».

« Si vous écoutez la chanson maintenant, c'est très différent de la façon dont je l'ai fait. Je l'ai mise à jour et modifié les accords, parce que je la préférais telle que je l'entendais dans ma tête », a déclaré Harrison à Musician (via « The Billboard Book of Number 1 Hits »). « La version de Clark et Ray sortait de la vieille ère du jazz-swing, et il y a ces horribles voix de femmes hurlantes qui chantent ces parties de sauvegarde. »

Harrison a accéléré « Got My Mind Set on You » et a ajouté quelques riffs de guitare et de clavier, un solo de saxophone enjoué et un battement de batterie propulsif et irrésistible. Son remake pop-rock accrocheur s'est classé n°1 au début de 1988. C'était un retour en force pour Harrison, qui n'avait pas eu de succès dans le Top 10 depuis 1981.