5 meilleurs films des années 70 que vous n'avez jamais vus

Les années 1970 ont été une période faste pour un cinéma inventif, audacieux et de grande qualité. Même un bref aperçu des succès de la décennie raconte l'histoire : deux films du Parrain, « Taxi Driver » (1976), Apocalypse Now (1979), « Star Wars » (1977), « Alien » (1979), « A Clockwork Orange » (1971), « The Rocky Horror Picture Show » (1975), « The Exorcist » (1973) – et ainsi de suite. Chacun de ces films, et bien d’autres encore pour être énumérés ici, ont non seulement servi de référence culturelle de l’époque, mais ont également créé le fondement même des futurs films de leur genre. Mais pour chaque film très apprécié et souvent cité, bien d’autres sont voués à tomber à l’eau. Certains de ces films méritent d’être laissés seuls, tandis que d’autres sont vraiment excellents et méritent d’être reconnus.

En général, les années 70 ont été une période de transition à Hollywood. Cela a marqué la mort d’énormes conglomérats de studios hollywoodiens dont les racines remontaient aux acquisitions d’entreprises des années 1920. La télévision était en plein essor dans les foyers des années 40 aux années 50, les cinéphiles étaient plus jeunes et moins censurés, et dans les années 70, les films étaient devenus une forme d'art sérieuse et risquée peuplée de futurs goliaths de l'industrie comme Stanley Kubrick, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martin Scorsese et George Lucas. Mais ils n’étaient pas les seuls à faire de grands films.

Les lecteurs peuvent considérer cet article comme un échantillon de films sous-estimés des années 70 présentant un éventail de genres, de tons, de thèmes, de styles cinématographiques et narratifs, etc. Cet article n'est pas la fin, mais j'espère qu'il incitera les lecteurs à essayer certains des films suivants. Sans ordre particulier, il s'agit de « Colossus : The Forbin Project » (1970), « Dersu Uzala » (1975), « Fat City » (1972), « Smile » (1975) et « The Long Goodbye » (1973).

Peu de films pourraient être aussi prémonitoires sur les préoccupations modernes liées à l’IA que le très négligé et tout aussi louable « Colossus : The Forbin Project » (1970). Le film est une version fondée et axée sur la technologie d'un État de surveillance orwellien de l'époque de la guerre froide, centré sur Colossus, un cerveau informatique chargé de l'arsenal nucléaire américain. Mais les choses tournent terriblement mal lorsque Colossus décide de fusionner avec son homologue soviétique, « Guardian », pour créer une intelligence quasi-omnipotente contrôlant le monde. Dans le langage moderne, Colossus évolue vers une AGI, ou « intelligence générale artificielle », une entité véritablement consciente et consciente d'elle-même – et non un chatbot à grand modèle de langage (LLM) comme ChatGPT, Grok, Gemini, etc. Comme le dit la bande-annonce originale du film sur YouTube, « Colossus : The Forbin Project » est « l'histoire effrayante du jour où l'homme s'est construit à partir de l'existence ».

Réalisé dans la foulée de « 2001 : L'Odyssée de l'espace » (1968), « Colossus : The Forbin Project » fait référence aux mêmes craintes concernant les créations humaines qui supplantent l'humanité (comme Hal dans « 2001 »). Le film est basé sur le roman « Colossus » de DF Jones de 1966 et adhère étonnamment étroitement à l’intrigue et aux personnages du roman. Il ne s'appuie pas sur des effets spéciaux ou des intrigues stupides, mais utilise un scénario serré et un drame humain réel pour faire valoir son point de vue.

À un moment donné, le personnage principal, le créateur de Colossus, le Dr Charles Forbin, est assis dans sa chambre et parle à haute voix à Colossus pour lui demander la permission de rencontrer sa petite amie quatre fois par semaine. Cette petite amie est une collègue scientifique, le Dr Cleo Markham, et leurs rencontres sont un prétexte pour s'engager dans un subterfuge anti-Colossus. Ceux qui reconnaissent dans cette configuration des nuances de la relation entre Winston et Julia de « 1984 » peuvent deviner à quel point ces efforts sont couronnés de succès.

Akira Kurosawa était un maître cinéaste, notamment en matière de mouvement, de blocage de scènes et de compréhension globale du cinéma en tant que forme d'art visuel. Les pensées de Kurosawa pourraient naturellement conduire à ses combats de samouraïs en noir et blanc – comme la scène de combat brumeuse à couper le souffle entre Kyuzo qui marche lentement et une suite de bandits dans Seven Samurai (1954). Pourtant, le réalisateur a continué à faire des films jusqu'en 1993 (il est décédé en 1998). Certaines de ses œuvres sont vouées à être négligées, et tous les films n’étaient pas excellents. Mais, au milieu des années 70, surgit un film de Kurosawa qui marque un départ expérimental qui est en même temps considéré par certains comme un retour à l'excellence : « Dersu Uzala » (1975).

En son cœur, « Dersu Uzala » est l'histoire d'une humanité au bord de la survie en Sibérie. Il dépeint le monde naturel comme un lieu brutal qui nécessite des décisions tout aussi dures et exige le respect, un lieu où les liens humains constituent la base du sens et de l'épanouissement. Basé sur un livre du début du XXe siècle de l'expéditionnaire russe Vladimir Arsenyev, « Dersu Uzala » est centré sur le chasseur et survivant Dersu. Dersu appartient à la tribu Nanai de la Sibérie orientale, près du fleuve Amour qui relie la Russie à la Chine et à la Mongolie. Il sert de guide à Arseniev et incarne une conscience presque atavique du monde naturel, pratiquement étrangère à la modernité.

Une partie du sérieux de « Dersu Uzala » vient de Kurosawa, qui a réalisé le film après une tentative de suicide ratée en 1971. Le film était le premier film de Kurosawa en dehors du Japon et n'était pas parlé en japonais mais en russe. En fin de compte, « Dersu Uzala » est un film qui vous accompagnera pendant des années après la disparition de son dernier plan.

Alors que « Rocky » (1976) est de loin le film de boxe inspirant le plus célèbre des années 70, voire le film de sport inspirant le plus légendaire de tous les temps, « Fat City » a fourni le modèle quatre ans plus tôt, en 1972. Au lieu du sous-performant Rocky et de sa petite amie maladroite, Adrian, nous avons le sous-performant Tully et sa petite amie maladroite, Oma. Au lieu que le frère d'Adrian, Paulie, ait des problèmes d'alcool, c'est Tully, le protagoniste, qui s'en occupe.

Mais c'est là que s'arrêtent les similitudes. Tully est au-dessus de la colline et ne retrouvera jamais son ancienne gloire – c'est tout. Au lieu de cela, il transmet ce qu'il sait à un protégé, Ernie, joué par le Dude toujours reconnaissable lui-même, Jeff Bridges. Il n'y a pas de triomphe sur l'adversité, pas de conquête de ses doutes intérieurs, pas de schmaltz, pas de thème musical victorieux et pas d'idées farfelues sur ce qui attend à la fin de l'échec. « Fat City » est comme « Rocky » sans tout l'irréalisme, ne laissant qu'un drame brut qui utilise la boxe comme point d'appui narratif, pas comme point final.

Bien sûr, la sombre vérité de « Fat City » explique probablement pourquoi le film a disparu de la conscience publique, alors que « Rocky » a eu cinq suites, plus les films « Creed ». C'est aussi pourquoi « Fat City » a gagné sa place parmi les films très respectés qui évitent les limites du genre. Il s’impose également comme l’un des meilleurs, sinon le meilleur, du réalisateur John Huston. Une grande partie du succès de ce film vient de sa source, le roman du même nom de 1969, auquel le film reste largement fidèle. Le roman est en quelque sorte un classique moderne de l’auteur Leonard Gardner, et c’est le seul qu’il ait jamais écrit.

Il aurait été facile pour les créateurs de « Smile » de 1975 de simplement se moquer des concours de beauté en les qualifiant de tout un tas d'absurdités superficielles et vaines. Aujourd’hui, il ne serait pas inhabituel de transformer l’histoire en une vision déconstructionniste des pressions sociétales oppressives qui poussent les femmes à s’engager dans de telles manifestations. Au lieu de cela, « Smile » se démarque parce que a) il est en fait chaleureux et ne blâme personne pour quoi que ce soit, b) c'est une vraie comédie, et c) il vous permet, en tant que spectateur, de tirer vos propres conclusions sur l'ensemble du film californien, aux yeux ensoleillés et au visage souriant.

À la base, « Smile » est un collage léger, parfois absurde, sur les événements qui sous-tendent le concours fictif de Young American Miss Pageant, qui se déroule à Santa Rosa, en Californie. Le concours existe pour réduire les candidats à celui qui représente la Californie dans une compétition nationale plus grande. Cette base narrative va loin dans l’explication des personnages et de leur monde. Le récit de « Smile », tel qu'il est, rebondit de scène en scène et de candidat en candidat, mais s'articule autour du personnage de Big Bob Friedlander, joué par l'excellent Bruce Dern, qui est le promoteur du concours.

Tout comme le Young American Miss Pageant lui-même, « Smile » est simple en surface mais possède une profondeur trompeuse. Les candidats au concours réagissent différemment aux pressions du concours et chacun veut être une star. Mais à la fin, le gagnant repart avec une télévision comme l'un de ses prix. C’est peut-être la leçon que « Smile » veut enseigner, si tant est qu’une telle leçon existe au milieu de tout son glamour.

Enfin, nous arrivons à un film négligé et sous-estimé des années 70 que les cinéphiles semblent aimer ou détester, même si ceux qui l'aiment l'aiment vraiment, vraiment : « The Long Goodbye » (1973). Les fans de romans policiers durs reconnaîtront sans aucun doute le nom du film tiré du livre du même titre de Raymond Chandler de 1953. Le roman est le sixième des sept livres de Chandler mettant en vedette le détective Philip Marlowe comme personnage principal (à moins que vous ne comptiez « Poodle Springs », publié à titre posthume et co-écrit par Robert B. Parker, qui a complété l'histoire inachevée de Chandler). Pendant ce temps, le film est la cinquième adaptation de Chandler centrée sur Marlowe à sortir sur grand écran (sur huit au total).

Mais alors que « The Big Sleep » de 1946 mettait en vedette Humphrey Bogart jouant Marlowe aussi droit et sérieux que possible, « The Long Goodbye » de 1973 mettait en vedette Elliott Gould jouant une version très différente, maladroite, sarcastique et inadaptée du personnage. Son Marlowe convenait aux années 70, dans un décor confus de Los Angeles où il n'arrivait tout simplement pas à prendre pied. C’est bien sûr le but du film, et Gould fait un travail de gonzo en incarnant un Marlowe sans but. L'ensemble du film reflète le manque de concentration de Marlowe et apparaît comme un étrange fouillis d'improvisation ou de rêves lucides, y compris un segment notable avec un très jeune Arnold Schwarzenegger, moustachu et sans dialogue, essayant d'aider Marlowe à se déshabiller. Et ne vous y trompez pas, Schwarzenegger est assez énorme.

Ce qui rend « The Long Goodbye » si brillant est probablement ce qui décourage certains téléspectateurs. À savoir, ce n’est pas du tout un film noir. Il utilise simplement les attributs d’un roman policier pour se moquer des romans policiers. L'intrigue du livre et sa série de circonvolutions ridicules font à peu près la même chose. De plus, « The Long Goodbye » est un film de Robert Altman. Altman est le gars qui a réalisé « M*A*S*H » dans les années 1970, ce qui devrait vraiment tout expliquer.