5 chansons rock qui redéfinissent les hymnes d’amour

Il n'y a rien de plus cathartique qu'un hymne d'amour rock pour exprimer vos sentiments intérieurs. Parfois, un hymne d'amour percutant crie contre la solitude ou plaide auprès de quelqu'un qui ne vous aime pas en retour. Les ballades sont peut-être agréables pour les moments doux et tristes, mais le médium cathartique de la musique rock nous aide à exprimer les sentiments frustrants avec la force qu'ils méritent. Oubliez les chansons d’amour rock qui ont horriblement vieilli ; lorsque tous les éléments sont réunis dans un hymne d’amour rock parfaitement équilibré, cela réécrit les règles du jeu.

Comment identifier une chanson rock en un hymne d’amour suffisamment puissant pour en redéfinir le format ? À notre avis, c'est une chanson qui remet en question ou explique le pouvoir transformateur de l'amour et le fait sans se retenir. Il y a bien sûr des accords de puissance et des paroles qui remettent en question la notion de ce que peut être l'amour. Et ils doivent inviter les auditeurs à chanter et à se sentir en harmonie. Si vous pouvez ceinturer tout en remettant en question le besoin de connexion, comme « What About Love ? » de Heart. ou grognez tout en défendant la bataille pour le garder une fois que vous l'avez trouvé comme « Love is a Battlefield » de Pat Benatar, alors vous avez trouvé un hymne d'amour pour les âges.

Parmi toutes les chansons rock qui professent et se lamentent sur le pouvoir de l’amour, nous pensons que ces cinq sont des créations marquantes qui plantent un drapeau dans le paysage de la passion, de la romance et de la solitude. Si vous avez déjà ressenti la pleine force de la musique rock et de l’amour coïncider, levez le poing et plongez.

Bon Jovi a lancé une émeute rugissante d'hymne d'amour lorsque le groupe a sorti « Livin' on a Prayer » en 1986. Nous savions tous qu'il y avait quelque chose de différent à propos de ce torride à partir du moment où nous avons entendu la guitare de Richie Sambora passer à travers cet étrange filtre vocal humain. Et quand il a finalement atteint ce refrain ultra-chantable qui s'est transformé en une déclaration de dévotion emblématique, le tissu de la réalité musicale a changé pour de bon. Il s'est hissé au premier rang et a fait du groupe une véritable force rock.

L'histoire de Tommy et Gina a trouvé un écho auprès de tous ceux qui ont déjà donné tout ce qu'ils avaient par amour, et de tous ceux qui ont toujours souhaité avoir une connexion aussi ardente. Ce n’est pas un de ces airs romantiques qui réaffirment la douceur sucrée de l’amour. C'est l'hymne d'amour qui dit que même lorsque les choses se dégradent et que vous n'avez plus rien d'autre que l'un l'autre, vous n'êtes pas en mesure d'abandonner ; en fait « à mi-chemin… vivant de prière ». Il reformule intelligemment l'idée selon laquelle si vous abandonnez lorsque les temps sont durs, vous passez à côté des choses incroyables qui s'annoncent.

Vous n'avez pas besoin d'être Tommy ou Gina pour ressentir le pouvoir anthémique de cette puissante chanson. Il suffit d'imaginer à quel point ces deux personnages s'aiment – ​​prêts à faire tout ce qu'il faut pour que les choses fonctionnent. Maintenant c'est un hymne d'amour.

Il n'y a rien de plus anthémique que les sœurs Wilson rugissant dans le vide tout en s'adressant à un partenaire potentiel capricieux : « Et l'amour ? Tu ne veux pas que quelqu'un se soucie de toi ? » Dans le contexte de la chanson, il est clair qu'Ann et Nancy ont quelqu'un en particulier en tête, quelqu'un qui ne peut pas surmonter sa réticence et céder à l'idée d'un véritable amour. Mais philosophiquement, il semble qu'ils remettent également en question leur propre besoin d'amour, ce qui les rend nous question notre besoin d'amour aussi. C'est comme si ce groupe de rock des années 80 nous rappelait qu'il y a plus dans la vie que courir après le papier et courtiser l'influence.

Cette tranche astucieuse de power pop a donné au groupe une mise à niveau commerciale brillante, gardant le travail de guitare musclé de Nancy et la voix canon d'Ann sous les projecteurs. Mais le groupe avait désormais de grands cheveux et des costumes pailletés qui semblaient plus glamour que leur image précédente. Ce fut un changement radical qui donna au groupe un profil plus commercial et conduisit à un retour massif.

Il y avait aussi un nouvel élément dans la boîte à outils : la vulnérabilité, une évolution des chansons d'autonomisation du groupe des années 70 comme « Barracuda » et « Crazy on You ». De nouvelles textures émotionnelles étaient entrées en scène, donnant au groupe l'espace nécessaire pour grandir et adapter son son à un public élargi. Cela a également donné aux fans un morceau accrocheur à référencer lorsqu’ils plaident pour un moment d’amour non partagé. Le fait qu’il soit classé dans le top 10 n’a pas nui aux choses.

Les sons stridents d'Axl Rose sont peut-être un véhicule improbable pour livrer ce qui est essentiellement une déclaration d'amour sur le travail de guitare ultra chargé de feedback de Slash, mais « Sweet Child O' Mine » de Guns N' Roses bénéficie en fait de l'émotion brute. Les arpèges d'ouverture sont désormais l'un des riffs rock par excellence des années 80, voire de l'ensemble de la musique moderne, un point à point à haute énergie qui ouvre la voie à une version plus optimiste de la formule d'alchimie musicale du groupe. Et le refrain est un standard à chanter qui résonne depuis des décennies, ce qui en fait un hymne ensoleillé qui célèbre simplement l’amour – et remet en question la suite.

Bien que les paroles parlent de la petite amie d'Axl Rose à l'époque, Erin Everly, l'élément « enfant » et le manque notable de contenu lubrique permettent de confondre facilement les paroles avec une célébration de l'amour d'un père pour sa fille. Ce genre d'inclusivité a conduit le groupe à approuver un livre d'images illustré pour enfants utilisant les paroles comme texte en 2020. Combien d'hymnes d'amour peuvent dire cela ?

La chanson est devenue la seule chanson n°1 du groupe sur le Billboard Hot 100 en 1988. Mais les streamers l'aiment autant que les fans originaux de Guns N' Roses ; la chanson a dépassé le milliard de flux Spotify en 2021 et a été la première vidéo des années 80 à atteindre un milliard de vues sur YouTube. Celui-ci est un hymne qui traverse les âges sans perdre sa puissance.

Comme le disent les hymnes d'amour sur la solitude, « Somebody to Love » est à peu près aussi énergique que possible. Après avoir décrit à quel point sa recherche d'une connexion plus profonde a été infructueuse, Freddie Mercury atteint les notes aiguës et lance la question cosmique : « Quelqu'un peut-il me trouver quelqu'un à aimer ? » Il tranche le cœur avec un désir familier et insatisfait. Très probablement, vous dansez également sur cette mélodie brûlante, pris dans le rythme shuffle et chantant avec les couplets mélodiques élevés.

Si cela sonne un peu différent des autres œuvres du groupe, c'est peut-être parce que le groupe s'est inspiré des sonorités gospel et des sons d'Aretha Franklin. Le leader Freddy Mercury était amoureux d'elle et voulait que la chanson ressemble à un hommage à son travail. Creuser profondément ainsi a aidé Mercury à évoquer une performance vocale qui plonge et plonge, capturant toute la gamme de l'espoir et de la déception que l'amour présente souvent.

Lors de la création de « Somebody to Love », Mercury l'a mis au défi de remporter « Bohemian Rhapsody », qui est parfois considérée comme une chanson des années 70 douloureusement surfaite. Il était convaincu qu'il pouvait faire mieux, et le résultat a été cet hymne palpitant auquel toute âme amoureuse qui s'est déjà demandée quand son âme sœur arriverait peut s'identifier. Il n’a peut-être atteint que la 16e place du Billboard Hot 100 – comparé à « Bohemian Rhapsody » qui a atteint la 2e place – mais il résonne à un niveau beaucoup plus profond.

Dans les années 80, on pouvait toujours compter sur Pat Benatar pour offrir une tranche de vérité brûlante sous la forme d'une chanson rock percutante. Son classique « Love is a Battlefield » est un excellent exemple de la façon dont elle a fait évoluer son son puissant en incluant de nouvelles textures tout en créant un cri de ralliement pour tous ceux qui se sont déjà battus pour l'amour. Lorsque Benatar atteint le refrain et chante « Nous sommes forts, chagrin contre chagrin, nous sommes debout », cela devient un aveu d'une vérité difficile. Personne n’entre dans une nouvelle relation sans cicatrices, et si le combat en vaut la peine, vous pourriez en avoir quelques autres.

L'un des deux nouveaux morceaux ajoutés à « Live from Earth » de Benatar sorti en 1983, la chanson est devenue son premier single dans le top 5 et lui a donné un son plus expansif qu'elle utilisera tout au long des années 80. Benatar et son partenaire musical, Neil Giraldo, ont en fait retravaillé la démo créée par les auteurs-compositeurs Holly Knight et Mike Chapman pour ajouter des couches rythmiques et une version plus atmosphérique que le label n'aimait pas vraiment au début. Le sifflement, le tempo, le rythme aléatoire de la boîte à rythmes – tout cela criait « R&B » au label. Heureusement, Giraldo les a persuadés de le publier tel quel.

Grâce au look dance hall post-apocalyptique du clip, « Love is a Battlefield » a élargi le lien historique de Pat Benatar avec MTV. La séquence de danse emblématique a fourni des visuels inoubliables qui ont montré à toute une génération comment se battre pour l’amour.