Chansons des années 80 avec les histoires les plus folles

Certaines chansons viennent de lieux profonds, personnels et confessionnels, certaines sont le résultat d'un travail acharné et militaire, et d'autres encore sont simplement improvisées. Certains ont mis des années à être écrits, comme l'odyssée de six ans qui a donné naissance au magnum opus de Queen, « Bohemian Rhapsody ». D'autres, comme « Fortunate Son » de Creedence Clearwater Revival (avec John Fogerty comme scénariste), n'ont pris que 20 minutes pour écrire, peu importe la manière dont cela s'est déroulé au cours des courants politiques de l'époque. Et parfois, l’histoire d’une chanson est tout aussi intéressante que la chanson elle-même, sinon plus.

Prenez « Love Song » de Sara Bareilles en 2007. Le bopper simple et sucré du piano devient beaucoup plus intéressant lorsque vous apprenez que le morceau était son propre « f *** you », comme la cite Glamour, aux machinations de l'industrie musicale. D'où le refrain : « Je ne vais pas t'écrire une chanson d'amour / Parce que tu l'as demandé, parce que tu en as besoin d'une. » années 1991

« Shiny Happy People » de REM est un autre bon exemple, que le chanteur Michael Stipe a qualifié de « chanson vraiment fruitée, du genre bubblegum », selon The Quietus. C'est tragiquement fruité, car il est basé sur une affiche moaïste qui disait : « Des gens brillants et heureux se tenant la main ». Et bien sûr, la chanson est sortie deux ans après les manifestations de la place Tiananmen à Pékin en 1989.

Les chansons des années 80 sont également dotées de leurs propres histoires, dont certaines sont légitimement sauvages et de leur époque, comme le conte torride derrière « Rocket Queen » de Guns N' Roses. D'autres sont surprenants et révèlent exactement ce qui se passe dans les coulisses avant qu'une chanson n'atteigne le public, comme dans le cas de « Total Eclipse of the Heart » et « Don't Stop Believin' ».

Allez-y et dites « Don't Stop Believin' » et voyez s'il est possible de ne pas le dire comme le chante Steve Perry de Journey. Et puis, pour encore plus de plaisir au karaoké, essayez d'atteindre les notes aiguës qu'il atteint pendant la réplique « Streetlight people ». Oui, non seulement « Don't Stop Believin' » Journey de 1981 est la plus grande chanson de Journey de loin (plus de 2,6 milliards d'écoutes sur Spotify), mais c'est une masterclass d'écriture de chansons serrées et émotionnelles et de chant virtuose. Il est naturel de supposer qu'une telle chanson a pris beaucoup de temps à créer, jusqu'à chaque note de chaque passage qui raconte le voyage (hah) de cette fille d'une petite ville, du garçon de la ville et des autres rêveurs enfermés dans des vies insatisfaisantes au potentiel incalculable. Mais non. Cela a été écrit en un rien de temps.

Dans une interview avec Rick Beato, alias « ce type qui connaît littéralement tout le monde dans l'industrie musicale », le guitariste de Journey et le seul qui reste du groupe original, Neal Schon, décrit avoir reçu une invite inattendue qui l'a amené à écrire la structure d'accords principale de « Don't Stop Believin' » : « Joue quelque chose de stupide ». Au cours d'une discussion sur un ampli Roland, Schon a déclaré qu'il avait accepté la demande et joué avec quelque chose de très similaire à la partie rythmique reconnaissable de « Takin' Care of Business » de Bachman-Turner Overdrive de 1974. Il semble que le groupe et ses producteurs aient fait cette demande, mais ce n'est pas clair.

Finalement, le prototype de la chanson de Schon est devenu la progression d'accords simple et efficace I-V-vi-IV (Emaj-Bmaj-C#min-Amaj) de « Don't Stop Believin' » (les fans de « Glycerine » de Bush : préparez-vous à être époustouflés). C’est plutôt bien pour une chanson qui a atteint le statut de double diamant, soit 20 millions de ventes, en 2024.

En fonction de votre tolérance pour le visage d'Axl Rose, de votre tendance à penser en images ou de votre sens général des convenances sociales, cette prochaine histoire peut sembler un peu déplaisante. Certains pourraient penser que si nous citons Guns N' Roses dans cet article, nous allons parler de la façon dont « Sweet Child O' Mine » était basé sur un simple exercice de guitare de Slash. Mais non, cette histoire est fausse. Ce qui n'est pas faux, cependant, c'est une histoire bien plus scandaleuse sur des sons sexuels réels étant, euh… insérés dans « Rocket Queen » de 1987 de « Appetite for Destruction ».

Comme le raconte Rolling Stone, les sons sexuels proviennent d'Axl Rose et d'une danseuse érotique alors âgée de 19 ans, Adriana Smith. Smith était la petite amie du batteur de Guns N' Roses, Steven Adler, et a accepté la séance de sexe/d'enregistrement parce qu'elle voulait se venger d'Adler pour l'avoir trompée et parce que : « Je ferais tout ce qu'Axl me demanderait de faire… Il est putain de magique. »

Smith dit que Rose l'a critiquée au milieu de l'acte pour avoir simulé des choses, l'encourageant à « rendre les choses réelles ». Elle dit aussi que tout cela l'a gâchée pendant des années. Même s'il n'est pas trop difficile de croire que de tels événements ont suivi Guns N' Roses dans leur sillage festif, certains médias qualifient encore l'ensemble de l'incident de « présumé ».

Sans entrer dans trop de détails, les sons sexuels se produisent à mi-chemin de « Rocket Queen » au cours d'un solo qui, sans coïncidence, atteint son paroxysme. Et quant aux paroles de la chanson, elles contiennent des lignes révélatrices comme : « Je suis une insinuation bisexuelle dans ce paradis brûlé / Si tu m'excites à quoi que ce soit, tu ferais mieux de m'exciter ce soir. » En effet, Axl. En effet.

Pendant un instant, essayez d'oublier Bonnie Tyler et tous les souvenirs liés à son énorme succès de 1983, « Total Eclipse of the Heart ». Ensuite, regardez le clip, qui se déroule dans un manoir sombre aux allures de cathédrale, rempli de vent, d'images gothiques, ainsi que de joueurs de football et de ninjas, pour une raison quelconque. Écoutez l'immense mélodrame de la musique et imaginez-le sur une comédie musicale comme « Le Fantôme de l'Opéra » ou un film comme « Rocky Horror Picture Show ». Cela correspond parfaitement car la chanson a été écrite à l'origine pour une comédie musicale sur Nosferatu, le vampire du film de 1922 (et éventuellement de 2024) inspiré du roman de Bram Stoker de 1897, « Dracula ».

Au cas où vous vous poseriez des questions sur le pedigree de la chanson, « Total Eclipse of the Heart » a été écrit par Jim Steinman. C'est le gars qui a écrit « Je ferais n'importe quoi par amour (mais je ne ferai pas ça) », « Two Out of Three Ain't Bad » et « Paradise by the Dashboard Light » pour Meat Loaf, « It's All Coming Back to Me Now » pour Céline Dion et « Holding Out for a Hero » pour Bonnie Taylor. Alors oui, Steinman possède un talent inégalé pour écrire une musique pop grandiose et théâtrale qui appartient à la scène. En fait, la version originale de « Total Eclipse of the Heart » a pris racine en 1969 lorsque Steinman a sorti sa comédie musicale rock « The Dream Engine ».

C'est Tyler qui a contacté Steinman après avoir vu Meat Loaf interpréter des chansons du monumental « Bat Out of Hell » de 1977 parce qu'elle voulait travailler avec lui. Steinman a d'abord refusé, mais a changé d'avis lorsqu'il a entendu Tyler chanter. Quant à la chanson elle-même, Steinman a déclaré qu'elle parlait de « le pouvoir des ténèbres et de la place de l'amour dans (le) noir » (par Louder Sound).

C'est un témoignage de la puissance de « One » du quatrième album de Metallica, « … And Justice for All » de 1988, que la chanson semble encore horrifiante aujourd'hui. « One » est une incursion sombre et déchirante dans le désespoir et la terreur vécus par un ancien combattant qui a perdu non pas un, ni deux, mais ses quatre membres ainsi que son ouïe, sa vue, sa parole – tout. Comme le disent les paroles de la chanson sur l'un des ponts les plus intenses, les plus puissants et les plus mitraillants de toutes les chansons de métal, « Les ténèbres, m'emprisonnant / Tout ce que je vois, l'horreur absolue / Je ne peux pas vivre, je ne peux pas mourir / Piégé en moi-même, corps ma cellule de détention. »

Bien qu'il soit possible d'écouter « One » sans comprendre son sujet, la vidéo en noir et blanc de la chanson et l'éventuelle interprétation de la chanson par Metallica aux Grammy Awards 1989 (quand ils ont perdu de manière controversée contre Jethro Tull), avec des canons et des coups de feu simulés, ont rendu ses paroles difficiles à ignorer. Heureusement, personne chez Metallica ne connaissait quelqu’un qui ait vécu une telle épreuve. L'histoire et la trame de fond de la chanson proviennent plutôt d'un roman de guerre de 1939 intitulé « Johnny Got His Gun », de Dalton Trumbo. Le leader de Metallica, James Hetfield, a lu le livre, qui avait également été adapté en film du même nom en 1971, et a plus ou moins transcrit son histoire sous forme musicale.

Metallica a également abordé la guerre comme sujet dans « Pour qui sonne le glas » du roman d'Ernest Hemingway du même nom, tiré de « Ride the Lightning » de 1984, et dans la chanson « Disposable Heroes » de « Master of Puppets » de 1986, qui raconte son histoire directement dans son titre. Mais en fin de compte, l’histoire vraiment horrible de l’histoire de « One » vient des guerres réelles qui ont inspiré sa propre inspiration littéraire de 1939.

Purifions l'air ce soir (oh Seigneur) : le remplissage de batterie dans « In the Air Tonight » de Phil Collin en 1981 est l'une des utilisations de la batterie, sinon la plus mémorable, la plus effrayante, explosive et émotionnelle dans une chanson, jamais. Le fait que le moment emblématique prenne plus de trois minutes pour arriver témoigne de la qualité de la musique, mais la chanson reste captivante jusque-là avec rien d'autre qu'une instrumentation minimale et la voix de Collin. De plus, il y a toute l'histoire de Collins qui a été témoin d'un meurtre lorsqu'il était enfant, qui a engagé un détective pour retrouver le tueur à l'âge adulte et qui a donné au tueur un billet pour son concert afin que le gars puisse être arrêté devant la foule de manière dramatique et condamnatoire, car c'est de cela que parle « In the Air Tonight ». Tu dis quoi, encore ?

Ce conte a circulé pendant un certain temps et est devenu une véritable légende urbaine, articulée sur quelques lignes de « In the Air Tonight », comme « Eh bien, si tu me disais que tu te noies / Je ne donnerais pas un coup de main » et « Eh bien, j'étais là et j'ai vu ce que tu as fait / Je l'ai vu de mes propres yeux ». Ce n’est pas non plus une nouvelle histoire. Dans « Stan » des années 2000, Eminem dit : « Vous connaissez la chanson de Phil Collins, « In the Air of the Night » / À propos de ce type qui aurait pu sauver cet autre gars de la noyade.

En 2016, Collins a remis les pendules à l'heure avec « The Tonight Show Starring Jimmy Fallon ». La légende est fausse, dit-il. « In the Air Tonight » parlait du divorce qu'il traversait lorsqu'il l'a écrit, et il était « énervé » – c'est tout.