Des musiciens qui ont changé de genre et trahi leurs fans les plus fidèles

Pour chaque Taylor Swift ou Shania Twain qui croisent et élargissent leur public tout en amenant d'anciens fans, il y a un Chris Cornell ou un Jewel dont les adeptes ne sont pas disposés à les accompagner. Certains de ces artistes peuvent se retrouver avec un succès ou deux, mais en fin de compte, ils deviennent l'objet de propos moqueurs et finissent par se déplacer vers le centre pour garder leurs fans heureux et les dollars qui rentrent.

Il y a même des artistes qui se situent à l’opposé du spectre musical pour tenter de démontrer leur pertinence. Si vous avez entendu Pat Boone interpréter des airs classiques de heavy metal ou Garth Brooks jouer le rôle de la rock star Chris Gaines, vous savez exactement comment ça s'est passé. C'est une chose de vouloir étendre votre créativité dans de nouveaux domaines ; c'est quelque chose de complètement différent de lancer une balle courbe à vos auditeurs dévoués dans l'espoir d'élargir votre audience et votre valeur marchande.

Au fil des années, les pires musiciens qui ont changé de genre ont donné aux critiques et aux auditeurs suffisamment de matière à leurs canons à plaintes. Même s’ils se sont retrouvés là où ils avaient commencé, ces groupes ont découvert qu’essayer de changer de ton était un faux pas majeur.

Jefferson Starship était un groupe avec un million de vies – ou au moins un million de noms. D'accord… donc il n'y avait que trois noms. Mais à chaque changement de nom, le son changeait en même temps. Les premiers styles psychédéliques du hymne hypnotique des années 60 de Grace Slick, « White Rabbit », sont tombés lorsque Jefferson Airplane s'est transformé en Jefferson Starship, une version plus commerciale prête à connaître le succès dans les années 70. Le groupe s'est un peu adouci à la fin de la décennie mais a gardé son esprit rock – et sa place dans les charts, grandement aidé par le talentueux Marty Balin et des chansons comme « Miracles » et « Count on Me ». Dans ce cas, à chaque changement de nom et de genre, le public du groupe suivait.

Mais quelque chose de terrible s'est produit au milieu des années 80, et « No Way Out » est devenu la dernière fois que nous avons entendu parler du Jefferson Starship orienté rock. En 1985, le groupe rebaptisé simplement Starship et entame une descente inquiétante vers la musique pop plastique. Le groupe a atteint la première place et a touché le fond en même temps avec « We Built This City », un fiasco désinvolte et en tête des charts. Nous pensons que c'est la pire chanson des années 80, et nous ne sommes pas seuls dans ce cas.

D'autres drecks n°1 commercialisés comme « Nothing's Gonna Stop Us Now » ont prouvé que le son tranchant du début des années 80 avait été débarrassé de tout talent artistique restant. Il y aurait deux autres albums imprégnés de synthé avant que Starship n'arrive pour son atterrissage final, bien qu'un nouveau Starship ait été lancé en 2012 et continue sa tournée aujourd'hui (espérons-le sans cette terrible chanson).

Vous vous souvenez quand Garth Brooks a évoqué la rock star imaginaire Chris Gaines pour se jeter sur ses fans ? C’était exactement le genre de chose qu’un artiste trop dramatique comme Brooks ferait. Quiconque avait déjà vu sa prestation surmenée de « The Thunder Rolls » savait que les ambitions cinématographiques du gars allaient forcément s'échapper un jour. Mais peu de gens auraient pu deviner qu’ils prendraient la forme d’un alter ego du rock alternatif mal exécuté.

Ce fut l’un des changements de genre les plus ridicules et les plus infructueux de toute l’histoire de la musique moderne. Rien dans tout cela ne sonnait vrai ; pas les photos d'un Brooks aux perruques hirsutes avec un patch d'âme faisant des yeux maussades à la caméra, pas la prétention que c'était quelqu'un de complètement différent de Brooks lui-même. Certes, la musique n'avait pas l'air sincère, avec un single clé étant « Right Now », où Brooks/Gaines « rapaient » sur une version échantillonnée du classique folk plein d'espoir des Youngbloods, « Get Together ».

Au moins, lorsque certains artistes se lancent dans un nouveau genre, c'est une tentative sincère d'élargir leur canon musical. Pour Brooks et son expérience ratée de Chris Gaines (ne prêtez pas attention au single « Lost in You » teinté de R&B dans le top 5 par hasard qui pourrait facilement être confondu avec une chanson de Kenny Loggins produite par Babyface), c'était simplement une manière rebutante pour l'artiste de passer à la pop sans craindre la perte de son public country principal. Une fois terminé, Brooks est retourné à la musique country et y est resté.

On n'entend plus beaucoup parler de Jewel, même si sa musique était un ajout frappant au paysage radiophonique du milieu des années 90. Elle est arrivée alors que les auteurs-compositeurs-interprètes faisaient leur résurgence sur la scène. Des morceaux comme « Who Will Save Your Soul » étaient plutôt bluesy, country-folk, un peu pop et très personnels. Les déchirants « Foolish Games » et « Hands » ont propulsé la chanteuse dans le top 10. Elle a littéralement touché une corde sensible auprès des auditeurs à la recherche d'une interprète qui ne se limite pas à de simples descriptions.

Mais après s'être imposée comme une fille terreuse avec une présence de guitare qui a évité le glamour commercial, Jewel a pris un virage serré à gauche vers le pays de la musique techno-dance-pop avec son quatrième album studio, « 0304 » de 2003, propulsant ses fans dans une boucle sonore. La tentative de redéfinition la plus visible a été « Intuition », une chanson indéniablement entraînante, mais de la manière la plus non-Jewel possible. Bien sûr, les paroles peuvent inciter les auditeurs à se laisser guider par leur cœur au lieu de suivre les tendances, un message que les adeptes obsédés par les médias sociaux ne semblent pas tenir compte. Le succès des charts dance a suivi, mais la présentation était résolument d'une manière brillante contre laquelle Jewel semblait chanter.

La dissonance cognitive n'a pas empêché la chanson d'atteindre la 20e place du Billboard Hot 100. Mais la chanteuse a repris ses esprits et est revenue à ses origines avec son prochain album, « Goodbye Alice in Wonderland » en 2006, un album racines et confessionnel orienté guitare qui semblait beaucoup plus authentique.

Félicitations au dieu du grunge Chris Cornell pour avoir étiré ses cordes vocales du rock croustillant vers d'autres domaines de la créativité musicale. Le défunt leader de Soundgarden et Audioslave avait une voix brûlante comme peu d'autres rock stars ont déchaîné sur le monde, et ses partisans dévoués l'adoraient pour cela. Mais s'éloigner des genres rock plus lourds et passer à la sphère de la pop R&B n'était pas quelque chose que ses fans étaient prêts à tolérer.

Cornell a tenté de passer du grunge au hip-pop avec l'aide du producteur extraordinaire Timbaland, le génie qui a contribué à donner à Missy Elliot et Nelly Furtado toutes sortes de bonbons brillants pour les oreilles. Le résultat fut l’album « Scream » de 2009. Les fans se rendent toujours sur Reddit pour débattre des mérites de Cornell en modifiant ses créations lyriques pour les adapter aux sons que Timbaland lui évoquait. Le contenu lyrique plus personnel était parsemé de lignes qui dégradaient les femmes et parlaient d'être dans « le club », qui étaient si éloignées du credo fondamental de Cornell que les auditeurs ne pouvaient pas l'accepter comme un changement sincère. Il y avait aussi le sentiment que Cornell rétrécissait sa voix pour l'adapter aux chansons plutôt que de se déchaîner comme d'habitude.

Les critiques de « Scream » étaient globalement mitigées, mais Cornell semblait comprendre le message. Son album suivant, « Songbook » acoustique de 2011, était un retour bienvenu à ses racines rock, mais avec les amplis débranchés – et sans boîtes à rythmes.

Qui aurait cru que Pat Boone, le crooner américain des années 50 et 60, se lancerait un jour dans le métal ? Boone a passé les premières décennies de sa carrière à construire un répertoire musical strictement représentatif des valeurs familiales dites saines. Dans les années 70, il s'est tourné vers la musique gospel et est devenu un phare musical pour la communauté chrétienne, s'imposant comme une pop star contemporaine pour ceux qui aiment le côté sacré de la vie.

Puis, à l'improviste et poussé par nul autre que Dick Clark lui-même, Boone a fait un tour de tête plus déroutant qu'un « Exorcist » en 1997 et a sorti son propre album de reprises de chansons métal, intitulé « No More Mr. Nice Guy ». Il a donné à des compositions comme « Enter Sandman » de Metallica son propre traitement de big band ringard et a fait appel à certains des artistes originaux pour contribuer aux chœurs, mais il a chanté les paroles telles qu'elles étaient écrites. C’était la définition du grincer des dents, et cela nous fait encore mal aux dents quand on y pense.

Oui, l'interprète de milquetoast qui accusait le secteur du heavy metal de corrompre les jeunes esprits chantait soudain ses louanges – et il a même habillé le rôle, portant sa version en cuir et clous avec une boucle d'oreille en or pour accompagner le tout. Ses fans le considéraient comme un vendu qui était passé du côté obscur. C'était un stratagème publicitaire tellement hypocrite que la société de télévision chrétienne Trinity Broadcasting Network a annulé l'émission de Boone, bien qu'elle ait reconsidéré sa décision une fois que Boone s'est excusé.