Les 5 meilleurs supergroupes Funk de tous les temps

Bien que le genre semble flirter uniquement avec la popularité grand public, le funk reste l'un de ces rares cas où les fêtards et les nerds audiophiles convergent. Cette dynamique – une confluence de intellectuels et de lowbrows qui plaît aux fans des deux au détriment de ni l'un ni l'autre – produit un résultat remarquable lorsque les universitaires musicaux érudits du genre et les comédiens sonores surréalistes collaborent. À cette fin, nous voulions jeter un œil à certains des mashups funk les plus satisfaisants jamais créés.

La plupart des gens peuvent citer au moins quelques albums classiques qui définissent le funk, mais il y a une plongée plus profonde à faire dans les confins d'un genre qui reste largement apprécié même s'il ne semble que flirter avec la popularité grand public. Qu'il s'agisse du bassiste du groupe le plus accompli du funk qui se lance dans un voyage mystique ou d'un groupe hétéroclite de thrash rockers à la recherche d'un nouveau groove, il y a des vibrations vraiment géniales partout.

Le surnom de MVP, abréviation de « The Mark Varney Project », a servi de nom de groupe à deux enregistrements instrumentaux de stars publiés par le producteur titulaire. Le premier album du projet, « Truth in Shredding » des années 1990, présentait une multitude de talents de guitare haut de gamme dans un contexte de jazz fusion. Le suivi du groupe, « Centrifugal Funk » de 1992, a élargi le dynamisme instrumental dans le domaine du funk avec des démonstrations incessantes de virtuosité aveuglante fermement intactes.

Construit autour des talents terrifiants des guitaristes Frank Gambale, Brett Garsed et Shawn Lane, mais maintenu par les grooves implacables du batteur Joe Heredia, l'album est une masterclass enivrante d'improvisation aussi lyrique et mélodique que physiquement punissante. Des standards de jazz comme « So What » de Miles Davis et « Actual Proof » de Herbie Hancock deviennent la toile sur laquelle des cadences funk ultra-lisses dialoguent avec des lignes principales à la langue acérée. C'est le genre de son qui se sent aussi bien dans une salle de danse du début des années 80 que dans les écouteurs d'un étudiant en musique pathologiquement engagé qui passe des heures dans une salle de répétition.

« Centrifugal Funk » s'avérera être le dernier album sorti sous le surnom de MVP. Les deux albums sont, certes, destinés à être des matchs d'exhibition plutôt que les produits d'un groupe entièrement formé et cohérent, mais le deuxième et dernier album offre une richesse de balades sonores pour les amateurs de funk et de fusion.

Les années 1980 ont vu la popularité initiale du funk décliner à mesure que le style lui-même s'hybride, fusionnant avec des genres émergents. Prince, Cameo et Rick James faisaient partie des artistes éminents qui ont introduit le funk dans de nouveaux domaines de la musique électronique et du hard rock. Cette expansion dans toutes les directions n’est pas passée inaperçue auprès de l’équipe créative derrière l’un des plus grands groupes pop de la décennie.

En 1983, le bassiste John et le guitariste Andy Taylor (aucun lien de parenté) étaient très fiers du succès de Duran Duran, mais s'épuisaient rapidement devant les contraintes stylistiques et les exigences commerciales liées au fait de jouer dans un groupe pop grand public. Cherchant une activité secondaire où ils pourraient vraiment se laisser aller (c'était les années 80, après tout), ils ont formé The Power Station pendant que leur groupe principal prenait une pause et ont sorti leur LP éponyme en 1985.

Tenu par les grooves enivrants du batteur de Chic Tony Thompson et complété par le chant de la légende de la soul aux yeux bleus Robert Palmer, l'album est un tour de force interculturel avec des leads hard rock partageant l'espace avec des motifs de batterie funk, des riffs de basse tout aussi dansants et des voix principales d'homme d'affaires matures qui sont aussi accros au rythme qu'à l'amour. Les morceaux remarquables comprenaient « Some Like It Hot » et une reprise vertueuse de « Get It On (Bang a Gong) » de T. Rex qui fait fortement écho au pionnier du funk James Brown.

L'album a été un énorme succès, atteignant la 6e place du Billboard 200, mais le succès initial a été de courte durée. Palmer a choisi d'abandonner le groupe quelques jours seulement avant leur prochaine tournée, invoquant des problèmes budgétaires, le style de vie rockstar de John et Andy Taylor et sa propre carrière solo naissante. Le groupe s'est réuni de nouveau en 1996 pour l'album « Living in Fear », mais la mort de Palmer et Thompson en 2003 a finalement mis la Power Station hors ligne.

Tous les supergroupes funk ne doivent pas nécessairement être des artefacts d’une époque révolue. Dans le cas de Scary Goldings, la chute brutale se poursuit sans relâche dans l’ère moderne. Faisant ses débuts enregistrés avec le LP éponyme de 2018, Scary Goldings est une collaboration entre le claviériste Larry Goldings – connu dans le monde du jazz pour son travail avec Pat Metheny, Michael Brecker et Jack DeJohnette, entre autres – et Scary Pockets, le collectif funk fondé par nul autre que le PDG de Patreon, Jack Conte.

Le groupe, dont les sorties live et enregistrées mettent souvent en vedette la légende de la guitare jazz John Scofield, est le résultat de l'éthique de travail prolifique qui a vu les Scary Pockets originaux publier des vidéos hebdomadaires sur YouTube depuis 2017. C'est un son serré et convivial pour les musiciens qui met l'accent sur la cohérence du groupe dans la tradition de Miles Davis de la dernière période ou du travail de Medeski, Martin et Wood. Le résultat est un ensemble de jam instrumental qui ne met pas tellement en vedette des solistes mais leur accorde la permission d'accentuer la révérence enfermée du collectif pour le groove tout-puissant.

Scary Goldings n'est pas seulement un ensemble musicalement accompli, c'est un triomphe du marketing Internet. Dans un monde où la cyber-auto-promotion frise souvent le pathologique, Scary Goldings (et sa société mère, Scary Pockets) ont accumulé des millions de vues avec des jams organiques et humains. Dans un monde où règnent les blipverts TikTok, Scary Goldings brille avec une âme funky.

Le discours éclair d'Infectious Grooves n'inspire peut-être pas beaucoup de confiance aux puristes du funk : les principaux membres du groupe éclectique de thrash punk Suicidal Tendencies veulent créer un groupe funk crossover avec des connotations hard rock. Étant donné le penchant de ce groupe pour le headbanging stupide, il est raisonnable de penser qu'Infectious Grooves pourrait s'orienter davantage vers le rock mosh-pit hardcore que vers le funk proprement dit. Mais comme le montre clairement le premier album de 1991, « The Plague That Makes Your Booty Move », il s'agissait d'un groupe avec une quantité remarquable de véritables connaissances funk et une maîtrise instrumentale à exploiter.

Infectious Grooves allait finalement devenir l'un de ces groupes qui ont perdu leurs bassistes au profit d'artistes à succès lorsque Trujillo a rejoint Metallica. Assumer l'un des concerts les plus convoités du métal finirait naturellement par dominer son emploi du temps, mais le bassiste continue de trouver le temps de jouer avec le groupe, qui a élargi son supergroupe de bonne foi au fil des ans, avec Josh Freese (Nine Inch Nails, A Perfect Circle) et Jay Wineberg (Slipknot) intervenant en tant que batteur à différents moments.

L'un des supergroupes funk les plus artistiquement denses proposés, le projet unique Zillatron a commencé comme une sortie solo du bassiste de Parliament-Funkadelic et de l'excentrique public éternellement glamour Bootsy Collins. Mais tandis que Collins est au cœur de la vision créative certes inexplicable de l'album, il est rejoint par le déchiquetage fou du guitariste Buckethead de Praxis et Guns N' Roses, les paysages sonores du producteur et pionnier du dub ambiant Bill Laswell et du claviériste de Parliament-Funkadelic Bernie Worrell (qui, avec Buckethead, rejoindra plus tard Bucket of Bernie Brains du Colonel Claypool, l'un des meilleurs supergroupes d'un album de tous les temps).

Le seul album du projet, « Lords of the Harvest » de 1994, est moins un ensemble de chansons structurées de manière traditionnelle qu'une plongée profonde dans ce à quoi cela aurait pu ressembler si Lewis Carroll s'était associé à Sun Ra. Les couplets appropriés et les refrains accrocheurs sont totalement évités au profit d'un voyage de conscience à travers un paysage sonore kaléidoscopique de basse slap, de bruit électronique délirant et de coups syncopés de guitare et de claviers, aussi difficiles à concentrer qu'à ignorer. Il y a des raps impertinents et des mélodies vocales occasionnelles, mais pour la plupart, c'est un rêve frénétique de fièvre funk qui se termine avant que l'auditeur ne comprenne pleinement ce qu'il vient d'entendre.

À la lumière de cette expérimentation abstraite, il peut sembler étrange de présenter Zillatron comme l’un des plus grands supergroupes funk de tous les temps. De telles spéculations sont sans aucun doute justifiées, mais le projet met en évidence le potentiel d’exploration et d’art avant-gardiste souvent inexploité au cœur de la musique funk. C'est un style qui fait le commerce de longs grooves ouverts et de manipulations sonores psychédéliques qui ressemblent à de l'art. Bootsy et sa compagnie méritent tout le mérite d'être allés là-bas, même s'il est discutable de savoir s'ils sont jamais revenus ou non.